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Nace una app de juegos para que padres e hijos se diviertan juntos

En un mundo cada vez más vertiginoso con pesadas e inciertas jornadas laborales, el tiempo de calidad que los padres pasan con sus hijos es casi inexistente. Si a esto le sumamos el cansancio y la falta de planificación, pasar tiempo con los más pequeños se puede convertir en toda una batalla. En este escenario llega «Hazte Pequeño», una aplicación gratuita orientada a proporcionar a todos los padres de recursos, ideas originales y divertidas para jugar con nuestros hijos. Basado en el libro infantil de juegos «Aprendiendo a ser Pequeño. 80 juegos con niños», de la autora Olga del Ama y la ilustradora Elena Villar, Hazte Pequeño propone juegos para que padres e hijos tengan siempre ideas novedosas para «tirarse al suelo» y jugar juntos. «Dentro de la aplicación de "Hazte Pequeño" podremos encontrar 60 juegos gratuitos diseñados para personas comprendidas entre 0 y 9 años, o entre 0 y 100 años, porque todos somos niños y todos contamos», explica Olga del Ama, fundadora del proyecto y quien destaca que «cuantos más juegos vayamos jugando con los niños, nuestro avatar se irá haciendo cada vez más y más joven hasta llegar a hacernos verdaderamente pequeños». Hazte Pequeño cuenta con un sistema de filtros de selección que facilita la localización del juego perfecto para cada momento. «Podemos indicar la edad de nuestros hijos, el tiempo libre con el que contamos para jugar con ellos, en qué entorno nos encontramos exactamente (dentro de casa, un restaurante, la playa, un parque etc.), y además podemos elegir el nivel de actividad física que tanto nuestros hijos como nosotros mismos queramos», mantiene Del Ama. La app ofrece además la posibilidad de señalar los juegos preferidos quedando guardados para que se pueda acceder de forma rápida en otras ocasiones. Lo cierto es que con cada juego los niños podrán reforzar distintos aspectos vitales de su desarrollo: psicomotricidad, socialización, coordinación, memoria, concentración, etc. Mientras, los adultos pueden involucrarse en el juego y liberarse para conectar con esa parte que con la edad suelen perder, quitándose esa máscara que con los años se van poniendo y disfrutando de su yo más divertido.
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José T. Raga: Sostenella y no enmendalla
Nunca pensé que llegara a una situación anímica como esta en la que me encuentro cuando escribo estas líneas.
Diario online con noticias de última hora y opinión - Libertad Digital
Lluís Llach canta "L'Estaca" a la Meridiana en el 130è dia de protesta
ccma.cat/324/
Prohiben oficialmente el "cara a cara" entre Wilder y Fury después del pesaje tras el altercado en la rueda de prensa
"La razón por la que se tomó la decisión, en nombre de la comisión, es porque lo sucedido durante la conferencia de prensa habla por sí mismo", declaró este jueves el director ejecutivo de la Comisión Atlética de Nevada, Bob Bennett Leer
elmundo.es
Así funciona el volante mágico de Mercedes que causa sensación
Mercedes sigue acaparando la atención en el inicio de la pretemporada de la Fórmula 1, bien por sus coches, por los rivales que montan sus motores o por sus inventos, el último de los cuales causó la sensación en Montmeló. La cámara subjetiva del coche de Lewis Hamilton mostró cómo el inglés cada vez que tomaba una recta tiraba del volante hacia sí. Ni un récord de tiempo del último equipo de la parrilla de F1 hubiese quitado protagonismo a la marca hegemónica, Mercedes, después de que el equipo campeón del mundo en los últimos seis años presentase en sociedad su último invento, el DAS. Se trata de un sistema en el que el piloto tira longitudinalmente del volante hacia sí cada vez que toma una recta y lo recoge en las curvas, provocándose una ligera convergencia de las ruedas delanteras, algo que este jueves no se tradujo en unos grandes tiempos, a pesar de las numerosas vueltas que dieron Hamilton, por la mañana; y su compañero finlandés Valtteri Bottas por la tarde. El director técnico de Mercedes, el inglés James Allison, explicó que el sistema cambia la convergencia de los neumáticos delanteros, y que con ello se podría gestionar mejor su temperatura y reducir la resistencia al aire, por lo que mejoraría la aerodinámica. Cuando habló de la legalidad del intento, Allison fue contundente: «Esto ya está hablado con la FIA y la normativa permite ajustes en los sistemas de dirección». No obstante, donde es mucho más rígida la normativa es en las suspensiones cuando el coche está circulando, ya que aquí es donde el piloto no puede incidir con ningún mecanismo. «En los próximos días veremos en qué beneficia el DAS y qué nos aporta», señaló Allison, ante el interés que generó esta nueva disposición en el coche alemán, aunque prefirió no dar más información. Fue la comidilla del día en el Circuito de Barcelona, el DAS y su legalidad, y si esto va a aumentar aún más la ventaja del Mercedes. La jornada concluyó con el finlandés Kimi Raikkonen (Alfa Romeo) como el más rápido del día (1:17.091), robándole esta posición al mejor tiempo efectuado en la mañana por el mexicano Sergio 'Checo' Pérez (Racing Point), con un crono de 1:17.347, montando un coche propulsado por un motor Mercedes. Hamilton habló sobre su renovación: «No he pensado mucho en eso, realmente. Estoy bien en el equipo. No sé cuándo nos sentaremos a hablar. No hay prisa. Ahora nuestros objetivos son los mismos. Seguro de que en breve nos sentaremos». «Mercedes me permitió ser quien quería ser. No me dijo cómo tenía que vestir ni qué tenía que decir. En Mercedes me ayudan a estar más implicado y a ser mejor piloto: más de lo que pensé que podía haber llegado a ser», añadió el inglés, quien añadió que en la negociación de su contrato es él quien llevará las riendas de los encuentros con Toto Wolff, jefe de la escudería.
abc.es
Ganar al Levante es tan importante como vencer al City y al Barcelona
Ganar al Levante es marcar un gol anticipado al Manchester City. La charla psicológica de Zidane con sus hombres ha sido importante y rotunda a lo largo de la semana. Vencer al Levante tiene tanta relevancia como el partido contra el conjunto de Guardiola, les ha dicho. Zidane ha dialogado con los jugadores madridistas en profundidad y les ha advertido: que no piensen en el City y en el Barcelona, porque se juegan la Liga también en campo del Levante. Los jugadores y el entrenador se han conjurado esta semana para atacar estos tres encuentros determinantes para el porvenir de todos ellos. El técnico francés les ha pedido que no guarden la pierna mañana en el estadio Ciudad de Valencia, pues si pierden los tres puntos ante los azulgranas levantinos el golpe será parecido a si los pierden con el Barcelona, tres puntos, aunque mediáticamente no se vea así. El hecho es que caer ante el Levante significaría que podrían acudir al clásico con dos puntos menos que el conjunto catalán y eso también se acusaría mentalmente. Les ruega que no piensen en reservarse mañana, porque vencer al Levante será una inyección y apoyo moral para atacar al City al Barcelona. Y perder frente al Levante después del empate contra el Celta abriría el capítulo de dudas y no será bueno para recibir a los dos grandes, City y Barcelona, que concentran la atención del público madridista. Pero para ellos, ha espetado Zidane, debe ser igual de importante ganar en Valencia y acudir al clásico como líderes.
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Dimite el primer ministro irlandés ante el bloqueo para formar Gobierno
El primer ministro de la República de Irlanda, Leo Varadkar, presentó este jueves su dimisión después de que la Cámara Baja del parlamento nacional (Dáil) no haya alcanzado un consenso para designar a un jefe de Gobierno tras las elecciones el pasado 8 de febrero.La líder del izquierdista Sinn Féin, Mary Lou McDonald, fue la candidata con más votos, 45, si bien no logró los suficientes apoyos para ser elegida, mientras que el líder del centrista Fianna Fáil, Micheál Martin, obtuvo 41, y Varadkar, al frente del democristiano Fine Gael, sumó 36 votos.El jefe del Ejecutivo, que continuará ocupando el cargo de manera interina hasta que sea nombrado un sucesor, presentó su renuncia durante un encuentro con el presidente del país, Michael Higgins, informó la televisión pública RTE.El Parlamento irlandés se reunió hoy por primera vez tras los comicios de hace dos semanas, en los que ningún partido logró una mayoría clara y el Fine Gael gobernante quedó relegado a tercera fuerza (20,9 % de los votos), por detrás del Fianna Fáil (22,2 %) y el Sinn Féin, antiguo brazo político del ahora inactivo IRA (24,5 %).Las formaciones han comenzado los contactos para tratar de configurar un Gobierno de coalición, pero los dos mayores partidos rechazan por ahora entrar en un Ejecutivo con el Sinn Féin.Tras el bloqueo en el que acabó la primera sesión para tratar de designar a un nuevo primer ministro, los parlamentarios suspendieron la sesión hasta el próximo 5 de marzo, otorgando a los principales líderes un margen de dos semanas para tratar de acercar posturas.Varadkar afirmó que su administración continuará durante ese tiempo en funcionamiento pero evitará en la medida de lo posible adoptar decisiones políticas de peso y comprometer grandes partidas de fondos."Sobre todos nosotros recae la responsabilidad de asegurar un buen gobierno y, desde luego, una buena oposición. Creo que el mayor deber lo tienen aquellos que han hecho enormes promesas de cambio a los ciudadanos en estas elecciones. A ellos les han confiado el mandato de aprobar un programa de Gobierno", dijo el dirigente democristiano ante los diputados."Si no pueden hacerlo, deberían decirlo claramente y ser honestos sobre sus fallos y las promesas vacías que han hecho", agregó Varadkar antes de dirigirse a la reunión con Higgins en la que presentó la dimisión.
eldiario.es
La vieja petición de Mourinho se hace realidad: el Madrid juega en viernes antes de la Champions
Varapalos constantes se llevó José Mourinho entre el año 2010 y el 2013 cuando pidió que los clubes españoles pudieran jugar la Liga los viernes cuando llegan partidos de Champions la semana siguiente. El entrenador luso, responsable deportivo del Real Madrid, tenía toda la razón, pero caía mal en el barcelonismo, en el mundo rojiblanco y en el antimadridismo en general. Todo lo que decía era contestado con ataques furibundos de los enemigos del Real Madrid, que encontraban en Mourinho la diana perfecta para justificar las críticas casi insultantes que, en el fondo, buscaban al Real Madrid. Como decía Florentino Pérez, los que atacaban a Mourinho en el fondo querían atacarle a él. Varapalos constantes se llevó José Mourinho entre el año 2010 y el 2013 cuando pidió que los clubes españoles pudieran jugar la Liga los viernes cuando llegan partidos de Champions la semana siguiente. El portugués tenía razón Esta temporada, por fin, la Liga ha concedido lo que Mourinho y el Real Madrid solicitaban con razón. El precedente se abrió la semana pasada con el duelo entre el Valencia y el Atlético, que jugaron Copa de Europa hace unos días y disputaron su duelo liguero el viernes pasado (2-2). Ahora, la Liga ha hecho oficial que el Real Madrid recibirá al Éibar el viernes 13 de marzo a las 21 horas, en partido correspondiente a la vigésimo octava jornada del campeonato español. Cuatro días más tarde, el conjuno blanco visitará al Mancheser City en el encuentro de vuelta de la eliminatotria de octavos de final de la Liga de Campeones. Mourinho tenía razón, pero no querían admitirlo.
abc.es
Agility City 50, el regreso de Kymco al ciclomotor: "Esperamos hacerlo mejor que la competencia"
La marca taiwanesa vuelve este 2020 al segmento del ciclomotor con su nuevo Agility City 50 tras tener que aparcarlo hace unos años para poner su foco en la renovación de su gama 'core' de 125cc y los megaescúteres como consecuencia de la llegada de la Euro4 sobre emisiones. En una charla con EXPANSIÓN antes del lanzamiento, Carlos Wang, director general de motocicletas de Kymco España, nos cuenta el porqué de este regreso. Leer
expansion.com
El «caso Braithwaite» que tiene en jaque a la Segunda B
El pago de la cláusula de rescisión del danés Martin Braithwaite por parte del Barcelona ha provocado el malestar del Leganés, que no ha recibido autorización por parte de la Federación para poder fichar un relevo para su delantero. En el reglamento de la RFEF no existe respuesta para una situación excepcional como la que le ha tocado vivir al conjunto de Butarque, privado de un jugador clave en su lucha por la permanencia después de que el Barça consiguiera el permiso para reforzar su plantilla tras la lesión de larga duración del francés Ousmane Dembélé. Este problema, sin embargo, no es nuevo en el fútbol español y la pasada temporada un club de Segunda B, la UD Melilla, sufrió una situación parecida que provocó un importante agujero en la delantera azulina. A pesar de las lamentaciones de la directiva que preside Luis Manuel Rincón después de que Yacine Qasmi (ahora en el Rayo) fuera fichado por el Elche unas horas antes del cierre del mercado invernal, el conjunto melillense también fue perjudicado por un «vacío legal» que, como en el caso del Leganés, le impidió fichar un recambio para su goleador. La pasada temporada, el Elche, de Segunda división, pagó la cláusula de rescisión de Yacine el último día del mercado invernal de fichajes. Un movimiento que provocó que la UD Melilla, que estaba peleando por meterse en los puestos del playoff de ascenso, se quedara sin el que era máximo goleador del Grupo IV de Segunda B hasta ese momento. El delantero franco-marroquí dejó 300.000 euros en las arcas, pero también un importante vació en la delantera de la entidad azulina. Con el mercado ya cerrado, Luis Manuel Rincón solicitó a la RFEF autorización para poder firmar un recambio para el futbolista franco-marroquí, pero, como el Leganés, tampoco lo consiguió debido a la normativa federativa. En el fútbol profesional (Primera y Segunda) existe un plazo extraordinario para fichar en el caso de que un club pierda un jugador a última hora, una medida que se estableció para evitar situaciones como la provocada en 1997 con Rivaldo cuando el Barcelona se lo arrebató al Deportivo. Ese «periodo de gracia», sin embargo, no existe en Segunda B, lo que provocó que el Melilla no pudiera contratar un relevo tras la salida de Yacine al Elche. «El comportamiento del Elche ha sido impecable porque en todo momento nos advirtió de la situación. Lo que hizo es lícito. Pero pedimos igualdad porque hay un agravio comparativo. Pedimos una solución extraordinaria a una situación extraordinaria, y que se nos trate igual que al Elche», afirmó entonces el director deportivo del club melillense, David Torices. Como en el caso del Barcelona con Martin Braithwaite, el Elche actuó en 2019 conforme a la legalidad en el fichaje de Yacine, pero el Melilla sufrió un importante perjuicio porque no recibió permiso de la RFEF para contratar un recambio fuera del plazo establecido. La normativa federativa, como ha ocurrido con Braithwaite, tampoco recogía esa situación. A pesar de las quejas que mostró el Melilla por aquella situación que le tocó vivir con Yacine, la RFEF no modificó el reglamento de Segunda B y ese caso vivido con el fichaje del delantero por parte del Elche podría volver a repetirse.
abc.es
Carriço deja el Sevilla por el club del coronavirus
Quedan pocas personas en el mundo, salvo que estén prácticamente al margen de cualquier noticia que les rodea, que no hayan oído hablar del «coronavirus», un tipo de virus que tiene en alerta sanitaria a la Organización Mundial de la Salud y que se ha cobrado ya, sólo en China, más de 2.100 muertos y 74.500 infectados. El origen de esta epidemia se fijó en la ciudad china de Wuhan, algo que no ha frenado al defensa del Sevilla Daniel Carriço a firmar por el equipo cuya sede está en esta población, el Wuhan Zall de la Superliga china. Cualquiera que no se parase a estudiar la situación consideraría que el portugués comete una imprudencia al dejar Sevilla para meterse en la «boca del lobo», pero al jugador le han garantizado que no habrá ningún problema con dicha epidemia por firmar con el conjunto asiático. Uno de los que habló con el futbolista para convencerle fue el técnico, el español José González, que se encuentra concentrado con sus futbolistas en la localidad gaditana de Sotogrande, donde se encuentran realizando la pretemporada desde el pasado 29 de enero. Allí se va a incorporar Carriço para conocer a sus nuevos compañeros y preparar una temporada que, por el momento, está en el aire. En un país absolutamente blindado por una epidemia que no logran controlar y que tiene a las autoridades pendientes de muchos asuntos por delante del fútbol, la Superliga china está en entredicho hasta que se pueda garantizar la disputa de los encuentros con plenas garantías para futbolistas y aficionados. El propio José González advertía que su equipo tenía previsto, como mínimo, estar en Cádiz hasta el 24 de febrero (el próximo lunes), pero dependerá de la situación y la información que reciban de China que alarguen su estancia en España. Hubo cierta alarma por la presencia del Wuhan Zall en España en pleno brote de coronavirus, pero las autoridades españolas mantuvieron una vigilancia sobre un equipo que ya llevaba 25 días fuera de su ciudad de origen, ya que se entrenaban desde el 4 de enero en Guangzhou (localidad situada a 1.000 kilómetros de Wuhan), mientras que anteriormente habían estado en Shanghái y Estambúl, por lo que había superado con margen el período de incubación. El triple del salario Carriço se informó en todo momento por medio de sus agentes de la situación en Wuhan, y le aseguraron que no pisarán dicha ciudad hasta que esté todo controlado con el virus. El portugués firma un contrato de tres años en los que cobrará el triple de lo que le pagaba un Sevilla con el que acababa contrato en junio y que percibirá una compensación económica por su venta. La semana que viene el jugador se despedirá del club en el que militó las últimas seis temporadas y media y allí podrá mostrar sus impresiones sobre su viaje a la «boca del lobo».
abc.es
Irán afronta unas elecciones legislativas que favorecen a los radicales
Un par de carteles con la foto del exalcalde de Teherán Mohamed Bagher Ghali-baf y un altavoz del que salían canciones revolucionarias a gran volumen atestiguaban que, en el interior de una mezquita de baldosas azules y amarillas del sector de Share...
lavanguardia.com
COMUNICADO: Huawei lanza los productos AirEngine Wi-Fi 6 para agilizar la entrada de las empresas a una era inalámbrica (1)
LONDRES, 21 de febrero de 2020 /PRNewswire/ -- Huawei ha presentado hoy en el evento de lanzamiento de productos y soluciones para 2020 celebrado en Londres su serie de productos AirEngine Wi-Fi 6, que incluye 10 nuevos modelos de puntos de acceso (PA) Wi-Fi 6.
europapress.es
COMUNICADO: Huawei lanza los productos AirEngine Wi-Fi 6 para agilizar la entrada de las empresas a una era inalámbrica (2)
-- En los escenarios de oficinas empresariales, Huawei AirEngine agilizará las oficinas inteligentes. Los empleados se desplazarán de las comunicaciones tradicionales mediante voz y texto en espacios de trabajo fijos hacia una colaboración más eficaz con video HD e interacción en múltiples pantallas en cualquier lugar. -- En los escenarios de enseñanza, Huawei AirEngine promoverá la rápida popularización de la enseñanza inmersiva asistida por RA/RV. Los estudiantes transformarán sus estilos de aprendizaje, que cambiarán de los libros de texto tradicionales a la enseñanza interactiva inmersiva. Este cambio hará que la enseñanza sea más atractiva, proporcionará recursos educativos de calidad a los estudiantes que viven en las áreas más remotas y promoverá la igualdad educacional. -- En los escenarios de fabricación y logística, Huawei AirEngine hará que las fábricas y la distribución sin la intervención humana sean una realidad. Los robots inteligentes se harán cargo de las labores repetitivas, mecánicas y peligrosas, lo cual impulsará a las fábricas hacia la producción automatizada. -- En los escenarios de los servicios públicos, Huawei AirEngine transformará la calidad de los servicios, promoverá organizaciones de servicios públicos que ofrecerán servicios en línea personalizados disponibles en todo momento y dondequiera, así como una mayor satisfacción de los clientes.
europapress.es
Vale cierra 2019 con pérdidas por 1.683 millones de dólares, tras el desastre minero en Brumadinho
La minera brasileña Vale, mayor productora y exportadora mundial de hierro, informó este jueves que cerró 2019 con pérdidas de 1.683 millones de dólares como consecuencia del desastre minero en Brumadinho, donde la ruptura de uno de sus diques dejó 259 muertos y 11 desaparecidos.El resultado del gigante minero contrasta con el beneficio neto de 6.860 millones de dólares que registró en 2018.Solo en el cuarto trimestre de 2019 perdió 1.562 millones de dólares, frente a los 1.654 millones de dólares de lucro en los tres meses inmediatamente anteriores y los 3.786 millones de dólares de ganancias que se anotó en el mismo periodo de 2018.Vale explicó en su informe anual que las pérdidas se debieron principalmente a las "provisiones y gastos" por "la rotura de la represa de Brumadinho" (estado de Minas Gerais, sureste), que incluye la alteración de otros diques de su propiedad y "acuerdos de reparación", valorados en 7.402 millones de dólares.La ruptura en enero del año pasado de la represa en Brumadinho generó un alud de residuos que cubrió miles de hectáreas y provocó la muerte de 259 personas y la desaparición de otras 11.Las pérdidas, según la empresa, también se debieron al "registro de impairment"(costo por deterioro) y a "contratos onerosos sin efecto de caja" relacionados con los segmentos de metales básicos y carbón (4.202 millones de dólares).Asimismo, citó las provisiones realizadas a la Fundación Renova, encargada de reparar a las víctimas de la tragedia de Mariana (Minas Gerais), ocurrida en 2015 y que segó la vida de 19 personas tras el colapso de otra represa, y la modificación de otro dique de la región (758 millones de dólares).Aunque esos enormes desembolsos fueron "parcialmente compensados" por "una menor pérdida con las variaciones" en el mercado cambiario, apuntó Vale, que en 2019 produjo 302 millones de toneladas de hierro, un 21,5 % menos frente a 2018."Vale permanece firme en sus propósitos de reparar integralmente a Brumadinho y garantizar la seguridad de nuestras personas y activos", afirmó en un comunicado Eduardo Bartolomeo, director-presidente de la empresa.El beneficio bruto de explotación (ebitda) ajustado en 2019 fue de 10.585 millones de dólares, lo que supone un descenso del 36,2 % frente al año anterior.Los ingresos operacionales netos subieron, sin embargo, un 2,7 % en la comparación anual hasta 37.570 millones de dólares.Vale realizó inversiones en 2019 por valor de 3.704 millones de dólares, un 2,1 % menos con respecto al año anterior.La deuda neta de la compañía se redujo prácticamente a la mitad, pues en diciembre pasado se ubicó en los 4.880 millones de dólares, frente a los 9.650 millones de dólares con los que cerró 2018.Vale, el mayor productor de mineral de hierro y de níquel del mundo, es considerada una compañía estratégica por el Gobierno de Brasil, que controla una parte sustancial de las acciones con derecho de voto.
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Emilio Campmany: Casado, la Justicia y la autodeterminación
La única que puede impedir el pseudogolpe de Estado que Sánchez se propone dar en beneficio del soberanismo catalán es la Justicia.
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Rafael no es pintor de estampitas
Junto a Beethoven, Galdós, Fellini y Gallito, conmemoramos este año a Rafael (Urbino, 1483-Roma, 1520), pintor de pintores, en el quinto centenario de su muerte. En la estimación popular, le perjudica su temática. Igual que a Murillo, no cabe reducirlo a un pintor de estampitas de Primera Comunión: es, sencillamente, una de las cumbres del clasicismo, que sintetiza la gran pintura del pleno Renacimiento. También perjudica a su fama popular que su biografía admita muy poca novelería (salvo los amores con la Fornarina). No se puede comparar a las peleas de Miguel Ángel por la Capilla Sixtina, ni al misterio y la anticipación científica de Leonardo; es el polo opuesto de las atormentadas biografías de Goya o Van Gogh. Nos ofrece Rafael un mundo de armonía, sencillez, claridad, dulzura, sentido de la medida, elegancia, belleza. Conjuga el idealismo platónico con la devoción cristiana. En sus Sagradas Familias son esenciales los problemas formales: la composición triangular, la armonía del «posto-contraposto». A la vez, consolida el retrato renacentista: de medio cuerpo, algo de perfil, con el hombro adelantado. En el Prado tenemos grandes cuadros de Rafael. Destaco el excelente retrato del Cardenal y una copia del que hizo a Andrea Navagiero, un personaje clave de nuestra historia literaria: en la tornaboda de Carlos V e Isabel de Farnesio, aconsejó a Boscán que dejara los metros castellanos y adoptara los italianos; es decir, la maravillosa musicalidad del endecasílabo. De ahí surge toda la gran poesía clásica española. El inteligentísimo Stendhal nos da la clave: «Acostumbrados a la pintura moderna, Rafael suele parecernos frío. Ocho meses en Roma me empiezan a curar de tan mal gusto». Como Platón y Aristóteles, en «La Escuela de Atenas» Rafael está señalando, a la vez, al cielo y a la tierra. Es uno de los más grandes.
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Novela gótica con bruja
Todavía tengo recursos para ser capaz de elegir un libro que acabe divirtiéndome tanto como lo ha hecho «La bruja de Ravensworth», de George Brewer (1766-c. 1816), un autor a considerar a partir de ahora y que, a pesar de mis aficiones góticas, era para mí un perfecto desconocido. Ese ya es un primer escalón hacia la felicidad lectora: descubrir una novela gótica escrita por alguien previamente desconocido y protagonizada por una bruja (cosa muy poco habitual en el ámbito del «Gothic Tale»). Los demás personajes sí son habituales en el género gótico: un malvado barón, La Braunch en este caso; su inocente esposa, lady Bertha, viuda y madre de un niño de su primer matrimonio; lady Alwena, una libertina muy alta de estatura y desprovista de prejuicios; los servidores de La Braunch, tan convencionales como es de rigor en este tipo de escritura… La novela gótica nace con Horace Walpole y su «Castillo de Otranto» (1764), crece con autoras como Ann Radcliffe o Clara Reeve y con tipos raros como Matthew Gregory Lewis, hasta desembocar en las últimas y estupendas muestras del género: «Frankenstein» de Mary Shelley (1818) y «Melmoth el errabundo» (1820) de Charles Robert Maturin. A esa nómina breve de autores imprescindibles habría que añadir otros muchos nombres propios de autores menos conocidos y más prescindibles. En esa segunda lista, pero amenazando con dar el salto a la primera, estaría ubicado George Brewer, hijo de un experto en arte y viajero constante por los mares del mundo en su condición de miembro de la Marina británica, primero, y después de la sueca. Y digo que podría dar ese salto a la división de honor porque, sin ser Shakespeare ni nada que se le parezca, tiene un estilo cuidado, efervescente a veces en su pedantería, pero enormemente efectivo a la hora de captar la atención del lector y de entretenerlo, que al cabo es de eso de lo que se trata en novelas de este jaez, tan próximas al concepto de folletín. Sinfín de sorpresas El brillante y documentado prólogo, titulado «La bruja de Ravensworth», entre la tradición y el horror gótico, corre a cargo de Eva Lara Alberola y Alfonso Boix Jovaní. Eva Lara, que ha trabajado codo con codo con el gran Alberto Montaner en materias como la magia y la demonología en nuestro Siglo de Oro, y Alfonso Boix, responsable único de la traducción de la novela, siguen el rastro del ignoto Brewer y nos dan numerosas pistas acerca de su vida y de su obra. «La bruja de Ravensworth» se publicó por primera vez en 1808, pero Brewer corrigió el texto original con vistas a una segunda edición que vería la luz póstumamente (Durham, 1842). Dicha versión, muy corregida y mucho más cuidada que la de 1808, es la adoptada por los editores.La trama se sitúa cronológicamente -con infinidad, eso sí, de anacronismos- a mediados del siglo XII, «en torno a la época de la segunda cruzada» (según se lee en el capítulo I de la novela). Aguardan al lector un sinfín de sorpresas si me hace caso y lee esta novela. «La brujas de Ravensworth». George Brewer Narrativa. Ed.: Eva Lara y Alfonso Boix. Siruela, 2020. 176 páginas. 17,95 euros
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Schumacher, antídotos frente a la arrogancia
Schumacher (1911-1977) es un filósofo desconocido entre nosotros. Nacido en Bonn, estudió en Berlín, Oxford y Nueva York. En Columbia, además, fue docente de economía, y se especializó en el sistema bancario de los EE.UU. Durante el nazismo, en 1937, se exilió en Londres. Al estallar la guerra fue confinado por ser alemán. Durante ese tiempo escribió artículos defendiendo reformar el sistema monetario. Keynes tuvo conocimiento de estas ideas y se produjo una relación epistolar entre ellos, culminó cuando el gran economista falleció de un ataque al corazón en 1946. Schumacher moriría, por el mismo motivo, tres décadas después, en un tren que lo llevaba de Montreux a Zúrich. En 1949 trabajó para el gobierno británico como asesor económico. En 1995 fue enviado por la ONU a Birmania para colaborar en su desarrollo económico. De este viaje surgió su conocimiento del budismo. Para él, la economía occidental, se basaba en la acumulación monetaria y el consumo de bienes materiales hasta la extenuación; mientras que la economía budista rechazaba la acumulación de bienes y optaba por una subsistencia equitativa. En 1962, Nehru, Primer Ministro de India, solicitó su asesoramiento. Visión humanista Schumacher pasó los últimos años de su existencia impartiendo conferencias. Keynes había declarado que Otto Clarke y Schumacher eran sus herederos intelectuales. El primero era capaz de hacer «cualquier cosa con las cifras», mientras que el segundo las hacía «cantar». Schumacher venía denunciando el afán de lucro y codicia de nuestras sociedades y la necesidad de tratar estas «inclinaciones semipatológicas y semicriminales». Para Schumacher la economía estaba siguiendo un camino de destrucción mundial y había que denunciarlo y prevenirlo. Se interesó por el cristianismo y los místicos españoles y se convirtió al catolicismo La economía contemporánea no solo se regía por cuestiones científicas, sino también por toda una metafísica de la que surgían una serie de valores y criterios conflictivos. «Lo pequeño es hermoso» obtuvo un gran éxito pues su visión de la economía era puramente humanística. Hacía tiempo que la economía se había alejado de los ciudadanos. El autor atacaba tanto a la economía capitalista como a la comunista. Schumacher, ya hace más de cuarenta años, denunció los peligros tecnológicos. Y por aquellas décadas de la posguerra mundial, no podía imaginarse el desarrollo que alcanzaríamos. «Una guía para los perplejos» se publicó en 1977 y sigue de actualidad. El autor defiende el contacto con niveles superiores a los de la «vida ordinaria», por eso no está de acuerdo «con el experimento moderno de vivir sin religión». Su permanencia en un monasterio budista lo hizo descubrir esa espiritualidad. De regreso a Europa se interesó por el cristianismo y los místicos españoles y se convirtió al catolicismo. Es un defensor de la fe que no está en conflicto con la razón, ni es sustitutivo de esta. La espiritualidad y el ecologismo fueron dos de sus grandes pilares. En las últimas líneas de este libro, se pregunta «¿Habrá suficiente gente para salvar el mundo?». La respuesta positiva conducía a la complicidad; mientras la negativa a la desesperación. El opta por dejar de lado estas perplejidades y ponernos todos a trabajar. «Una guía para los perplejos». E. F. Schumacher Ensayo. Ed.: S-Calleja y J. Pigem. Atalanta, 2019. 223 páginas. 21 euros
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Andrew S. Curran, biógrafo: «Diderot no creía en las jerarquías, pero tampoco era un revolucionario»
Con la fortuna de no llevar prisa, y la doble suerte de que está caminando por París, un paseante siente el deseo de cruzar el Pont des Arts y dirigirse a la rue de Seine, subiendo después la calle hasta llegar a Odeón, donde al trasiego de los autobuses se suma el de las bocas del metro. Sumido en sus pensamientos, no se ha fijado en que ha dejado atrás la estatua de Voltaire, cerca de los muelles del Sena, y que ahora se cobija bajo la protección de la de Danton, un impetuoso bronce que se levanta en medio de la plaza, donde el jacobino todavía pide pan y educación para los franceses. Su viaje involuntario por el siglo XVIII, que ha comenzado con la efigie del filósofo, ha terminado con la del revolucionario, que sucumbió a la guillotina cuando el Terror, como los dioses paganos, acabó devorando a sus hijos. Pasado un rato, nuestro amigo decide continuar su paseo, descendiendo esta vez por el cercano bulevar Saint-Germain. Escondida entre una marquesina y una línea de árboles dispuesta a su alrededor, otra estatua queda atrás. Como si fuera el puente que une a Voltaire con Danton, o un simple escalón previo a la toma de la Bastilla y la fuga de Varennes, la efigie de Denis Diderot (1713-1784) no causa mucho interés entre los transeúntes. La obra del «philosophe», ensombrecida por el brillo de la «Enciclopedia», de la que fue editor y en la que trabajó hasta el agotamiento, superando la censura y obstáculos de todo tipo, no es demasiado conocida. En «Diderot y el arte de pensar libremente» (Ariel, 2020), el historiador Andrew S. Curran (Nueva York, 1963) ha intentado reparar esa falta. Describiendo las tramoyas de la Revolución Francesa, que fue preparando sus argumentos desde el comienzo del siglo XVIII, Curran recorre la vida de Diderot, un pensador que abogó por la abolición de la esclavitud y reinvidicó el derecho del pueblo a derrocar a los tiranos, pero que también escribió sobre pintura, teatro y sexualidad, a menudo con una modernidad más propia de esta época que del Siglo de las Luces. Durante esta charla con ABC, una conversación matenida por teléfono, el historiador reflexiona sobre la vida de su biografiado, un hombre libre, hiperactivo, de una cultura amplísima que rechazaba la especialización, y con una gran sensibilidad, pero que rompía los cánones. En su libro, cuenta la sopresa que se llevó el estudioso Herbert Dieckemann en 1948, cuando descubrió en un palacete de Normandía, guardada en un armario, la obra completa de Diderot. ¿Cree que ha sido un filósofo desconocido o un poco olvidado? Desconocido, sí. Al principio, se consideró que Diderot había fracasado. Fue uno de los grandes editores de la «Enciclopedia», pero también mucho más. Por escribir textos deístas o ateos, fue encerrado en prisión a los 35 años. Durante los 35 restantes, escondió sus escritos, lo que provocó que fuera menos conocido que otros autores que publicaron sin dificultad, como Voltaire o Rousseau. Así que sí, fue desconocido, y también incomprendido, porque algunas personas que se ensañaron con él. Otros le acusaron de no ser un autor original. En ciertas obras, fue muy moderno y provocador. Llama la atención «Los dijes indiscretos», un relato fantástico donde hace que las vaginas hablen. Es una novela licenciosa, erótica, donde reflexiona sobre la sexualidad. Hay quien considera ese libro una obra misógina, porque Diderot retrata a las mujeres como seres infieles, que se acuestan con todo el mundo. Sin embargo, al mismo tiempo, Diderot estaba permitiendo que las mujeres mostraran su propia sexualidad, lo que es bastante moderno. «El sobrino de Rameau» también es un texto alucinante, que cuestiona la Ilustración. En este caso, la paradoja es que Diderot, que es conocido como uno de los responsables de la filosofía del Siglo de las Luces, como un defensor de la mejora de la vida humana y la educación, lo pone todo en duda. Rameau ataca la filosofía de Diderot desde el interior, como luego hará el marqués de Sade, diez o quince años más tarde. Diderot nació en Langres, un pueblecito a 300 kilómetros de París, y era un hijo de un cuchillero, que alcanzó cierta fama fabricando objetos quirúrgicos. ¿Le influyó proceder de una familia de artesanos? Cuando visitaba el Salón, cuenta que disfrutaba escuchando los comentarios de los visitantes humildes, sin torcer el gesto. Diderot no creía en las jerarquías, no las aceptaba tal y como existían en su época, aunque tampoco era un revolucionario. Proceder de una familia de obreros artesanos le hizo ver el mundo de una manera diferente. En sus escritos, alabó la figura del artesano, y pidió a los dibujantes de la «Enciclopedia» que los retrataran, para hacer grabados formidables. Era un elogio a los oficios como no se había hecho antes. En el Salón del Louvre, le gustaba pasear y escuchar a la gente, al pueblo, a los niños y los ancianos, pero también a los aristócratas. Lo usaba en sus escritos. También recorría París conversando con los artesanos, para comprender mejor su tarea. Parece un reportero del siglo XVIII. Diderot observaba y examinaba para comprender las máquinas. Cuando no iba él mismo, mandaba a los dibujantes a viajar por toda Francia, para que retrataran cómo funcionaban ciertas manufacturas, como los fabricantes de espejos. En su biografía, también contrapone la figura de Diderot y de Rousseau, que fueron amigos. Mientras Rousseau era nervioso y poco amable, Diderot se mostraba alegre, charlatán. Diderot era un «bon vivant», muy simpático. A la gente le gustaba pasar el tiempo con él. Cuando llegaba a una reunión, todo el mundo le escuchaba, atento a las maravillas que salían de su boca. Contaba historias y gastaba bromas. Cuando comenzaba a reflexionar sobre un tema, se volvía hiperactivo. Era fácil llevarse bien con él. Rousseau tenía otra visión de la vida. Diderot creía en el progreso, en la educación y en la civilización, aunque supiera que había problemas en la sociedad, pero Rousseau era un pesimista. Su concepto del estado natural, que es filosófico, derivaba de esa visión del mundo. Para él, la Historia era regresiva, y la vida, una gran degradación. En los años 50, Diderot y Rousseau dejaron de entenderse. Diderot estaba muy ocupado con la «Enciclopedia», y Rousseau se volvió paranoico. Su amistad terminó. También descubrimos que Diderot combatió el oscurantismo religioso y criticó la concepción cristiana de la vida como una experiencia dolorosa. Hay que pensar en la infancia de Diderot en Langres, un pueblecito con algunos miles de habitantes en esa época, como ahora. Langres tiene una ciudadela y está rodeado por una muralla. En su época, el ambiente religioso era pesado. Su padre y su madre eran muy creyentes. Una de sus hermanas se hizo monja. Su hermano, cura. La vida era una prueba para demostrar que se merecía la eternidad. Para alcanzarla, había que negar el placer. Diderot combatió esa idea. Había estudiado teología y estado a punto de convertirse en cura, así que pudo llegar más lejos en esa crítica que otros filósofos de la época. Diderot criticaba la teología como lo hacía Spinoza, y conocía las debilidades de la Biblia. En la «Enciclopedia», hay artículos donde se burla de las escrituras. Como buen conocedor de la religión, pudo combatir el oscurantismo con eficacia. Durante el siglo XVIII, no solo Diderot se revolvió contra la religión o reaccionó contra las creencias que le habían inculcado durante su juventud. Otro ilustrado, Condorcet (1743-1794), discípulo del matemático D'Alembert y amigo de Voltaire, y defensor de los derechos de las mujeres, los negros, los judíos y los protestantes, arremetió contra el colegio de los jesuitas donde había estudiado, denunciando «la opresión de la Iglesia, la crueldad de sus curas y la hipocresía de los devotos», como recuerda «Condorcert. Un intellectuel en politique» (Fayard, 1988), una biografía de Élisabeth y Robert Badinder. Entre los revolucionarios, algunos de los más célebres también habían sido educados en colegios católicos, a veces en el ambiente opresivo de la provincia. Robespierre (1758-1794), que fomentó el culto al Ser Supremo, fue alumno de los Oratonianos, la misma orden a la que pertenecía Fouché (1759-1820), responsable de una terrible matanza en Lyon durante los meses más aciagos del Terror. Tras terminar sus estudios en la Sorbona, Diderot comenzó a trabajar en el despacho de un abogado, donde se aburría y se dedicaba a aprender inglés de forma autodidacta. Conocer ese idioma le permitió leer a los deístas británicos, que tanto le influyeron. En un primer momento, Diderot utilizó el inglés como la herramienta para encontrar un trabajo de traductor. Lo aprendió gracias a un diccionario latín-inglés. Ese idioma le permitió conocer a los deístas y comprender el mundo de una manera diferente. El anglicismo era la religión del Estado, pero tenía un punto protestante, de interpretación. Los deístas dejaron a un lado las Escrituras y se concentraron en la vida, que percibieron como una experiencia buena, y concibieron a Dios de una forma muy distinta al catolicismo. De ellos, Diderot también aprendió el empirismo para estudiar la naturaleza, a través de Locke, Newton y Bacon. ¿Cómo pasó Diderot del deísmo al ateísmo? En esa época, había ateos militantes, que buscaban reírse de Dios a toda costa. Aunque Diderot pasó por esa etapa, como refleja su libro «Carta de los ciegos para uso de los que ven», la abandonó. Diderot quería pensar más allá de Dios, descubrir todo lo que quedaba cuando Dios dejaba de hacer falta para comprender al hombre. Más que un ateo militante, era un ateo filosófico, que apartó la metafísica de su metodología. Poco después de la muerte de una de sus hijas, Diderot escribió que, si Dios era cruel, era mejor que no existiera. ¿Eso repercutió? Si se estudiaba la naturaleza, se podía encontrar la huella de Dios, según los deístas. A los 35 años, Diderot descubrió que esa idea no le convencía. Había demasiadas paradojas, anomalías y excepciones en el mundo. Demasiados monstruos. Si Dios era todopoderoso y bueno, ¿por qué existía el mal, el sufrimiento y los niños morían? Como no encontró respuesta, concluyó que no había Dios. ¿Cómo influyó Diderot en la Revolución Francesa? Se manifestó a favor de la abolición de la esclavitud, terminó afirmando que se podía derrocar el poder tiránico... Para algunos historiadores, la relación se debe a que provocó un cambio de discurso, mediante obras como la «Enciclopedia», donde se defendió la felicidad como un derecho del ser humano. Otro vínculo es el artículo sobre «Autoridad política», que se retoma en la Declaración de Derechos del Hombre y el Ciudadano. También a que libros como «Historia de las dos Indias», donde Diderot escribió para el autor, Reynal. En esa obra, puso discursos que luego se van a encontrar en la boca de los revolucionarios, como Demoulins.
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Ficciones y fricciones entre arte y ciencia
En una excelente película de Spike Jonze, Her (2013), Joaquin Phoenix da vida a Theodore, un hombre solitario que compra un nuevo sistema operativo basado en un modelo de Inteligencia Artificial que, entre otras cosas, le permite iniciar una sorprendente «relación» romántica y sentimental con Samantha, la voz femenina que lo encarna… Prometo no hacer spoiler pero sí que les recomiendo su visión. Esta interacción amorosa entre un hombre y una máquina es sólo una de las innumerables -y embriagadoras- posibilidades que ofrece el imparable, y aún embrionario, universo de la IA (para los legos, es decir, casi todo el mundo, la Inteligencia Artificial). Con criterio La exposición Deus ex Machina. Arte e Inteligencia Artificial aborda desde un planteamiento crítico y creativo algunas de las plausibles regiones de interrelación, ficción y seguramente también fricción entre la esfera del arte y la de esta vertiginosa y apasionante tecnología. Y lo hace desde una posición analítica y reflexiva, tratando de mostrar esos campos de tangencia y, al tiempo, los evidentes puntos de cuestionamiento y las distintas vertientes positivas y negativas que este fenómeno puede conllevar. El encabezado de la muestra («Dios desde la máquina»), hace referencia a un recurso, aparecido ya en el teatro clásico griego, que permite encontrar una solución artificial e inesperada para resolver un problema o evento. De esta forma, introduce un importante factor de reflexión y cuestionamiento crítico que, a mi juicio, supone uno de los logros del proyecto. Un proyecto que presenta trece instalaciones de otros tantos artistas y que, a su vez, se articula en cinco áreas que merece la pena mencionar. La primera, cuestiona aspectos sobre la originalidad o la autoría (tan candentes en el arte actual). Destacaría a Harold Cohen, pionero en la creación de algoritmos para obras de arte, y a Patrick Tresset, que convierte al espectador en sujeto y objeto de estudio por parte de un robot. Las opciones de control y vigilancia de la IA (uno de sus posibles pliegues críticos) conforma el segundo apartado. Guido Segni sugiere una irónica solución a la siempre precaria y difícil problemática de la producción artística, y Pinar Yoldas una peculiar alternativa a las de gobierno habituales. La aparente imparcialidad y objetividad de la IA, que puede dar lugar a juicios preestablecidos y a aumentar las desigualdades sociales, es puesta en cuestionamiento por el tercer apartado, como, entre otros, muestra el proyecto Feminist Data Set, de Caroline Sinders. De cháchara El cuarto grupo implementa la capacidad de diálogo entre el visitante y un sistema de IA, bien por medio del lenguaje corporal o gestual, o a través de una conversación tal como propone Lynn Hershman creando a DINA, un personaje femenino (interpretado por la actriz Tilda Swinton) con el que podemos dialogar y que, a diferencia de ejemplos como Siri o Alexa, ofrece una presencia física y visible. Finalmente, el último conjunto de obras plantea uno de los rasgos más inquietantes de la IA: la capacidad de las máquinas para comunicarse entre sí, como sugiere Félix Luque (único español presente) con Nihil Ex Nihilo, o también Jenna Sutela, quien reflexiona sobre la fascinante interacción de posibles sistemas naturales y artificiales. La actriz Tilda Swinton pone cara a la obra de Lynn Hershman Deus ex Machina. Arte e Inteligencia Artificial . Colectiva LABoral. Gijón. C/ Los Prados, 121. Comisarios: Karin Ohlenschläger y Pau Wälder. Hasta el 16 de mayo.
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Un thriller brillante sobre nuestra precariedad
Valoración Crítica4 «Instrucciones para caminar sobre el alambre» Sala Cuarta Pared, Madrid La Compañía Cuarta Pared vuelve a poner el dedo en la llaga. Después del éxito rotundo de crítica y público que supuso «Nada que perder», primera obra de la denominada Trilogía Negra, «Instrucciones para caminar sobre el alambre» vuelve a hacer explotar sobre el escenario toda la rabia moral, toda las intemperies existenciales a las que nos lleva un sistema para el que el individuo es solo una cifra, ese menos que cero que late entre la precariedad, la competitividad y la angustia. La obra es una reflexión, hondamente realista, sobre nuestras fragilidades, sobre nuestra nula relevancia en esta nueva cosmovisión que ha sustituido al hombre como centro del universo y ha colocado en su lugar a un sistema económico feroz. Una economía sin alma que solo espera seres sin alma, errando de trabajo precario en trabajo precario, de meta productiva en meta productiva. Sísifos que persiguen un bienestar social inalcanzable. Al grito de vamos, vamos, sí puedes, sí puedes la obra arranca de forma bellísima con Alba en una bicicleta espoleada por su padre en un entrenamiento, la misma bicicleta, el mismo símbolo que se utilizará al final de la obra antes del gran derrumbe. En medio, la caída al infierno, a la zona cero de los desajustes psíquicos, de la falta de horizonte y de la enfermedad mental. «Instrucciones para caminar sobre el alambre» propone una doble vía argumental: la vida de Alba y las orientaciones para afrontar su desaparición. Es cierto que algunas escenas pueden dañar la solidez del conjunto, pero aun así esta galería de horrores cotidianos posee fuerza, ritmo trágico y una profunda mirada crítica no exenta de humor. El espacio escénico a cuatro bandas refleja esa continua tensión, esa continua combustión de seres sin futuro, de un futuro que se marchó en algún momento por las alcantarillas de los gráficos económicos, de la alienación y de la humillación: es el domicilio familia, el hospital psiquiátrico con sus sábanas llenas de cucarachas, el día de un cumpleaños que se convierte en el día de un suicidio, la oficina de una empresa de márketing donde se vacían las vidas… La realidad está ahí, sobre las tablas negras de la Cuarta Pared, haciendo guiños irónicos a la realidad: ese Madrid Central convertido en Libertad Central y donde se proyecta, a golpe de pedal e impulsado por nuestros políticos, la exigencia hasta límites insoportables de una buena campaña publicitaria. Y todo ello con un gran trabajo interpretativo, hasta el límite. «Instrucciones para caminar sobre el alambre» es, por todo ello, una obra que documenta nuestro mundo, que levanta acta literaria de nuestros desajustes. Vuelve a hacer leyenda, es lúcida, potente, sin concesiones, es emocionante y sabe llegar adonde el teatro forma parte de nosotros. Dramaturgia: QY Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe. Dirección: J. G. Yagüe. Diseño de escenografía y vestuario: Monika Ruhle. Diseño de iluminación: Mariano Polo. Contenidos audiovisuales: Alba Montañés. Intérpretes: Marina Herranz, Rosa Manteiga, Javier Pérez Acebrón, Guillermo Sanjuán, Aitor Satrústegui. Sala Cuarta Pared, Madrid
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Vota Stéphanie
Valoración Crítica3 «La clemenza di Tito» Gran Teatro del Liceo, Barcelona Cuesta imaginar que dentro de dos siglos alguien siga ensimismado por algún producto del actual marketing político. Eso es justo lo que logró Leopoldo II de Bohemia cuando encargó al mismísimo Mozart un panfleto para celebrar su coronación. Aquél panfleto se estrenó en Praga en 1791, se titula «La Clemenza di Tito» y ha pasado a la posteridad como la última ópera de Mozart. «La clemenza di Tito» ha vuelto al Liceo catorce años después de su última representación y con el montaje de uno de los directores escénicos más cotizados del momento, David McVicar. Su propuesta es respetuosa con el libreto y la partitura e incluye una buena dirección de actores. Tiene la virtud de no molestar e incluso ayudar a los cantantes en muchos momentos, aunque quizás sea demasiado sobria. Si se tratase de una campaña electoral, la presidenta de la función sería la mezzosoprano francesa Stéphanie D’Oustrac por mayoría absoluta. Ella recibió la más sonora ovación tras bordar un Sesto simplemente perfecto. Este papel es uno de los más bellos regalos que nos dejó Mozart, además de todo un reto para los cantantes. Necesita estar bien apuntalado por Annio, otro rol masculino cantado por una mujer, que en este caso fue Lidia Vinyes-Curtis, impecable en sus arias y recitativos. Ambas se han bregado en el terreno de la música barroca, y en esta producción se nota y se agradece a partes iguales. El emperador clemente, un Tito en el que Leopoldo se quiso ver reflejado, lo encarnó Paolo Fanale, quien salvó con dignidad un rol y una tesitura que no lo ponen nada fácil. Por su parte, la intrigante Vitellia de Myrtó Papatanasiu no acabó de despegar. La soprano ha demostrado repetidamente su valía, pero no tuvo su mejor noche y pareció costarle encajar en el estilo mozartiano. Estuvo correcto el coro y mostró buen sonido la orquesta, con Philippe Auguin al frente. Su concepción busca más al Mozart sublime que al chispeante, lo que se traduce en unos «tempi» reposados que no parecieron convencer al público. Mención especial merece el trabajo de Rodrigo de Vera: la complejidad de acompañar los recitativos desde el clave no siempre se valora en su justa medida, y el resultado fue excelente. Música: Wolfgang Amadeus Mozart. Libreto: Pietro Metastasio y Caterino Mazzolà. Dirección musical: Philippe Auguin. Dirección de escena: David McVicar. Escenografía: D. McVicar y Bettina Neuhaus. Vestuario: Jenny Tiramani. Iluminación: Jennifer Tipton. Principales intérpretes: Paolo Fanale, Myrtò Papatanasiu, Anne-Catherine Gillet, Stéphanie D’Oustrac. Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatro del Liceo. Barcelona, Gran Teatro del Liceo
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El escozor del limón
Valoración Crítica3 «Entre ella y yo» Teatro Marquina, Madrid A menudo, detrás de las carcajadas, de las situaciones más jocosas o las conversaciones más hilarantes, se esconden los más profundos problemas de la humanidad. Esto es lo que le ocurre a «Entre ella y yo», una comedia escrita por Pablo Mir y que es uno de los grandes éxitos de la escena argentina reciente; se estrenó en 2017 y ha pasado por varios teatros de Buenos Aires, donde sigue en cartel. «Entre ella y yo» cuenta cinco minutos de la vida de una pareja: durante ese período esperan los resultados de un test de embarazo que ella se ha hecho. La función, lógicamente, trufa esos cinco minutos con «flashbacks» y «flashforwards», así como con monólogos de los dos protagonistas, Diego y Valeria. En ellos aparecen las inseguridades, los miedos, las ilusiones, los reproches, las contradicciones... Los mil y un pensamientos que pueden atravesar la mente de una pareja que está a punto de enfrentarse a la paternidad. La versión española, que firman David Serrano y Zenón Recalde -el director de la función-, presenta una diferencia no pequeña con respecto a la puesta en escena original argentina: la edad de los actores, allí sobre la treintena y aquí mediada la cuarentena. Se consigue así un giro que hace incluso más interesantes los planteamientos, las motivaciones de los personajes. Para Valeria puede ser su última oportunidad para ser madre. Para él, que como buena parte de la población masculina todavía no ha abandonado el adolescente que todos llevamos dentro, puede ser una ocasión para terminar de madurar. «Entre ella y yo» está envuelta en carcajadas; el público no para de reír con situaciones y diálogos ya cómicos de por sí pero que la inteligente y agilísima dirección de Zenón Recalde ha subrayado. Pero también escuecen como un limón, porque retratan las pequeñas mezquindades de los seres humanos, su egoísmo, su inconstancia... El terrón de azúcar de esta comedia guarda un sabor picante, que no tapa su dulzor pero le da una consistencia diferente. Melani Olivares y Carlos Chamarro son dos intérpretes perfectamente complementarios, que en cierto modo recuerdan a dos payasos con su interpretación: ella es la clown -más seria, menos coloreada- y él el augusto, el que causa las carcajadas y genera compasión. Autor: Pablo Mir. Adaptación: David Serrano y Zenón Recalde Dirección: Z. Recalde. Escenografía y vestuario: Mónica Boromello. Iluminación: Ion Aníbal López. Intérpretes: Melani Olivares y Carlos Chamarro. Teatro Marquina. Madrid
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Las portadas de los periódicos del viernes 21 de febrero de 2020
Las primeras ediciones de los principales periódicos llegados a nuestra redacción incluyen, entre otras, las siguientes noticias en sus portadas:
europapress.es
Agnes Obel: «La mente es un aparato tecnológico sesgado»
Durante casi una década, Agnes Obel ha sido una de las artistas más independientes y originales de la música contemporánea. Hoy vuelve con nuevo álbum, «Myopia», editado con Deutsche Grammophon y grabado siguiendo los mismos principios que sus discos anteriores («Philharmonics», «Aventine» y «Citizen Of Glass»), que completó como proyectos enteramente en solitario en el estudio de su propia casa de Berlín. ¿También se encarga de la producción? Trabajo totalmente sola. Desde la composición hasta la última mezcla lo hago todo yo en el estudio. Lo único que sí hago con otra persona es la masterización. ¿No se le «cansa» el oído durante el proceso? No. Después de muchas experiencias en distintos estudios he descubierto que si quieres que un trabajo quede bien, debes hacerlo tú misma. ¿Cuál es el concepto de «Myopia»? El disco cierra una etapa que empecé con «Citizen of Glass». Son dos discos muy conceptuales y con una escena en mente, una escena que rige la producción. «Myopia» es algo así como la segunda parte de «Citizens of Glass». Pienso en la producción como si fuese la escenografía de la canción. Si la canción es sobre un recuerdo, por ejemplo, intento rodearla de sonidos que evoquen ese sentimiento, esa nostalgia. La fuerza de estos dos últimos trabajos reside en la producción y en cómo trato los distintos sonidos. ¿Cual es la relación entre la miopía y la música del disco? Siempre trabajo con una especie de visión túnel. Quería hacer un disco sobre la mente, un lienzo no neutral. Todo lo que percibimos está influido por nuestros recuerdos, nuestra experiencia... La mente me parece un aparato tecnólogico sesgado, en el que el error es la propia esencia de cada ser humano. Captar esas diferencias de percepción era un poco la idea detrás del título y las canciones. También es una investigación de mi propia mente, encontrar esos prejuicios e influencias que me hacen ser quien soy. Está más cerca de la música de cámara que del pop. A mí me gusta la música en la que puedo sentir al ser humano que la escribe. Muchos estilos, especialmente el pop, se han convertido en cosas corporativas en las que siete productores y catorce letristas «enlatan» un producto.
abc.es
El Teatro Real toca el piano para los más pequeños
«Un piano de otros mundos» abre este fin de semana el ciclo El Real Junior, que el coliseo madrileño ha pensado para el público familiar, y que se va a desarrollar los fines de semana hasta finales de temporada. «Un piano de otros mundos» pretende acercar a los niños al que sin duda es el rey de los instrumentos: el piano. Fernando Palacios ha concebido y creado este «concierto para piano y escena» en el que él mismo interviene como presentador junto a la pianista Isabel Dombriz. «Además de pianos nocturnos -se dice en la presentación-, bajo la luz de la luna, y con caras ocultas y escondidas en penumbras, hemos encontrado pianos de otros mundos. Los vimos en el Valhala de Wagner, en Los Planetas de Holst, en Visiones fugitivas de Prokófiev y en las profundidades de La Catedral sumergida de Debussy. También los hemos localizado, flotando en los mundos circulares de Bach, en el cosmos vaporoso de Pink Floyd o en los universos paralelos de Scriabin. Todos se darán cita al atardecer en un universo único: la sala de orquesta del Real». El concierto se articula alrededor de cinco relatos: «El piano del roble», «Concierto en el pantano», «Marte-piano», «Cata de cinco relatos» y «Piano de dioses», y se oirán fragmentos de la «Suite Francesa nº 5», de Bach; «Escenas infantiles op. 15 nº 1», de Schumann; «Piezas líricas», de Grieg; «Cascanueces» y «Álbum de la juventud», de Chaikovski; «Visiones fugitivas», de Prokofiev; «Preludios», de Debussy; «City of Stars» (de la película «La La Land»), de Justin Hurwitz; «Y entonces… Plutón», de Mariné; «Los Planetas», de Holst; «Cerca de las estrellas», de Los Pekenikes; «Gnossienne 7», de Satie; «El Principito», de Hans Zimmer; «Suspiros de España», de Álvarez; «In the Court of the Crimson King», de King Crimson: «La guerra de las galaxias», de John Williams; y «El oro del Rhin», de Wagner-Liszt. La programación de El Real Junior se completará con el espectáculo «Historia de Babar, el pequeño elefante», con música de Francis Poulenc y texto de Jean Brunhoff; la dirección musical es de Miguel Huertas y la dirección escénica de Ana Hernández-Sanchiz, que actuará también como narradora. También se ofrecerá un concierto didáctico titulado «¡A la bin! ¡A la ban! ¡A la Ludwig Van! ¡Beethoven, Beethoven y nadie más!» -para celebrar el CCL Aniversario del compositor-, con guión y presentación: Luis Piedrahita y la intervención de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Lucía Marín. Además, se ofrecerán los habituales talleres «Todos a la Gayarre».
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¿Que fue de A-Ha, el «one hit wonder» de «Take on Me»?
Habrá quien se lleve las manos a la cabeza cuando vea que decimos que A-Ha fueron un «one hit wonder», porque en Europa tuvieron varios éxitos y en su Noruega natal fueron unos colosos del pop. Pero lo cierto es que muy poca gente recuerda alguna canción suya que no sea el famoso «Take on me». Una canción que, por otro lado, no hubiera sido nada sin su videoclip: el single no fue ni mucho menos un éxito inmediato. De hecho, pasó desapercibido hasta que aquel impresionante cortometraje de animación nos lo incrustó en la cabeza. La semilla del grupo se había formado en 1976, cuando el guitarrista Paul Waaktaar-Savoy y le teclista Magne Furuholmen fundaron la banda Bridges. Después de un álbum de debut fallido, aparcaron el proyecto y buscaron un cantante con buena voz, actitud, carisma e imagen. Intentaron hacerse con los servicios de Morten Harket, vocalista de Soldier Blue, y tras varios meses de tira y afloja, éste aceptó su oferta a mediados de 1982. Mientras leía las letras de una de las composiciones de Savoy, Harket encontró una expresión con gancho: A-ha. Lo curioso es que el tema en cuestión, «Nothing to it» no fue publicado hasta 2010, en una reedición. <iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/eQX8Ns3ntL4" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> El trío se marchó a pasar una temporada a una cabaña de los padres de Savoy para componer, y de aquel proceso creativo surgiría el grueso del disco de debut de A-Ha, que fue grabado a finales de 1982. Cargados de ambición e ilusiones, los tres viajaron a Londres para presentar su obra a varias compañías discográficas. Pero fueron rechazados por todas y acabaron malviviendo en la capital británica hasta que la bofetada de realidad los devolvió a Noruega. Pero cual vikingos, no se rindieron y volvieron unos meses después para hacer una nueva incursión en Inglaterra. Y así fue como en el invierno de 1983 consiguieron firmar con Warner, que les exigió un hit de inmediato. Se pusieron a trabajar sobre un viejo tema de Bridges, «The Juicyfruit Song», cuyo título derivó en «Lesson One» y finalmente en «Take on me». El lanzamiento, en octubre de 1984, se saldó con un fracaso total: se vendieron trescientas copias.<iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/1rDKNqSw3zk" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> Convencidos de que la canción mimbres de hit, A-Ha la remezclan y vuelven a lanzarla en abril de 1985, pero vuelven a estrellarse estrepitosamente. Entonces llegó la idea que lo cambiaría todo: un videoclip revolucionario, basado en una combinación de imagen real y animaciones en blanco y negro que narraba la historia de un romance entre dos mundos. Dirigido por Steve Barron y creado en cuatro meses de arduo trabajo en los que se montaron más de tres mil fotogramas, el vídeo se convirtió en un éxito instantáneo que ganó seis premios MTV el año siguiente. Por fin, «Take on me» llegaba a lo más alto en las listas de ventas no sólo europeas, sino también en Estados Unidos. El single, que vendió más de nueve millones de copias impulsó el lanzamiento del primer disco de A-Ha, «Hunting High and Low», en octubre de 1985. De él salieron otros hits, especialmente «The Sun Always Shines on T.V.», que fue número uno en Inglaterra. Sade les robó el Grammy a Mejor Artista Nuevo, pero nada impidió que su popularidad siguiese creciendo durante 1985, cosa que su compañía no quiso desaprovechar. El grupo grabó su segundo disco («Scoundrel Days») a toda prisa, y aunque vendió casi siete millones de copias, no pudo acercarse al listón marcado por «Hunting High and Low». Su canción para la película «James Bond 007: Alta tensión», titulada «The Living Daylights», sí fue un bombazo. Pero entonces, empezó la cuesta abajo. En mayo de 1988 A-ha lanzó su tercer álbum, «Stay on These Roads», que registró un nuevo bajón en ventas. Esta vez, se despacharon cuatro millones de copias. Aunque el final de los ochenta y el arranque de los noventa fueron felices, con conciertos multitudinarios como el de Rio de Janeiro (en 1992, ante casi 200.000 personas) o el de las Olimpiadas de Lillehammer, sus siguientes trabajos fueron sumergiéndolos poco a poco bajo la superficie hasta que, en 1994, la banda se disuelve y sus tres miembros emprenden sendas carreras en solitario. Sin embargo, en 1999 todos vuelven al redil, y en 2002 dan su esperadísimo primer concierto en España, en una gira accidentada ya que tuvo que ser pospuesta un mes por la huelga de controladores aéreos de junio de 2002. Cuatro discos después, volvían a separarse de forma agria, en 2010. Ese mismo año se despidieron de nuestro país con un concierto en Vistalegre, que resultó tristemente afeado por la penosa acústica del recinto. En 2011 se reunieron para un concierto en homenaje a las víctimas de los atentados del 22 de julio en Oslo y Utøya, con la promesa de no volver más a los escenarios. Pero cuatro años más tarde llegaría el que hasta la fecha es su canto de cisne, «Cast in Steel», álbum que fue presentado en una gran gira mundial. Parecía que ese sería el final de A-Ha, y no hubiera sido una final malo: habían vendido cien millones de discos. Pero, cosas de la vida, ahí ha vuelto «Take on me» al rescate. El videoclip de la canción ha vuelto a ser noticia porque ha superado los mil millones de reproducciones en YouTube, y ha vuelto a poner al grupo en circulación. El próximo 27 de junio, se les podrá ver de nuevo sobre el escenario en el festival Rock in Rio de Lisboa.<iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/djV11Xbc914" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe>
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Un brote en una secta convierte a Corea en la nueva frontera del coronavirus
Corea del Sur ha detectado 51 nuevos casos de infección por el nuevo coronavirus en 24 horas, la mayoría de ellos en miembros de una secta cristiana, en un brote que ilustra la dificultad de contener el patógeno. Otro brote más pequeño se ha iniciado...
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«Una novelita lumpen», la luz de Roberto Bolaño
El novelista chileno Roberto Bolaño murió el 15 de julio de 2003 -tenía cincuenta años- en Barcelona. Apenas unos meses antes se había publicado «Una novelita lumpen», editada por Montadori. Rakel Camacho, autora y directora de la adaptación que sube al escenario de El Pavón Teatro Kamikaze, explica que ««Una novelita lumpen» trata de la infelicidad y de las recompensas falsas dentro de la infelicidad, de la valentía para cambiar de rumbo y crear un futuro inexistente, y de la lucidez súbita sobre el rumbo real de la vida de cada cual: un pedazo de realismo inteligente sin sermones ni moralinas. Es una poesía frágil pero rotunda, y una maravillosa apuesta para el teatro, un delicado reto». La adaptación es una producción de la joven compañía La Intemerata. El reparto está compuesto por Rebeca Matellán, Diego Garrido, Jorge Kent y Trigo Gómez. Mireia Vila firma el espacio escénico, Vanessa Actif el vestuario, Sammy Metcalfe la música, Javier Jarillo el vídeo, Mariano Polo la iluminación y Julia Monje el movimiento escénico. Situada en Roma -la novela fue impulsada por el editor Claudio López, que quería crear una colección de libros relacionados con ciudades o ambientados en estas-, «Una novelita lumpen» presenta el relato de una mujer, Bianca, a partir del momento de su vida posterior a la temprana muerte de sus padres en un accidente automovilístico. ««Ahora soy una madre y estoy casada, pero no hace mucho fui una delincuente. Mi hermano y yo nos habíamos quedado huérfanos. Eso de alguna manera lo justificaba todo. No teníamos a nadie. Y todo había sucedido de la noche a la mañana». Así comienzo la novela que vamos a llevar a escena -cuenta Rakel Camacho-. De manera directa, sencilla y brutal. Bolaño nos atrapa en una atmósfera de ensoñación repleta de imágenes en las que Bianca, joven adolescente, acompañada por su hermano, se adentrará en el universo adulto descubriendo las peores y más intrigantes facetas de la sexualidad y la delincuencia». Con el paso del tiempo, sigue la directora, Bianca y su hermano van dejando los estudios. «Bianca -sigue la directora-comienza a trabajar en una peluquería como lavadora de cabello y su hermano en un gimnasio. Es en este lugar donde conoce a dos hombres mayores que ellos, que se van a instalar a su casa durante un tiempo indeterminado, y que acompañarán a Bianca en su camino a la madurez, a través de las peores y más interesantes facetas de la sexualidad y el engaño». La elección de la novela de Roberto Bolaño no ha sido casual, según Rakel Camacho. «Es un autor muy cinematográfico, pero que requiere de una gran libertad creativa para transformarlo en hecho escénico; su concepción del aquí y el ahora nos ha llevado a proponer una creación impulsada por la dramaturgia de la imagen y la potencia teatral». La obra, añade, «propone «hallar luz dentro de un mundo de tinieblas» sin que el fracaso, la pérdida, la soledad o la pobreza sean quienes acaben gobernando el destino de las personas. Esa sería una de las cuestiones fundamentales: ¿Cómo es posible ver con tanta claridad en la oscuridad? ¿Cómo se sale de ella? La protagonista de la novela lo hace. Su voluntad es su poder». También el lenguaje de Bolaño ha influido en su deseo de llevar esta obra al teatro. «Nos atrae su escritura poética, en la que personajes extremos y extracotidianos habitan un universo donde la palabra es imagen además de contenido».
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Mesa de plurinacionales
Ahí no habrá nadie que sostenga que España es una nación.
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La Berlinale abre con una carta de amor a la literatura y a los fans
La Berlinale número 70, que arrancó motores ayer algo ensimismada por las acusaciones contra su primer director de haber pertenecido al partido nazi, decidía a su vez inaugurar la muestra con una película –fuera de concurso– que apuesta por el valor de las palabras. Que mira, de hecho, a un tiempo no tan lejano [hablamos de 1995] en el que escribir correos electrónicos era percibido por la sociedad como una excentricidad pasajera. «Mi año con Salinger», la cinta del canadiense Philippe Falardeau, basada en un libro autobiográfico de Joanna Rakoff, cuenta exactamente eso: el despertar a la edad adulta –en lo cultural y en lo biológico– de una joven asistente en una agencia literaria de Nueva York, encargada de gestionar las publicaciones de J. D. Salinger. La veinteañera de la película, que interpreta a la propia autora, es la actriz Margaret Qualley –se ha dado a conocer este año por su papel en la última película de Tarantino–, y la agente que guarda celosamente la privacidad de Salinger es Sigourney Weaver, que convierte el set de la película en una especie de nave nodriza de la literatura. El «alien», en el caso que nos ocupa, son los fans del autor de «El guardián entre el centeno», que inundan la agencia de cartas para pedirle consejo, para expresarle su admiración, para conocerle. El personaje de Qualley recibe de Weaver la tediosa tarea, aunque ella la encontrará apasionante, de responder a esos admiradores con un genérico «no, gracias, el señor Salinger no desea recibir su correspondencia». «Lo maravilloso de la película es que muestra a todos los fans de Salinger», decía Sigourney Weaver en la rueda de prensa de presentación de la película. «Nosotros, los actores, tenemos una relación muy distante con los fans. Estamos protegidos la mayor parte del tiempo. Y creo que los fans no reciben el reconocimiento suficiente en nuestro negocio. ¡Son las personas para las que trabajamos, aman el cine!», reivindicaba la protagonista de «Avatar». «La primera vez que vi a Sigourney», confesaba a su lado Margaret Qualley, «tuve que contenerme durante un buen rato. Pero al acabar de leer el guión tuve que decirle que me encanta “Alien”, que la adoro, la abrazaba una y otra vez… así que yo también soy una fan». La cinta, que se estrenará en España en 2021, es un auténtico muestrario de la vida urbanita y culta en una Nueva York que ya no existe. Con reminiscencias, por la relación mentora-aprendiz, de «El diablo viste de Prada». «Nuestra película no es así», defendía Weaver, calificándola de «carta de amor a la literatura». Jeremy Irons responde a las críticas El actor Jeremy Irons quiso que sus palabras como presidente del jurado de la Berlinale sirvieran para despejar las críticas recibidas por la prensa alemana. Varios diarios han recordado que, en el pasado, arremetió contra el derecho al aborto o las uniones entre personas del mismo sexo. «Preferiría no tener que invertir tiempo en esto, pero no querría que siguiera siendo una distracción para la Berlinale. Déjenme ser completamente claro», dijo Irons. «Apoyo el movimiento que lucha contra la desigualdad en los derechos de las mujeres, aplaudo la legislación sobre el matrimonio homosexual y apoyo el derecho de las mujeres a abortar».
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Vegap denuncia que algunos museos exigen donaciones a artistas a cambio de exposiciones
Ayer se celebró en el Círculo de Bellas Artes de Madrid una «jornada histórica», organizada por la entidad de gestión de derechos de autor Vegap, sobre la protección de los legados artísticos. Congregó a representantes de las Sucesiones de creadores como Picasso, Miró, Dalí, Chillida, Tàpies, Martín Chirino o César Manrique, entre otros. En rueda de prensa, Javier Gutiérrez Vicén, director general de Vegap, denunció que «los artistas sufren presiones para que donen obra a cambio de hacerles exposiciones. Es frecuentísimo. Hemos visto contratos en los que aparece especificado. Eso no es una donación, es un expolio. Hemos iniciado una campaña, “No sin mis derechos”, y queremos hablar con el ministro de Cultura y explicarle que esto ocurre en administraciones públicas locales, autonómicas e incluso en algún museo de ámbito nacional y estatal. No se puede presionar a un artista para que renuncie a sus derechos, si quiere exponer su obra en un espacio público. Se le está sometiendo a un expolio. Es una especie de expropiación». «Queremos que sean los propios directores de los museos los que se avergüencen de estar pidiendo esto a los artistas –prosigue–. Incluso los más conocidos están en una situación de extrema debilidad: tienen que exponer, les condicionan a que renuncien a sus derechos, les plantean un chantaje. Son espacios que se financian con dinero público. Les dicen, además, que tienen que donar una obra. Eso no es una donación, las donaciones son voluntarias. Si se le fuerza a ello, se le está expropiando sin indemnización. Está ocurriendo en concursos, en los que se están dando premios que no son otra cosa que adquisición a bajo precio. Cuando todo esto lo hace la Administración pública, estamos cruzando la legalidad. Tenemos que hablar con responsables, concienciar a los directores de los museos...» Las denuncias, advierte, las tendrían que plantear, caso por caso, los protagonistas. Gutiérrez Vicén denuncia también el estado de abandono patrimonial: «La situación de deterioro de las obras de arte en espacios públicos es lamentable». Dice que hay 84 casos de absoluto abandono en toda España. Y cita, como ejemplo, la escultura de Eduardo Chillida en la Plaza del Rey, justo al lado del Ministerio de Cultura, para colmo de los colmos. Está dañada por los grafitis. «Hay que tomar conciencia de este enorme acervo –advierten desde Vegap–. Y las familias que protegen los legados de los artistas no pueden hacerlo en solitario».
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El día que la CIA leyó «Doctor Zhivago» y la convirtió en propaganda anticomunista
En 1955, Boris Pasternak le puso el punto final a su monumental «Doctor Zhivago». Había tardado más de una década en escribir la novela, y durante todo ese tiempo tuvo claro que su visión de la revolución y del pasado reciente ruso no iba a sentar bien dentro del Partido. Acertó: el Departamento de Cultura del Comité Central consideró que su obra no cumplía los «cánones culturales», y decidió prohibirla. Lo que no se podía esperar entonces era que en 1958 la mismísima CIA iba a intervenir en el asunto, y que su libro iba a ser publicado y distribuido por la Inteligencia estadounidense como arma contra el comunismo. Los hechos se confirmaron en 2014 con la desclasificación de más de un centenar de documentos de la agencia en los que se afirmaba, como contábamos en un reportaje publicado en ABC ese mismo año, que «Doctor Zhivago» tenía «un gran valor propagandístico». «Tenemos la oportunidad de que los ciudadanos soviéticos se planteen que algo malo pasa con su Gobierno cuando una obra literaria escrita por el autor ruso vivo más conocido no puede ser leída en su propio país», aseveraba uno de los mensajes de la CIA que salieron a la luz. Fue entonces cuando la escritora Lara Prescott descubrió que «Doctor Zhivago», el libro de cabecera de su juventud, la novela de su vida, escondía detrás de sí una aventura increíble que merecía ser contada. Empezó a investigar, se leyó todos los papeles que la CIA había hecho públicos, entrevistó a expertos, viajó a Rusia, estudió Historia eslava, rastreó a todos los personajes que habían intervenido en aquella peripecia y, al final, decidió alumbrar una novela que relatase lo sucedido y que rellenase los huecos en blanco, cómo no, con ficción. El resultado de todo eso es «Los secretos que guardamos» (Seix Barral), que acaba de publicarse en España. Una odisea Prescott cuenta que esta es una de las más grandes historias de libros que han sucedido nunca, porque el texto dio la vuelta al mundo antes de salir a la venta en su país de origen. «Pasó de Rusia a Alemania, de ahí a Italia, luego a Estados Unidos y más tarde se extendió por Occidente. Al final volvió a Rusia, su origen», resume. Todo comenzó con Sergio D’Angelo, un periodista y librero italiano al que habían enviado a Moscú a cazar una gran novela. Éste se topó con el manuscrito de Pasternak, que le dijo: «Que recorra el mundo». Así que se fue a Berlín con los folios bajo el brazo y se lo dio a su jefe de la editorial Feltrinelli, quien, esquivando la oposición soviética, consiguió publicarlo. Cuando la CIA supo de su existencia pronto quiso distribuirlo por Rusia. Tuvieron que hacerlo todo de tapadillo, para no levantar sospechas. Lo imprimieron en Holanda, y lo llevaron a la Exposición Universal de Bruselas de 1958, desde donde consiguieron que empezase a circular entre los ciudadanos soviéticos. Por cierto: la edición de la CIA era ilegal, porque no le habían pagado los derechos a Feltrinelli, por lo que acabaron imprimiendo sus ejemplares clandestinamente en su propio cuartel general. Eran otros tiempos: la Guerra Fría marcaba la geopolítica y ellos de veras confiaban en que aquel libro podía cambiar las cosas. «Creían mucho en la fuerza de la literatura, eran idealistas, pensaban que si podían mostrar que Estados Unidos tenía más libertad a nivel de literatura, música y arte que la Unión Soviética, entonces los ciudadanos soviéticos empezarían a cuestionar el porqué les estaban prohibiendo el acceso a libros como este», apunta Prescott. ¿Y consiguieron algo? «Sí, creo que fue un éxito mucho más grande de lo que hubieran podido soñar. Primero, porque le dieron el premio Nobel en 1958 y se convirtió en un tema de conversación mundial: por qué este libro estaba prohibido en la Unión Soviética. Y cuando él se vio obligado a rechazar el Nobel generó otra oleada de interés. Todo el mundo quería leer este libro en la Unión Soviética, en parte porque era un libro prohibido», opina la autora. Una guerra actual No es nuevo: la censura siempre despierta interés. Y no es viejo: la cultura y el lenguaje siguen siendo armas poderosas, aunque las formas hayan cambiado. «Todavía hay una batalla por las palabras que se está librando sobre todo en las redes sociales, en Twitter, con las “fake news”, en YouTube… Rusia y Estados Unidos están librando una batalla para conquistar las mentes y los corazones de las personas. Lo estamos viendo con lo de las elecciones estadounidenses. El uso de la propaganda no ha terminado, incluso después de la Guerra Fría», sostiene Prescott. Tantos años después, aún continúa el misterio. De la historia de «Doctor Zhivago», por desgracia, queda mucho por conocer. Por eso, el libro de Prescott insiste tanto en el tema del secreto. «La mayoría de los nombres de los oficiales nunca han sido revelados. Me encantaría saber quiénes eran esas personas, cómo eran sus vidas. Por eso he ficcionado a muchos de ellos. También me gustaría saber cómo la KGB reaccionó en contra de la misión de la CIA; eso tampoco se conoce. Asumimos que no tuvieron una buena reacción, pero me encantaría saber exactamente qué hicieron para contrarrestar la publicación de la novela de Pasternak», remata.
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Una tarde con Joe Abercrombie, el gran renovador de la fantasía
Son casi las seis de la tarde en la calle Preciados de Madrid. A la puerta de la Fnac hacen cola dos centenares de personas. No han venido a ver a un cantante, sino a un escritor. No es Pérez-Reverte, aunque podría ser. No, es un autor inglés del que probablemente usted no haya escuchado hablar nunca. «Joe se lo merece todo», me comentan los dos primeros de la fila. Ellos llevan esperando allí desde las 11 de la mañana. Y ni siquiera son de la capital. A las seis de la mañana se estaban levantando para subirse a un autobús a cuatrocientos kilómetros. Y luego otras ocho horas pasando frío para pasar treinta minutos escuchando a su autor favorito, y conseguir la preciada firma. Una reacción más propia de un fan de Bustamante que de un par de personas adultas y crecidas que adoran a un escritor. Pero las corrientes de la admiración, del gusto y de lo que consigue minutos en televisión siguen caminos divergentes. A menudo, inescrutables. «Cuando vengo a España me siento como una estrella del rock», me cuenta Joe Abercrombie (Lancaster, 1974) cuando subimos a la terraza del edificio para que pueda desconectar un poco antes de la charla. Es comprensible. Lleva un día agotador de entrevistas, y aún le queda una firma de varias horas. Pero no emite ni una sola queja. Al contrario. Porque en su país, los medios no le hacen ni puñetero caso. Ahí arriba, a tiro de piedra de la Gran Vía, desgranamos juntos sus números. Seis millones de libros vendidos, número seis en la lista de «The Times», número cinco en la del «New York Times». Diez novelas publicadas. Ni una sola entrevista en los medios ingleses. Los números flotan sobre los tejados, mientras el sol se pone frente a nosotros. Podría ser una escena de uno de sus libros, en los que los escenarios urbanos tienen una importancia radical. No le pregunto por qué tan escasa atención de la prensa, porque ya sé la respuesta. Joe y yo nos conocemos desde hace años, y lo hemos hablado en varias ocasiones. Ser autor de género no está bien visto, y cada vez menos. Si no tienes éxito, solo eres un friqui. Si además lo tienes, peor. Encima estás robándole la audiencia a los que se la merecen más que tú. A los autores «de verdad». Este autor de mentira recibe una sonora ovación cuando entra en el fórum de Cultura de la Fnac. La sala está a rebosar, y los vigilantes de seguridad han tenido que dejar fuera a muchas personas, a las que luego permitirán acceder cuando comience la firma. La ilusión brilla en los ojos de estos lectores desnortados, que no han tenido a bien escuchar los dictados de la crítica oficial, tan solo su propio criterio o las recomendaciones de sus amigos. Habrase visto. Abercrombie comienza hablando del núcleo de su propuesta literaria. Una fantasía distinta (dark, grim, sucia, la etiqueta que usted quiera), que poco tiene que ver con la que leíamos de jóvenes los que ya peinamos canas. «En los años cincuenta, "El señor de los anillos" era moderno, pero los gustos de la gente evolucionan», afirma el inglés, que es fan confeso de Tolkien. «También lo hacen los autores sobre los cimientos de los anteriores. Obras como "La Saga de Geralt de Rivia" o "Canción de Hielo y Fuego" son fundamentales en este cambio de la fantasía». Ambas sagas, de Andrzej Sapkowski y George R. R. Martin respectivamente cuentan con sendas series de televisión. «Juego de tronos» y «The Witcher» son títulos absolutamente mainstream, que congregan alrededor del televisor a todos los miembros de la familia, cosa que no sucede normalmente con los libros de fantasía. Y eso acaba aumentando el mercado y el interés del público. Para el que firma estas líneas, Abercrombie es mejor escritor que los dos antes citados (a los que conozco también, y respeto). No solo en términos literarios. Hay una energía en el de Lancaster que tiene que ver con su juventud, con su manera de mirar los personajes y las tramas. «El mundo ha cambiado, se ha hecho más adulto, más complejo, todo tiene una dimensión mayor que cuando Tolkien escribió sus historias. Por eso ahora la fantasía es más sudorosa, más revirada y diversa. Ya no es un asunto de buenos y malos, ahora necesitamos ver los dos lados de cada historia». No es ahí donde acaba el talento de Abercrombie, que ha sido capaz de alcanzar de forma más certera aspectos que tienen que ver con los inmensos cambios sociales que se han producido en los últimos doce años. No en vano él comienza a publicar dos años antes del advenimiento de la gran crisis económica, con una novela «La voz de las espadas», en la que los malos de su recién alumbrado universo de fantasía eran los banqueros. En un contexto postmedieval, de magos iracundos y guerreros audaces, Abercrombie ya veía venir los cambios, en nuestro mundo y en el suyo propio. «No me gustan las novelas de fantasía en la que el mundo está congelado en el tiempo, como un compartimento estanco». Quizás por eso, su nueva obra «Un poco de odio» habla de temas tan certeros como el avance del fascismo, la manipulación de la información o la hiperconcentración de la riqueza. Pero, como salen magos y princesas, habrá quien pensará que no es merecedor de reconocimiento alguno, pienso, mientras me abro paso entre los lectores que abarrotan la entrada con sus libros en la mano, esperando el autógrafo.
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La directiva se reúne en un clima de tensión por las cuentas digitales falsas
Indignación, incredulidad, estupefacción, expectativa y confusión. La paleta de sensaciones dentro de la junta del Barça es amplia y hoy, en una reunión informal fuera de las instalaciones del club, todos sus miembros se verán las caras. Sobre la...
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Millán Salcedo y 'El hormiguero' rinden homenaje a la 'empanadilla de Móstoles'
El hormiguero cerró la semana con la visita de uno de los humoristas más reconocidos de nuestro país, Millán Salcedo, excomponente del dúo cómico Martes y Trece, que acudió al programa de Antena 3 para para hablar sobre su recuperación por la crisis epiléptica que sufrió el año pasado.Aprovechando su presencia en el plató, Pablo Motos no se resistió a recordar uno de los sketch más famosos del dúo, en el que Salcedo imitaba a Encarna Sánchez y tenía una conversación telefónica con una oyente."Hubo tal follón con ese sketch que ya no me hablan las Encarnas o hay gente que me dice que les gustó lo de las croquetas de Alcorcón, lo de las sardinas... Tienen un lío", afirmó Salcedo.Motos, que hubo momentos en la entrevista que llegó a llorar de la risa con las expresiones y bromas de su invitado, comentó que "queremos rendirle homenaje y me la voy a jugar. Son las 22:22 horas, estamos en Madrid, en la calle Alcalá 518, si viene alguien esta noche con una empanadilla, se llama Encarna y lo puede demostrar con su DNI, le vamos a dar 500 euros".El cómico añadió que "y, además, me comprometo públicamente a comerme la empanadilla" cuando llegara la primera Encarna a El Hormiguero.El programa transcurrió con normalidad hasta que, durante la sección 'Yo x ti, tú por mí' protagonizada por Trancas y Barrancas, llegó la primera Encarna a las puertas del plató del programa.¡Encarna llegó a tiempo! #MillánEH pic.twitter.com/Ku9cT076Cd— El Hormiguero (@El_Hormiguero) February 20, 2020 La joven entró en el plató y le hizo entrega de la empanadilla a Salcedo: "¿Esta empanadilla la has hecho tú?", le preguntó Motos a Encarna, que contestó que "ahora mismo, está calentita" mientras Salcedo y el presentador se repartían el presente."Está recién hecha, que rica, felicidades, haces unas empanadillas...", afirmó Motos, que posteriormente enseñó el DNI de Encarna a cámara para mostrar que, efectivamente, se llamaba Encarnación y que se llevaba los 500 euros ofrecidos.Pero durante el desarrollo del programa llegaron varias Encarnas más a las puertas del programa: "No te lo vas a creer, pero me cuentan que han llegado tres Encarnas más con sus empanadillas", señaló Motos."Ya ha llegado una Encarna, pero sin hablar con mi socio ni nada, os vamos a dar 200 euros a cada una, gracias por venir y jugar con nosotros", concluyó Motos.¡Han llegado más Encarnas con empanadillas! Cada una se lleva 200€ #MillánEH pic.twitter.com/7Jp71EcRiC— El Hormiguero (@El_Hormiguero) February 20, 2020
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Brotes de dengue y sarampión se cobran sus dos primeras muertes en Argentina
El Gobierno argentino confirmó este jueves la muerte de dos personas en los últimos días, una infectada por dengue y otra por sarampión, en las que suponen las primeras víctimas que cada una de las enfermedades se cobran en sus actuales brotes en el país. El ministro de Salud, Ginés González García, confirmó en una rueda de prensa que en ambos casos, tanto la mujer que falleció por sarampión como el hombre que pereció a causa del dengue, se trataba de pacientes "muy vulnerables". Explicó que en sus historiales médicos, sin especificar a quién pertenecía cada complicación, había "inmunodeficiencia, patologías previas y un trasplante". Las dos personas eran de localidades de la zona metropolitana de Buenos Aires, en la provincia homónima. PRIMERA MUERTE POR SARAMPIÓN EN ARGENTINA DESDE 1998 En el caso del sarampión, es la primera víctima que está antigua enfermedad se cobra desde hace 22 años en Argentina. "Lamentablemente lo que pasó en estos últimos días fue un fallecimiento por sarampión, que no existía desde el año 1998 en Argentina, y lo mismo pasó con un caso de dengue", indicó González García, quien durante la comparecencia presentaba un programa de acceso gratuito a medicamentos, el llamado Plan Remediar. El titular de Salud recalcó que el país austral tiene "sobrante" de vacunas por sarampión, por lo que aseveró que debe haber una labor de concienciación para "aproximar la vacuna" a la ciudadanía, cuestión para la que pidió la ayuda de los medios de comunicación. "No hay ningún problema de disponibilidad", sostuvo González García. SEGUIR "ALERTA" CON EL DENGUE Respecto a la alerta por dengue, que en el vecino país de Paraguay se ha cobrado 16 muertos en lo que va de año y tiene 4.000 casos confirmados, el ministro indicó que deben "seguir haciendo acción de foco y sistema de alerta". Argentina se encuentra en situación de "alerta máxima" por el dengue, de manera especial "en todas las provincias de la frontera y en la provincia de Buenos Aires y en la ciudad". La zona metropolitana de la capital argentina registra 75 casos de infectados, mientras que en el noroeste, en la provincia de Misiones, el número de casos es similar. MÁS "MIEDO" A ESAS ENFERMEDADES QUE AL CORONAVIRUS González García repitió lo que ya dijo en otras ocasiones, ya que aseguró que le tiene "más miedo al dengue y más miedo al sarampión" que al brote de coronavirus, que hasta la fecha tuvo cerca 2.000 fallecidos, casi la totalidad de ellos en China. En una reunión celebrada este miércoles en Asunción, González García y el resto de ministros de Salud del Mercosur aseguraron que el bloque está preparado para hacer frente a posibles casos de coronavirus, pero descartaron que la enfermedad pueda expandirse por la zona, por la lejanía con China y las diferencias climáticas con el hemisferio norte. El coronavirus fue una de las enfermedades que centraron la agenda de esta III Reunión Extraordinaria en la capital de Paraguay, que ostenta la presidencia temporal del bloque, y que junto a los otros países miembros (Argentina, Brasil y Uruguay) coincidió en la necesidad de "homogeneizar las medidas" ante el coronavirus. Precisamente, ocho ciudadanos argentinos que estaban en la ciudad de Wuhan, epicentro del brote de coronavirus, fueron evacuados desde allí hasta Ucrania este jueves, confirmó González García, y ahora deben hacer cuarentena en el país europeo. "Si vinieran a la Argentina, ya tienen todos los requisitos, no hay que hacer cuarentena de nuevo", afirmó González García.
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Misteris amb Sebastià D’Arbó
8TV 23.35 HORES El tema central d’aquesta nit tractarà del contingut del llibre Confesiones del segundo piloto , l’últim llibre de la sèrie Caballo de Troya , escrit per Juan José Benítez, a qui s’entrevistarà al programa. Altres temes d’avui seran:...
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Luz verde a «Alba», la versión española de «Fatmagül», el primer éxito turco
La adaptación española de la serie turca «Fatmagül» , el primer gran éxito del género en nuestro país, va tomando forma. La serie que preparan Atresmedia y el grupo Boomerang llevará por nombre «Alba» y empezará a grabarse en abril en la localidad alicantina de Villajoyosa, según adelanta «El Confidencial Digital» y ha confirmado en redes sociales Diego del Pozo, responsable de I+D Ficción y de Contenidos Digitales de Series Atresmedia. Además, el directivo ha puntualizado que esta producción no se verá en la tarde, sino en el «prime time» de Antena 3. De momento, no ha trascendido el nombre de ninguno de los actores que participarán en esta producción, una adaptación libre de la original ambientada en la cultura española. «Fatmagül» cuenta la historia de una joven campesina que es violada por un grupo de cuatro hombres y luego obligada a casarse con uno de ellos, que ni siquiera recuerda si participó o no en la agresión. Además, tras el suceso, pierde a su novio y su familia.
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Una serie española de 20 millones para reivindicar la gesta de Magallanes y Elcano
Buscaban una alternativa a la ruta de las islas de las especias y constataron que la Tierra era redonda. Navegando «siempre al Oeste» y evitando los territorios portugueses, la expedición financiada por la Corona española dio la vuelta al mundo. La gesta que emprendieron Magallanes y Elcano, y que celebra su V centenario, supuso un punto de inflexión para el comercio o la ciencia pero, a pesar de ser la mayor hazaña de la historia de la navegación, todavía es un episodio desconocido para muchos. De esa necesidad de reivindicar la expedición que partió con 239 marineros y cinco naos de Sanlúcar de Barrameda en 1519 y que regresó tres años después con 18 hombres famélicos y una sola nave surge «Sin límites», una coproducción entre RTVE y Amazon Prime Studios que originariamente iba a ser una película. «Esta historia va más allá de las civilizaciones y de la cultura, es una historia humana de épica y emoción que vamos a contar desde el entretenimiento, que es lo que hacemos nosotros. No vamos a hacer algo histórico aburrido porque es una oportunidad única de contar algo que no conoce nadie fuera de España. No sé si será la mejor serie del mundo, pero vamos a luchar para conseguirlo», reconoció el productor Miguel Menéndez de Zubillaga. Polémica con Portugal Basada en el diario del italiano Antonio Pigafetta, además de en otros documentos de la época como los del Archivo de Indias, «Sin límites» aparcará polémicas como la surgida con Portugal respecto a la autoría de la primera vuelta al mundo, «un lío absurdo», según Zubillaga, ya que a pesar de ser un proyecto liderado por Magallanes, «fue un viaje financiado por la Corona española». «Si el Barça gana la Copa con goles de Messi, ¿quién ha ganado, España o Argentina? Fue una expedición española liderada por un portugués», zanjó el productor en la presentación celebrada en la sede del Cuartel General de la Armada. La serie, que dirigirá el cineasta británico Simon West («Lara Croft: Tomb Raider»), desarrollará la heroica aventura de la primera vuelta al mundo en cuatro episodios de una hora . Con un presupuesto de 20 millones, cinco por capítulo, la ficción pretende emular a superproducciones como «Master & Commander» -costó 150-, y hacer justicia a la aventura de un vasco que, atado al timón por si mermaban las fuerzas, consiguió completar la primera circunnavegación. «Voy a aportar todo lo que he aprendido en Hollywood a esta producción y vamos a conseguir que, además de histórica, sea trepidante, entretenida, que muestre la acción y que llegue a ese público más joven», reivindicó West, orgulloso de embarcarse en un proyecto en el que «la pirotecnia, las explosiones y los efectos visuales» están garantizados. También «el entretenimiento», a pesar de que el guión -a cargo de Patxi Amezcua- quizás no sea «totalmente fiel a la realidad», tal y como aseguró Rosa María Mateo, administradora única del Ente público. La ficción, que comenzará su rodaje a finales de este año en los Estudios Pinewood de República Dominicana y lo continuará en localizaciones de País Vasco y Canarias, se lanzará de forma simultánea en Amazon Prime Video en España, Estados Unidos, Reino Unido y Hispanoamérica. De momento, «Sin límites» todavía está negociando los nombres de un elenco que, adelantó Zubillaga, «será de primer nivel internacional» y hablará en castellano, «porque esta serie se hace en español».
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Los momentos más violentos de la versión chilena de «La isla de las tentaciones»
Puede que «La isla de las tentaciones» haya sido la revelación de la televisión española este 2020, pero –como ya repasamos– es un formato que en España ya fue emitido en Antena 3 hace casi 20 años con el título de «Confianza ciega». También en Estados Unidos, tras más de 15 años fuera de antena, se recuperó en 2019 el programa bajo el mismo nombre de la adaptación española, «Temptation Island». Pero si ha habido un país en el que ha causado furor este género –parejas que van a un lugar paradisíaco poblado de solteros–, ese ha sido Chile, por cuya televisión han desfilado formatos como «Amor a prueba», «¿Volverías con tu ex?» y «Doble tentación», donde participaron sospechosos habituales de los programas de telerrealidad españoles como Oriana Marzoli, Tony Spina y Abraham García. Fue «Amor a prueba», estrenado en diciembre de 2014, el que puso la pica en Mega, canal de televisión privado que se emite en abierto –como Antena 3 y Telecinco– desde la década de los noventa. A diferencia de los siguientes «realities», «Amor a prueba» sí era la adaptación chilena del original y holandés «Confianza ciega». Aún así, esta traducción subtitulada como «Los jotes andan rondando» introdujo varias novedades entre sus concursantes con respecto a su estado sentimental (parejas, exparejas y solteros), su notoriedad (famosos y anónimos) e incluso su permanencia (expulsiones, inmunidad y favoritos) mediante pruebas físicas y la intervención de la audiencia. En cierto modo, nuestra «Isla de las tentaciones» también ha combinado famoseo –Susana y Gonzalo de «Gran Hermano»– con otro perfil desconocido como el de Fani y Cristofer. La versión chilena, disponible en YouTube, se emitió como tira diaria por la noche y superó el centenar de entregas, de alrededor una hora de duración cada una. La cuota «española» la aportaron la venezolana Oriana Marzoli y el italiano Tony Spina –emparejados en «Mujeres y hombres y viceversa»–, que protagonizaron alguno de los momentos más polémicos de la edición; Oriana se peleó durante una prueba con una de sus compañeras, Pilar Ruiz, que había tenido más que palabras –un pico– con Spina. La futura concursante de «Supervivientes» le dedicó, entre lágrimas, originales insultos a su competidora («¡Fea!», ¡«bicho»!, «¡ogro»!), deseó la muerte de ambos e incluso él tuvo que retener a su novia para que no se acercara a la otra joven. <iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/7W-RWcn5f1I" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> Pero la trayectoria de Oriana por la televisión chilena no paró en «Amor a prueba» –donde abandonó tras romper con Spina para luego regresar y vengarse–, sino que también se apuntó a a sus continuaciones: «¿Volverías con tu ex?» (2016) y «Doble tentación» (2017). En «¿Volverías con tu ex?», donde se reencontraban 12 exparejas para que estas se dieran una segunda oportunidad o pasaran página, repitieron Marzoli y Spina. Fue durante el ecuador del concurso cuando ella fue expulsada por aparentemente agredir a Gala, una de sus compañeras. Su expulsión dividió a la casa entre aquellos que aplaudieron la decisión del programa y aquellos que no la entendían. Tras una mañanera y acalorada discusión, en la que la venezolana la insultó y amenazó con una plancha del pelo, Oriana volvió a arremeter contra su competidora, a la que salpicó con agua y pasta de dientes. En ambas ocasiones hubo contacto físico y tuvo que intervenir un trabajador del programa para evitar males mayores. Pero, por avatares del destino (guion), Oriana regresó al formato y lo ganó junto a su nuevo romance, Luis Mateucci, el motivo del previo enfrentamiento entre ambas mujeres. <iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/cLCeFarsTCo" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> Tras su victoria, la nueva pareja participó en «Doble tentación», criticado por su violencia y racismo. Allí la venezolana volvió a protagonizar tensos enfrentamientos con los concursantes e incluso con su propia pareja. En aquella ocasión, hasta la acusaron de racista por los insultos que había vertido sobre una compañera negra, Dominique Lattimore, que decidió después demandarla. Pero nuevamente fueron los celos de la venezolana –se descubrió que su novio había contactado con otra concursante antes del programa–, los que desencadenaron en fuertes discusiones entre la pareja. El programa decidió expulsarla (por la mecánica del concurso, él se vio arrastrado) después de encadenar violentas situaciones como golpear una puerta con un taburete. <iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/K7YOUagDPVo" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe>
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El coronavirus provoca la primera caída de pasajeros en una década
El efecto dominó provocado por la crisis del coronavirus no cesa. Si el miércoles eran las empresas estibadoras españolas las que avisaban de una importante caída de la actividad por la parálisis en China, ayer fue la Asociación Internacional de las...
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El Met elige al mexicano Héctor Zamora para el proyecto anual de su azotea
El Museo Metropolitano de Nueva York (Met) anunció este jueves que ha elegido al artista mexicano Héctor Zamora para desarrollar el destacado proyecto artístico que cada año se presenta en el jardín de la azotea de la institución cultural, y que se expone durante más de 6 meses. Zamora, de 46 años y natural de Ciudad de México, presentará el próximo 21 de abril su obra "Lattice Detour" en la amplia terraza del Met, que colinda con el Central Park neoyorquino y desde donde se puede observar la silueta de los rascacielos de la Gran Manzana. "La habilidad de Zamora de transformar los espacios públicos y el ambiente construido de formas que a menudo están tintadas de tensiones relacionadas con eventos de la actualidad lograrán una intervención sorprendente en el Jardín de la Azotea", dijo en un comunicado el director del Met, Max Hollein, que señaló que este espacio es una "plataforma prominente para nuevas ideas y expresiones creativas". Por su parte, la directora del Departamento de Arte Contemporáneo del museo, Sheena Wagstaff, adelantó que "Zamora nos invitará a reconsiderar las vistas panorámicas de la silueta de la ciudad y las implicaciones de obstrucción y permeabilidad en un espacio social". El Encargo del Jardín de la Azotea, como se conoce este proyecto en el que cada año el Met elige a un artista para embellecer ese espacio, se estableció en 2013 por el Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo, y hasta la fecha ha mostrado obras de Imran Qureshi, Dan Graham, Pierre Huyghem Cornelia Parker, Adrián Villar Rojas, Huma Bhabha y Alicja Kwade. El Met también anunció que la estadounidense Carol Bove ha sido la elegida para elaborar piezas que ocuparán los grandes nichos de la majestuosa fachada principal del museo, que podrán verse desde el próximo 9 de septiembre hasta el 30 de marzo de 2021. El Met es el museo más grande del mundo, tanto en términos físicos, con 186.000 metros cuadrados, como en términos financieros, ya que cuenta con un presupuesto anual de 320 millones de dólares.
eldiario.es
Más de 4,4 millones de euros para el fomento de las artes en la Comunidad de Madrid
La Comunidad de Madrid ha convocado una nueva edición de su programa de ayudas, dotado con más de 4,4 millones de euros, para las empresas privadas que quieran desarrollar actividades de teatro, danza y cine y proyectos de música en la región. La consejería de Cultura que dirige Marta Rivera de la Cruz ha abierto varias líneas de subvención para la promoción y desarrollo de largometrajes, cortometrajes, obras de teatro, musicales y de diseño de moda. «Estamos orgullosos de participar en proyectos que contribuyen a consolidar la competitividad de Madrid en materia cultural», asegura la consejera. El Ejecutivo regional ha reservado 2.350.000 euros para aquellas empresas privadas que quieran realizar actividades de teatro y danza en las siguientes modalidades: producción de una obra teatral, producción de una obra coreográfica y programación de teatro. Podrán solicitar estas ayudas las personas físicas o jurídicas privadas, titulares de empresas cuyo objeto sea la realización de actividades de artes escénicas y ocupe menos de 50 personas y cuyo volumen de negocios anual o balance general no supere los 10 millones de euros. El plazo de solicitudes finaliza el próximo 26 de febrero. Un total de 300.000 euros serán destinados a la creación de largometrajes –podrán ser de ficción, animación o documentales– que tengan como objetivo su explotación comercial en salas por empresas independientes. En el caso de que se realice el proyecto con una coproducción internacional, deberá haber sido admitida por el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales. El plazo de solicitudes finaliza el 9 de marzo. La misma cantidad estará destinada a cortometrajes. La asignación de estas ayudas radicará en «el interés cultural y la viabilidad del proyecto», o «la trayectoria profesional de la empresa». En este caso, el plazo límite es el 26 de febrero. Musicales La grabación y edición discográfica; la producción y exhibición de ciclos o festivales; y la programación de salas de música en vivo tendrán ayudas por valor de 450.000 euros. Asimismo los municipios de la región que no excedan los 10.000 habitantes podrán acceder a subvenciones de 300.000 euros. Por otra parte, cualquier municipio –excepto la capital– podrá optar a ayudas –700.000 euros–para equipar teatros, museos, salas de exposiciones u otros espacios de titularidad municipal. «Con las ayudas a los municipios queremos contribuir al gran reto que nos hemos planteado de descentralizar la cultura y hacerla llegar a todos los rincones de la Comunidad. Por una parte, promoviendo que los ayuntamientos más pequeñitos organicen actividades culturales; y, por otra, incitando a los ayuntamientos más fuertes a mejorar sus equipamientos e instalaciones culturales», concluye Marta Rivera de la Cruz.
abc.es
Rechazan la propuesta del PSOE para recuperar el Homeopático
La propuesta del diputado socialista Diego Cruz para tomar medidas de protección del inmueble del Instituto Homeopático, inmerso desde hace décadas en un litigio legal entre herederos, y en cuya rehabilitación se invirtieron varios millones de euros de dinero público, fue rechazada por los votos de Cs, Vox y PP. El diputado proponía medidas como inscribir en el registro de la propiedad la condición de BIC del edificio, y apuntaba la posibilidad de la Comunidad de Madrid de «ejercer el derecho de tanteo y retracto en el momento procesal oportuno» y si era preciso. El edificio del Homeopático, cedido a una Fundación por un particular y que dejó de funcionar en los años 80, fue sometido a diversas obras que abonaron el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, por un valor conjunto superior a los tres millones de euros. En la actualidad, se encuentra inmerso, desde hace más de quince años, en un litigio entre herederos que aún no se ha resuelto. La propuesta del PSOE, en forma de proposición no de ley, pretendía una atención extra de la Administración hacia este edificio «de indiscutible valor arquitectónico», como dijo Cruz. Pero no convenció al resto de la Cámara, salvo a Unidas Podemos: desde el PP, el diputado Pedro Corral matizó que las acciones públicas sobre el inmueble no fueron por acción sustitutoria, sino intervenciones en un bien protegido pero privado. Y Esther Ruiz, de Cs, aseguró que en todo caso, «no se permitirá el derribo o cualquier daño sobre ese bien».
abc.es
Madrid será la sede de la Organización Mundial del Turismo en otoño
Madrid será la sede mundial del turismo el próximo otoño. Después de pasar por Ereván (Armenia) en 2016, Chengdú (China) en 2017, Hamadán (Irán) en 2018 y San Petersburgo (Rusia) en 2019, en la capital española recalarán 300 líderes internacionales para celebrar la 42 Sesión Plenaria de los Miembros Afiliados de la Organización Mundial del Turismo (OMT), según confirmaron a ABC fuentes del Área delegada de Turismo. Durante dos días y medio, Madrid acogerá la que es la reunión estatutaria más importante de este organismo de la ONU, que tiene lugar cada año en una parte del mundo. Durante Fitur, el Ayuntamiento presentó su candidatura y venció a la otra finalista, Durban, en Sudáfica. La concejal delegada de Turismo del Ayuntamiento, Almudena Maíllo , en declaraciones a este diario calificó este evento de «una muy buena oportunidad, tanto para Madrid como para España, de visibilizar entre los miembros afiliados la oferta turística y cultural de la capital española. Teniendo en mente que estos participantes son, además, potencialmente, prescriptores del destino». «Madrid, que cuenta en la ciudad con un organismo de la ONU como la OMT, será durante esos días referente mundial en materia de turismo», subrayó. En torno a la sesión plenaria, también se producen reuniones paralelas entre los miembros -que son, en muchos casos, representantes de alrededor de 500 empresas, instituciones científicas y educativas y ONG- de compañías de alto rango. Aunque el impacto económico es secundario, esta reunión también dejará un gasto directo en la ciudad de entorno a 170.000 euros, y entre 400 y 700 euros de pernoctaciones por persona.
abc.es
Ernesto Samper dice que Álvaro Gómez fue asesinado por no conspirar contra él
El expresidente colombiano Ernesto Samper (1994-1998) dijo este jueves que el político conservador, periodista y excandidato presidencial Álvaro Gómez Hurtado fue asesinado en 1995 por negarse a hacer parte de una conspiración que buscaba sacarlo del poder. Así lo aseguró Samper en su segunda comparecencia voluntaria ante la Comisión de la Verdad, creada a instancias del acuerdo de paz firmado entre el Gobierno y la guerrilla de las FARC en 2016, en la que pidió a los expresidentes acudir a esta instancia para contar qué fue lo que pasó en sus gobiernos durante el conflicto armado y aportar a la verdad. Gómez Hurtado, hijo del expresidente Laureano Gómez Castro, fue asesinado a tiros en Bogotá el 2 de noviembre de 1995 cuando salía de la Universidad Sergio Arboleda, donde dictaba clase. "Mi convicción es que los conspiradores o una parte de ellos, especialmente lo que he llamado aquí 'los conspiradores de sangre' buscaron a Álvaro Gómez para que Álvaro Gómez sirviera un poco de jefe de Gobierno de la oposición en una especie de transición no democrática y Álvaro Gómez se opuso", dijo Samper. Agregó: "Eso corresponde mucho no solamente al talante de él sino a que él y su familia vivieron lo que era un golpe de Estado con su padre". El padre de Gómez Hurtado fue presidente de Colombia entre 1950 y 1951, pero, por problemas de salud, cedió el poder a Roberto Urdaneta y cuando quiso regresar fue depuesto por un golpe de Estado por el general Gustavo Rojas Pinilla. GESTIÓN DE LIBERACIÓN Gómez Hurtado fue asesinado en un periodo de gran agitación política en Colombia, que por entonces estaba inmersa en un escándalo por la supuesta financiación del cartel del narcotráfico de Cali a la campaña electoral del entonces presidente Samper (1994-1998), del cual el político conservador era un severo crítico. Samper aseguró que pese a que Gómez Hurtado era su rival político, al mismo tiempo era su "amigo personal" y recordó que gestionó la libertad del político conservador cuando fue secuestrado por la entonces guerrilla del M-19. En mayo de 1988 Gómez Hurtado fue secuestrado en Bogotá por el M-19 y liberado el 20 de julio del mismo año. En 1991 fue elegido miembro de la Asamblea Nacional Constituyente. "Yo participé activamente cuando estuvo secuestrado por solicitud que me hizo (el exministro) Rodrigo Marín. Fui a Panamá como director del Partido Liberal a gestionar la liberación de Álvaro Gómez Hurtado con el M-19", aseguró Samper. LOS CONSPIRADORES El expresidente colombiano aseguró que es "el más interesado en que se esclarezca el asesinato" que fue declarado en 2017 por la Fiscalía de Colombia como de lesa humanidad luego de realizar un análisis de la forma cómo ocurrieron los hechos y de contextualizar lo que venía ocurriendo en el país en ese momento. Samper detalló que los conspiradores estaban en tres niveles: sociales, ideológicos y los de sangre. Explicó que los primeros eran los que asistían a cócteles y almuerzos, "y de ellos hacían parte periodistas y algunos académicos". De los ideológicos, dijo, buscaron al entonces embajador de Estados Unidos en Colombia Myles Frechette para proponerle que los apoyara en salidas no democráticas, pero este no los apoyó. Del tercer grupo dijo que tuvieron que ver en el intento de secuestro en septiembre de 1995 de su abogado, Antonio José Cancino, y del que hicieron parte "militares activos y retirados". Además, dijo que en su momento le pidieron al entonces fiscal de Colombia Alfonso Valdivieso (1994-1997) abrir una investigación para hallar a los que estaban detrás de esa conspiración, pero se negó. "Valdivieso dijo que no. Si se hubiera abierto, de golpe, Álvaro Gómez, estuviera vivo", concluyó Samper.
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Lo peor aguarda aún a la banca china
Los restaurantes, los hoteles y las oficinas de China están vacíos por el coronavirus. El Banco Central chino ha rebajado los tipos de interés, y se espera que los grandes bancos faciliten también el crédito, pese a afrontar un aumento de los préstamos dudosos de hasta 1,1 billones de dólares. Leer
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