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Eva Longoria producirá una serie de ciencia ficción
Los Ángeles (EE.UU.), 20 sep (EFE).- Eva Longoria producirá una serie de ciencia ficción basada en "Sal & Gabi Break the Universe", un libro escrito por el autor cubanoestadounidense Carlos Hernández.La actriz y empresaria llevará las riendas de este proyecto, que narra las aventuras de Sal Vidón, un adolescente con el poder de viajar en el tiempo y en el espacio que tiene como objetivo traer a su madre de vuelta a la vida, informó el diario especializado Deadline.Longoria producirá esta serie junto a Ben Spector ("Grand Hotel") y la compañía Disney Branded Television, aunque por el momento no ha sido adquirida por ninguna cadena de televisión o plataforma de "streaming".Más allá de sus trabajos como intérprete, Longoria tiene en el horizonte cercano su debut como directora de cine con la película "Flamin' Hot", una cinta sobre el creador del famoso sabor de Cheetos."Pienso que los latinos tenemos que ponernos detrás de las cámaras para crear más oportunidades para nuestra comunidad. Tenemos que ser directores, guionistas y productores", argumentó la cineasta en una entrevista con Efe el pasado junio.Entre otros proyectos, Longoria inaugurará el año que viene una escuela para estudiantes interesados en trabajar en el cine y para ello contará con socios como George Clooney y Kerry Washington.Además, la empresaria ha entrado con fuerza en el negocio del fútbol y entre sus inversiones en este deporte destaca el Angel City FC, un equipo femenino que debutará el próximo año en Los Ángeles y en el que está acompañada por otras figuras del espectáculo como Natalie Portman, America Ferrera, Becky G, Jennifer Garner, Jessica Chastain, Sophia Bush y Uzo Aduba.Finalmente, Longoria forma parte de la junta directiva del Museo de la Academia de Hollywood, que abre sus puertas el 30 de septiembre.
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Los Emmy mejoran la audiencia de los últimos años con su gala presencial
Los Ángeles (EE.UU.), 20 sep (EFE).- Los Emmy lograron revertir su declive de audiencias al congregar a 7,4 millones de espectadores con la gala del domingo, un significativo 16 % más que el año pasado.La consultora Nielsen señaló que la gala de 2021 fue más seguida que la ceremonia de 2020, que marcó un mínimo histórico con 6,1 millones de espectadores, y también que la de 2019, que tuvo una audiencia de 6,9 millones.El año pasado y con la pandemia como obstáculo, las entregas de premios de la industria del entretenimiento -Óscar, Grammy, Globos de Oro y Emmy- registraron mínimos de audiencia con sus formatos virtuales.Aunque ya antes de la pandemia, las grandes entregas de premios llevaban varios años de caída en su audiencia televisiva acumulando mínimos históricos sin freno.Los Emmy intentaron cambiar la dinámica al recuperar cierta normalidad, aunque con una gala en forma reducido y sin emitir la tradicional alfombra roja, que coincidió con el encuentro de la NFL entre Los Angeles Chargers y Dallas Cowboys.En lo relativo a los premios, Netflix arrasó gracias a las cosechas de "The Crown" (mejor drama) y "The Queen's Gambit" (mejor miniserie) para hacer un total de 44 premios entre categorías artísticas y técnicas, un récord de premios que hasta ahora solo ostentaba la CBS desde la gala de 1974.Apple TV+, la plataforma de la compañía tecnológica, consiguió su primer gran premio gracias a "Ted Lasso", galardonada como mejor comedia.En las categorías de interpretación, tres veteranas de la industria se repartieron los galardones más importantes: Kate Winslet (miniserie), Olivia Colman (drama) y Jean Smart (comedia).Josh O'Connor (drama), Ewan McGregor (miniserie) y Jason Sudeikis (comedia) triunfaron en el apartado masculino.
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Vargas Llosa presenta junto a su hijo una serie que unifica todas sus facetas
Ciudad de México, 20 sep (EFE).- El nobel de Literatura peruano Mario Vargas Llosa estuvo en México para la presentación de la serie sobre su vida "Una vida en palabras", en la que conversa con su hijo Álvaro sobre su vida, obra y trayectoria política, con un afán de unificar todas sus dimensiones en una sola y contar "la verdad", expresó el literato durante el evento."Cuando Álvaro (Vargas Llosa) me propuso este proyecto conversamos largo sobre las características que tendría y nos pusimos rápidamente de acuerdo en que ahí debería aparecer la verdad. Aunque nos perjudicara había que decir las cosas como habían pasado, y al mismo tiempo no exagerar", compartió Vargas Llosa (Arequipa, 1936).La serie, que es una producción del Centro Ricardo B. Salinas Pliego, se adentrará a través de diez capítulos de 45 minutos en la vida del autor peruano guiándose por las preguntas de su hijo, periodista y escritor, quien desde que se concibió el proyecto insistió en la necesidad de "no mutilar" la persona que es su padre."La gente que se pasa la vida mutilándolo. Yo recuerdo haberlo oído muchas veces decir 'la persona que quiera acercarse a mí tiene que acercarse a la totalidad de la persona que yo soy'", relató Álvaro.Por esto, consideró que la serie debería abarcar al mismo tiempo su dimensión literaria, política y personal para que "el televidente pasará de una cosa a la otra casi sin darse cuenta. Que hubiera algo como las tres dimensionas en una sola".UN REFERENTE DEL LIBERALISMOTambién por esto las conversaciones paterno filiales tienen lugar en escenarios relevantes de la trayectoria de Vargas Llosa como las ciudades de París, Londres, Arequipa o Guadalajara y según reveló el periodista Sergio Sarmiento, productor ejecutivo, durante la presentación de la serie que se estrenará el próximo sábado por el adn40, se tratarán temas como la evolución de escritor comunista al "referente del liberalismo".Sobre esto, Vargas Llosa detalló en la conferencia su recorrido político desde que de joven se adentró en círculos comunistas hasta que tomó distancia del régimen de Fidel Castro, después de haber formado parte de un comité de escritores extranjeros que apoyaban la revolución cubana."Me fui dando cuenta que las cosas no eran tan bellas como parecían. Por ejemplo, cada vez había más signos de autoritarismo", explicó el peruano, que recordó que todo esto se tratará en la serie, al igual que, entre muchos otros temas, las diferencias de muchos escritores latinoamericanos debido, precisamente, al régimen cubano.Todo esto, dijo, aplicando siempre la idea de reflejar "una verdad que no está presentada de manera escandalosa, sino tal cual fue" y tratando de aunar sus intereses políticos y literarios.Preguntado por los problemas actuales de América Latina, Vargas Llosa dio cuenta una vez más de sus ideas liberales y dijo que "en el campo político hay un solo modelo de desarrollo" que está vinculado "a la libertad, a la diversidad, a la libertad de opinión" y no hay otros modelos que puedan funcionar.Con esto, criticó el pensamiento "de algunos" que consideran que la revolución puede resolver los problemas de la América Latina actual "como si los ejemplos de Venezuela o Cuba no fueran suficientes", expresó, refiriéndose a los gobiernos de Nicolás Maduro y Miguel Díaz-Canel, respectivamente.RELACIÓN CERCANAPadre e hijo estuvieron de acuerdo en que la creación de la serie fue posible gracias a su cercana relación, a la vez que el hecho de haber trabajado juntos en el proyecto también implica todavía más acercamiento y aprendizaje."Yo estaba convencido de que no me contaría nada nuevo y de hecho ese no era el objetivo, pero yo diría que sí, que en los momentos de mucha intensidad aprendí muchas cosas de él", dijo Álvaro.Las conversaciones entre ambos, de las que no habrá segunda parte porque será "una obra única", consideró Sarmiento, se encargarán de acercar la vida y obra de Vargas Llosa a públicos que tal vez no están familiarizados con sus libros y darán la oportunidad a quien ha seguido su trayectoria de profundizar más en su persona."Mario Vargas Llosa, Una vida en palabras" cuenta con 10 episodios de 45 minutos.La serie, una producción del Centro Ricardo B. Salinas Pliego, se emitirá por el canal adn40 los sábados a las 23.00 horas (04.00 GMT de los domingo) y posteriormente, según informaron en la conferencia de este lunes, será emitida también a través de Amazon Video.
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Vargas Llosa: En Latinoamérica tenemos muchísimos problemas pero con solución
Ciudad de México, 20 sep (EFE).- El escritor peruano Mario Vargas Llosa, Premio Nobel de literatura, consideró este lunes en México que tanto los países latinoamericanos como la región tienen muchos problemas pero todos ellos son resolubles a través de "un único modelo"."Tenemos que aceptar que tenemos muchísimos problemas, que nos hemos ido quedando atrás, pero también que esos problemas tienen una solución, y condicionar nuestra acción en el campo político para solucionarlos", dijo el escritor, quien fue candidato a la presidencia de Perú en 1990 y desde muy joven ha estado vinculado con la política.En este sentido, Vargas Llosa (Arequipa, 1936) consideró durante la presentación de una serie sobre su vida y obra que "los problemas de América Latina son inmensos" y admitió que "el continente pasa por un mal momento".En gran parte, dijo, porque son muchos los "regímenes criticables" y pocos los que haya que elogiar."Sin embargo, digamos, no creo que los problemas de América Latina sean insolubles, siempre y cuando la mayoría de latinoamericanos acepte una realidad, una realidad que en el campo político significa que hay un solo modelo de desarrollo", consideró.Sobre esto dijo que, a diferencia de cuando él era muy joven, no hay varios modelos que estén funcionando, sino que hay uno solo que es el que tiene éxito. "Es el de países que han prosperado y el resto han fallado", opinó.Este modelo, consideró el escritor, está vinculado "a la libertad, a la diversidad, a la libertad de opinión" y tiene ciertas variantes, pero considerar que otros modelos pueden funcionar refleja un "desconocimiento de lo que es la realidad" actual.Con esto, criticó el pensamiento "de algunos" que consideran que la revolución puede resolver los problemas de la América Latina actual "como si los ejemplos de Venezuela o Cuba no fueran suficientes", expresó refiriéndose a los gobiernos de Nicolás Maduro y Miguel Díaz-Canel, respectivamente.Por último, insistió en que "la realidad" de que haya un modelo que permita el avance y mejora, "da motivos para ser optimistas"."Las soluciones están ahí para todos los problemas, no importa lo grandes que sean", terminó.El escritor de novelas como "La ciudad y los perros" (1963) o "La fiesta del Chivo" (2000), entre muchos otros, estuvo presente este lunes junto a su hijo Álvaro Vargas Llosa en la presentación de la serie documental "Una vida en palabras", que se estrena el próximo sábado a través del canal de televisión adn40 y que recorrerá en 10 capítulos la vida, obra y vinculación con la política del autor peruano.
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Muere en Miami el cubano Rafael Consuegra, famoso escultor de figuras aladas
Miami, 20 sep (EFE).- El escultor y ceramista cubano Rafael Consuegra, muy conocido por sus piezas monumentales con figuras aladas inspiradas en los ángeles, falleció en Miami a los 80 años víctima de un ataque cardiaco, confirmó a Efe su asistente, Paola Marino."Era un creador incansable y un soñador. No dejó de trabajar hasta el último de sus días", señaló Marino sobre Consuegra (La Habana, 1941-Miami, 2021), cuya obra, inspirada "en el movimiento y el equilibrio", ha sido instalada en diversos lugares del mundo, tanto en Europa como en América.De acuerdo con la información suministrada por quien fue su asistente durante más de 20 años, Consuegra falleció el pasado viernes, un día después de cumplir 80 años.Con piezas sobre todo de metal y gran formato que se pueden ver al aire libre en el sur de la Florida, donde el artista se exilió en 1960, la más conocida mundialmente está sin embargo en Rusia, recordó este lunes Marino.Se trata de "The Fisherman" (1991), a orillas del lago Onega, en la ciudad de Petrozavodsk, con la que ganó un concurso internacional en representación de Estados Unidos.Marino calificó a Consuegra de "muy versátil", tanto en sus obra abstracta como la figurativa."En los últimos años se inspiró mucho en los ángeles, en las alas de los ángeles", detalla Marino.Otra de las esculturas aladas que su asistente destacó es "The Guardian Of The River" (La guardiana del río), encargada por la ciudad de Jacksonville y completada en 2017.La obra es punto de parada obligatorio de los turistas que visitan el centro de esta ciudad del noreste de Florida.Otra escultura muy conocida del cubano es la que se puede ver al aire libre en la Universidad Internacional de Florida (FIU), en Miami, titulada "La sardana" (1999-2001).En el sur de Florida también se destacan sus cinco esculturas monumentales instaladas en el colegio jesuita de Belén (Miami), que representan cinco deportes, así como "Illusions", encargada por la ciudad de Hialeah, colindante con la de Miami, y donde el artista mezcló el metal con la fibra de vidrio, detalló Marino."Todas mis esculturas están inspiradas en el movimiento y el equilibrio", afirmó el propio artista, según recoge su web personal.Consuegra expuso en Francia, España, Dinamarca y Suiza, y tras ocho años en Europa, regresó a los Estados Unidos, donde estableció un estudio permanente en Miami y concentró sus esfuerzos en encargos."Tenía amistades por todos lados. Era parte de mi familia y no sé si lo veo objetivamente, pero para mí es el mejor artistas que ha representado a Cuba" en el exterior del país, aseguró Marino.
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Gerard Butler filma en Puerto Rico la película "The Plane"
San Juan, 20 sep (EFE).- El actor británico Gerard Butler participa en Puerto Rico en la grabación de la película de la productora Liongsgate "The Plane", un proyecto que supone una inversión directa para la isla caribeña de más de 65 millones de dólares."Ha sido encantador trabajar aquí. Vine aquí una vez de paso y les dije a mis amigos que cada persona que encontraba era como si fuera mi mejor amigo", destacó Butler en declaraciones a medios de la isla.Respecto a la película, indicó que se trata de un filme vibrante en el que todos los que intervienen tienen que trabajar con intensidad.El proyecto supone una inversión directa para Puerto Rico de cerca de 65 millones de dólares y un impacto estimado de 136 millones para la economía del territorio caribeño, según los cálculos de las autoridades locales.La productora recibió un crédito de 26 millones de dólares gracias de la Ley 60-2019 sobre producción cinematográfica en la isla.La trama de "The Plane" gira sobre la vida del piloto comercial Ray Torrance, quien después de aterrizar su avión en un territorio hostil se enfrenta a una toma de rehenes.Las escenas se han grabado en los municipios de Ceiba, Río Grande y San Juan, un trabajo que se extenderán hasta principios del próximo mes de octubre.La película está producida por Marc Butan, Alan Siegel y Lorenzo Di Bonaventura, a los que se une el puertorriqueño Luillo Ruiz, de la compañía local Pimienta Films.El sector turístico, uno de los sectores que más ha sufrido la pandemia, se beneficiará con cerca de 4.000 pernoctaciones relacionadas con la grabación de la película.Puerto Rico es desde hace años un centro internacional de grabación cinematográfico, gracias a su clima, personal experimentado y las ayudas fiscales que ofrece el gobierno local a las compañías que filman en la isla caribeña.
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Clint Eastwood logra un discreto debut con "Cry Macho" en los cines de EE.UU.
Los Ángeles (EE.UU.), 20 sep (EFE).- La nueva película de Clint Eastwood, "Cry Macho", debutó muy discretamente en los cines de Estados Unidos al quedar como tercera opción del fin de semana, por detrás de "Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings" y "Free Guy", que llevan varias semanas en taquilla.El largometraje, dirigido y protagonizado por el veterano cineasta, recaudó 4,5 millones de dólares en su estreno, aunque ese número no incluye los espectadores que decidieron ver la cinta desde su casa por la plataforma HBO Max.Ambientada en 1979 y con un aire que recuerda a "Gran Torino" (2008), Eastwood interpreta el papel de Mike Milo, que en tiempos pasados fue una estrella del rodeo.El protagonista acepta el encargo de un antiguo jefe para traer a casa a su hijo pequeño, encarnado por el mexicano Eduardo Minett, que está en México y debe cruzar la frontera con Texas.Por comparar, la última película dirigida y protagonizada por Eastwood, "The Mule", recaudó 17,5 millones en su estreno de 2018.Por su parte, "Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings" se mantuvo como primera opción al sumar 21,7 millones de dólares en su tercera semana en taquilla.La nueva cinta de Marvel se acerca a los 200 millones de dólares de recaudación, con los que podría convertirse en la película más taquillera del año por encima de "Black Widow", subrayó el portal especializado Box Office Mojo."Shang-Chi" es la primera película que Disney estrena de manera exclusiva en cines desde que comenzó la pandemia y ha resultado en un auténtico imán para atraer al público a las salas.Por su parte, "Free Guy", la comedia de Ryan Reynolds, sigue rindiendo comercialmente seis semanas después de su estreno, pues recaudó 5,2 millones de dólares y en total ha superado los 100 millones.Por detrás se situaron la película animada "Candyman", con 3,5 millones de dólares, y "Malignant", con 2,6 millones.
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"Los trajes EPI que vimos en la pandemia nos conectaron con el Prestige"
La historia de la compañía gallega Chévere es una historia muy larga y muy gallega. Verdaderos agitadores culturales, desde 1992 hasta 2011 regentaron la Sala Nasa, epicentro de la cultura teatral y musical de Santiago de Compostela. Sus conocidas noches cabareteras denominadas Ultranoites fueron cantera y ring actoral para toda una generación. Por allí pasaró Luis Tosar, Quico Cadaval o la ahora conocida directora de Voadora Marta Pazos. Noches de irreverencia y calor humano. “Hasta hicimos una ultranoite dedicada a Alfonso Sastre, que acaba de fallecer, lo invitamos a él y su mujer, un tipo encantador, le parecía todo bien”, recuerda Xesús Ron, director de la compañía, que acaba de estrenar N.E.V.E.R.M.O.R.E. en el teatro María Guerrero de Madrid.La NASA fue un espacio que al mismo tiempo que se enraizaba en su territorio, programó a buena parte de la dramaturgia más experimental de fuera de Galicia. Pero no solo era teatro, también era centro y laboratorio de creación, espacio político y asambleario e incluso sala de conciertos por donde pasaron grupos como Negu Gorriak, Mano Negra, Los Enemigos, Siniestro Total o Los Planetas.En el año 2014 el Ministerio de Cultura otorgó a Chévere el Premio Nacional de Teatro. Antes ya habían tenido que cerrar la Nasa debido al poco apoyo recibido por Gerardo Conde Roa (PP) desde que se hizo con la alcaldía compostelana en 2011. Un alcalde que poco después dimitió y fue sentenciado por fraude fiscal a dos años de cárcel y una multa de medio millón de euros. Chévere tuvo que emigrar a Teo, pueblo cercano a Santiago donde gobernaba Martiño Noriega (Compostela Aberta), donde se quedaron primero con un convenio y luego con un concurso público. Todo ese periplo está bien contado en el documental A viaxe dos Chévere, película dirigida por Alfonso Zarauza, representante de lo que hoy se denomina novo cinema galego.Hace dos años abandonaron Teo, cuando una nueva reconfiguración municipal no renovó el objeto del concurso que les ataba a la localidad y a su Auditorio. Ahora la compañía tiene una pequeña sala de ensayo desde donde se gestiona el éxito que empezó a tener en el resto del Estado. Un reconocimiento que comenzó en 2010 con Citizen, obra sobre la figura del dueño de Zara, Amancio Ortega. Ahí es justo cuando Chévere comenzó a adentrarse en el teatro documental. Luego llegarían Eurozone en 2013 y Eroski Paraiso en 2016. Con estos tres montajes Chévere giró por toda España. Galicia entraba en zona de desierto cultural mientras el resto de la península les abría los brazos. Aún así, ellos continuaron haciendo estrategias de enraizamiento llevando su teatro popular y delirante por pueblos y aldeas con proyectos como As fillas bravas o Ultranoite no país dos ananos. El núcleo de Chévere son tres personas: Miguel de Lira, Patricia de Lorenzo (ambos actores) y Xesús Ron. Más de treinta años de compañía, de agitación y lucha, de un teatro popular, gamberro y políticamente irreverente que ahora ha decidido levantar una obra, en coprodución con el Centro Dramático Nacional, para hablar sobre el Prestige.Agarrados al grito del cuervo del poema de Edgar Allan Poe, Nevermore, construyen un viaje emocional a través de un hecho que marcó a toda la sociedad gallega.Nos costó un montón levantar este montaje. No sabíamos cómo hacer, todos conocemos ya la historia del Prestige, la hemos odio muchas veces, no hay nada nuevo que contar. Al final fuimos encontrando la manera hablando con la gente. Vimos cómo los entrevistados se emocionaban al recordar y eso nos hizo ver que había un componente emocional muy importante. Eso nos marcó el camino a recorrer.En la obra relacionan la pandemia con el Prestige ¿qué les llevó a hacer esto?En los primeros momentos duros de la pandemia, el hospital de Cee hizo un llamamiento desesperado a los medios para que si alguien tenía los trajes que se utilizaron durante el Prestige los llevase allá. Fue impresionante: particulares llevando trajes, ayuntamientos, empresas, cofradías. Todos guardaban los trajes como sabiendo que no había que tirarlos, que volverían a ser necesarios. Las imágenes de gente con los EPI puestos te retrotraían al Prestige, unían ambos momentos como si hubiese un agujero de gusano espacio temporal entre ellos. También nos sorprendió que la única promesa del Gobierno para la Costa da Morte por la tragedia del Prestige fue que construirían el Parador de Muxía. Y cuando lo iban por fin a inaugurar, diecisiete años después, en marzo del 2020, llegó la pandemia. La reflexión es clara: no podemos seguir aceptando que para vivir en este mundo tengamos que habitar la catástrofe, no estamos dispuestos, se puede vivir de otra manera.¿Tenéis ganas de llevar el espectáculo a Galicia?Muchas.Estrenar esto en Madrid ¿es un poco de traidores?Ya hemos asumido que somos traidores. Estrenar en Madrid creemos que expresa una realidad. Es el Centro Dramático Nacional desde Madrid quien nos invita a coproducir un espectáculo sobre el Prestige. En Galicia no hemos encontrado ni un teatro tan siquiera para ensayar. Nadie nos invita ni nos llama para hacer nada. Este espectáculo va a estar en ocho ciudades gallegas, que son las que tienen teatros donde este montaje puede hacerse, y ninguno de ellos nos ha dado más de tres días de función. Santiago, tres; Coruña y Lugo, dos. El resto, un día y en algunos vamos a taquilla con el 50% de aforo debido a la COVID. Es un despropósito, ni que vengas del CDN, ni que lo haga Chévere que allí tiene público, ni que toque un tema tan nuestro como el Prestige, la situación de los teatros es crítica en Galicia. No somos traidores, allí está imposible hacer algo. Somos escapados.Este montaje ¿no debería haberlo hecho el Centro Dramático Galego?Nunca lo harían, políticamente nunca lo harían y además no tienen dinero. Están poniendo su sello a montajes en los que aportan diez mil euros, su situación no es buena. En Galicia hay un techo de cristal para el teatro, la red pública gallega lo que hace es programar a muchos, así la profesión no protesta, pero no hay criterios de excelencia artística. Esta producción nunca podría darse en Galicia y eso que no es una producción tan grande.Galicia detentaba hace quince años dos teatros referentes en España como el Teatro Galán de Matarile y la NASA, albergaba dos festivales de renombre como La Alternativa, organizados por vosotros y Matarile, y un festival de danza en la calle que la gente de Santiago abarrotaba, En pé de pedra, organizado también por Matarile. ¿La crisis se lo ha llevado todo?Galicia no se recuperó de la crisis de 2009 y a nivel cultural no se ha vuelto a recuperar nunca. Ha perdido muchos proyectos e iniciativas. La Cidade da Cultura sigue vacía, la Xunta de Galicia hizo un festival escénico, Escenas do cambio, dirigido por Pablo Fidalgo al que acabaron echando. Este año llevaron a cabo la nueva edición pero ya no tiene nada de lo que tenía, lo venden igual pero no es lo mismo. Escénicamente en Santiago no hay nada.Desde hace decenios el cine documental o de no ficción viene demostrando su capacidad poética y de creación. Como es lógico, aunque el teatro documental tenga sus inicios en el teatro político de Piskator en el siglo XX, esto ha tardado en decantarse en las artes escénicas. Pero desde hace un lustro hemos visto como la creación española ha comenzado a trabajar desde estos presupuestos: Teatro del Barrio con montajes como Ruz-Barcenas o El Rey, Kamikaze con Jauría Humana o la gran trilogía sobre América Latina de Azcona & Toloza, Trilogía Pacifico, son algunos ejemplos. Ahora en cartel también está Atocha, el revés de la luz en el Teatro del Barrio, obra que versa sobre los asesinatos de los abogados de Atocha de 1977. Chévere también está en estas lides, ¿Por qué? ¿Cómo es su acercamiento al teatro documental?La película que me cambió bastante la visión que tenía sobre lo que era cine documental fue En construcción de José Luis Guerín (2001). Me llegó con mucha más fuerza que todo lo que estaba viendo de ficción. Citizen (2010) fue nuestro primer acercamiento al teatro documental. Fue una manera de poder seguir contando algo desde un escenario, nos veíamos agotados por lo que veíamos en el teatro y por lo que nosotros estábamos haciendo. La parte documental nos refrescó y nos dio pistas para poder seguir. Y seguimos con ese procedimiento pero tomándonos cada vez más libertades y dándonos cada vez más igual que se perciba como documental.¿Podrías explicarlo?Gran parte de lo que se dice y se escucha en la obra son testimonios reales, pero lo que hemos intentado es no utilizar el documento real, esa es la parte que nos ha dejado de interesar. Por ejemplo, nosotros tenemos las cintas con las grabaciones de la torre de control de Fisterra, tenemos videos de los helicópteros donde se registran parte de esas conversaciones, pero aun siendo un material interesante para llevar a escena nos interesaba darle la vuelta y convertir ese documento en materia más puramente teatral. Son los actores, con pequeños megáfonos y con objetos los que reproducen el sonido, quienes lo realizan. Recrear el documento real para que tenga una entidad teatral. Y, además, hacerlo es escena, que se vea cómo está hecho.En la primera parte del espectáculo, donde se reproducen testimonios de gente del lugar recordando el Prestige, trabajan en vez de con verbatim (técnica por la cual el actor reproduce el testimonio que está escuchando a través de unos cascos) con un acercamiento del actor a la persona que testimonia…Sí, a cada actor se le dieron una serie de audios de entrevistas de una persona que no conocía. Se les pedía, a parte de aprenderse el testimonio, que imaginaran qué tipo de persona era y que por la información sonora se imaginasen dónde estaba, para así nosotros reproducir el sonido de fondo de la entrevista en escena. Lo importante era que el actor estableciera una relación con el personaje real, y mostrar esa aproximación en escena.Y en la segunda parte, como si fuera el documental Wisky Romeo Zulu (un clásico del cine documental latinoamericano que narra el accidente en 1999 de un avión que no llegó a despegar de la Ciudad de Buenos Aires y acabó estrellándose en una de las calles de la ciudad), se escenifica con toda la verosimilitud las comunicaciones entre el Prestige, el remolcador y la torre de control de Fisterra. ¿Puro documental?Bueno está muy resumido, pero sí, es literal. Conseguimos las transcripciones del juicio, todas las que no teníamos en audio las teníamos por escrito. Incluso la entrevista que recreamos con Fernández de Mesa diciendo eso de "probablemente el fuel no toque la costa gallega" está transcrita, tan solo recreamos los que no se oye que le apuntan por lo bajo. E intentamos reproducir todo eso en escena, y para darle verosimilitud a las conversaciones entre los barcos y la torre de control recreamos los sonidos a través de megáfonos para las voces, con globos para el sonido de helicópteros, etc.¿Teméis que os acusen de panfletarios por ese final con todo el espacio que ocupan las pancartas de "Nunca Mais"?La decisión es consciente, creíamos que era necesario. Encaja dentro del procedimiento que hemos seguido en todo el montaje. Trasladamos testimonios en escena, trasladamos las comunicaciones entre el barco y las autoridades portuarias, y así también trasladamos toda unas serie de pancartas que hemos ido recogiendo a través de fotos. Durante días las estuvimos recreando a partir de las fotos. Casi todas son de la gente, espontáneas, hay alguna asociación, pero nunca ni partidos ni sindicatos. Queremos contar eso, que hubo un pueblo que se enfrentó a todo aquello, sino de manera unánime si unido. Nos identificamos con esa creación popular de la gente que llenó plazas y playas y que la noche antes estaban en su casa dibujando la pancarta. Y la canción que se canta en la obra en Madrid no tiene el mismo sentido que en Galicia. En la primera manifestación que hubo en Santiago, la conocida manifestación de los paraguas, que desbordó la ciudad, después de que Manolo Rivas leyera el comunicado, Uxia Senlle, que es una cantante de música tradicional muy conocida de allá, cogió un micrófono y cantó Alalá das Mariñas. El silencio era tremendo. Fue un momento que marcó a las más de doscientas mil personas que allí estaban. Esa es la canción que se canta. Y, claro, en Galicia cuando se oiga eso va a tener una carga emocional distinta. Ya nos ha llegado algún gallego que ha visto la función en el María Guerrero contándonos que se le venía el mundo abajo cuando escuchó y recordó.
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'Benedetta': las esposas de Dios no creen en el falocentrismo
Corren tiempos en los que sacar una vagina en procesión y disfrazarse de Virgen María en la portada de un disco es tachado de herejía por la derecha ultracatólica. Por eso mismo es un milagro divino que Paul Verhoeven estrene Benedetta. El director holandés de 83 años ha presentado la película en la sección de Perlas de San Sebastián después de haber competido en Cannes. No le ha dado tiempo ni a llegar a las salas para que Rusia ya la haya censurado por "provocativa". Y seguro que no es la última condena que recibe este nunsplotation.Benedetta es una monja del siglo XVII que de niña fue entregada por sus padres al convento de las teatininas en la Toscana, también llamadas Esposas de Dios. La cría es una creyente devota y asegura ser capaz de hacer milagros y de hablar con Jesús. Es mucho menos entusiasta, en cambio, con los votos de castidad, pobreza y obediencia. La llegada de la bellísima Bartolomea al convento, una campesina que huye de los abusos sexuales y el maltrato de su padre, pondrá en jaque sobre todo la primera de sus ofrendas a Dios. En ese momento ambas inician una relación lésbica y protagonizan unas escenas de sexo que rozan la iconoclastia.Verhoeven no ha inventado nada. La historia de Sor Benedetta llamó la atención hace 40 años de la historiadora Judith C. Brown, que la plasmó en el libro Actos impuros. La Iglesia tuvo conocimiento en 1623 de la relación de la monja y Bartolomea, y redactó un informe con todo tipo de detalles después de torturar a la última con instrumentos de la Inquisición. Poco antes, Benedetta había sido elegida abadesa por manifestar visiones y presentar heridas –estigmas– en las manos, pies y cabeza, lo que los jefes eclesiásticos interpretaron como un símbolo de divinidad. Pero en el informe, el veredicto sobre los actos sexuales de ambas pervierte todo lo demás.Brown reprodujo algunos de las líneas escritas hace cuatro siglos: "Sor Benedetta, para obtener mayor placer, ponía su cara entre los pechos de la otra y los besaba, y siempre quería estar así sobre ella", "Actuando como si fuera un hombre, se movía encima de la subordinada con tal intensidad que ambas quedaban corrompidas", "Habría puesto el dedo de su compañera en los genitales propios y manteniéndolo allí, se excitaba tanto que se corrompía".En la película, Benedetta es representada por Virginie Efira. La actriz belga transita entre la locura, la comedia y el drama con una facilidad demencial. Efira defiende que Verhoeven "es un director muy feminista" y que no podía haber sido de otra forma para narrar esta historia. El director explora con humor y crítica la doble moral que existía y aún existe respecto a la sexualidad de los hombres y mujeres en la Iglesia. Que ellos se entregan al "pecado carnal" es evidente. Pero en este caso lo único que importa es el placer femenino, que se presenta salvaje y orgásmico entre las silenciosas paredes del convento.Efira cuenta desde San Sebastián que el rodaje de las escenas sexuales fue divertido y para nada incómodo. "Él tiene una cultura muy americana, es precavido, y le extrañaba ver que nosotras estábamos dispuestas a hacer cosas que él no nos pedía y que no nos molestaba. Nos dejaba dar nuestras ideas y propuestas. Hay pocos cineastas que sepan descodificar la sexualidad de esta manera tan simbólica", explica la actriz. El libro Actos impuros abordaba el lesbianismo en el seno de las comunidades de monjas de la Edad Media. La mayor parte de las jóvenes entregadas a la Iglesia procedían de familias ricas que podían "pagar" su ingreso al convento. Pero la vocación religiosa tenía poco que ver en ello. En ese encierro las religiosas percibían la tensión sexual como la tentación de la serpiente, pero mucho peor (al menos Adán y Eva eran hombre y mujer). Lo que ellas hacían o pensaban hacia otras compañeras era por embrujo del mismo demonio. O eso les hacían creer los oficiales eclesiásticos que las condenaban a la hogares.Verhoeven representa con sumo cuidado el placer lésbico entre mujeres a las que solo se les permite adorar a Dios y a Jesús. En un momento, Benedetta sueña que Jesús le pide que se desnude y que se acerque a él, pero lo que esconde debajo del paño no es un pene, sino una vagina. En otro momento, Bartolomea le ofrece un curioso obsequio a la monja: una figurilla de madera de la virgen con forma de consolador. El objeto de las plegarias se transforma así en el elemento de placer."Me encanta cómo aborda Paul el tema de la sexualidad femenina. Nunca lo hace desde la mirada del hombre porque desde Instinto básico sus personajes ejercen autoridad y demuestran cerebro mediante el uso y el disfrute de sus cuerpos", concede la actriz. Sí que reconoce que Verhoeven no se define como "feminista", pero que ella percibe así su cine "desde antes del me too". "Lo más curioso es que me han acusado de ser feminista", dijo de hecho el director durante la promoción de Elle, en 2016.Dentro del subgénero del nunsplotation, la película del director de Elle es efectiva gracias a su representación paródica de la Iglesia. Sobre todo de los hombres. En cambio, cuando la cámara mira de puertas para adentro y se centra en la relación de las monjas el tono se vuelve sobrio. Verhoeven solo explora su sexualidad, sino también las relaciones de envidia, compañerismo, crueldad y avaricia que se dan en cualquier sociedad. Por otro lado, deja claro que son víctimas del sistema más represivo que ha existido contra la mujer, que son las instituciones eclesiásticas.Más allá de su clara intencionalidad sexual, Benedetta es un órdago contra la institución de la Iglesia, que no contra la fe. Mientras que los representantes eclesiásticos se muestran avariciosos, mentirosos y crueles, la devoción de la protagonista y sus creencias nunca son puestas en duda. Ella reza con frenesí y, aunque con teatralidad, sus creencias son mucho más apasionadas que las de sus compañeras de convento. "No hay una crítica a la religión, sino a la instrumentalización de la fe para reglamentar la sociedad y para que el patriarcado continúe", resume Efira. Y la prueba más clara es que la película ya ha sido censurada en un país como Rusia. "Todos sabemos que no empezó ayer su problema con la homosexualidad", dice la actriz, que se considera a sí misma como creyente de "una fuerza superior". "Lo de quienes censuran no es fe, es dogma".
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Adrià, un legado de libertad con elBulli y un futuro con acento femenino
San Sebastián, 20 sep (EFE).- Hace diez años que cerró elBulli, con el que implantó la libertad de que cada chef hiciera "lo que le diera la gana", está a punto de culminar el ciclo dedicado a la investigación e innovación y Ferran Adrià reconoce que necesita nuevos retos, como ayudar a una cocinera a cumplir su sueño."Me gustaría buscar a una mujer que quiera montar un restaurante y que yo la ayudara, un poquito como en 'Ratatouille'", dice Adrià con humor en referencia a la conocida película de animación.No sería su restaurante, sino el de ella, que tendría que decidir qué tipo de establecimiento. "Aún soy joven, tengo que ponerme retos", asegura el cocinero que bromea con la cantidad de chicas que le ofrecerán ideas cuando su intención se vaya conociendo.Es solo uno de sus proyectos una vez que se cierre el ciclo actual, otro de esos retos que le mantienen activo, y que se denomina elbulli1846.Y enumera: "El centro expositivo (ubicado donde estaba el restaurante, en Cala Montjoi) estará acabado en 2023 y el año que viene abriremos por invitación; la Bullipedia en 2023 tendrá 30 libros que son tesis doctorales, y habrá 4-5 libros sobre innovación"."Habremos acabado un ciclo que se habrá hecho más largo de lo que esperábamos", dice, y buscará otro "berenjenal" como este para meterse, porque necesita riesgos, retos y pasión, al nivel de cuando creaban vanguardia culinaria en elBulli.Relajado, sonriente y cercano, Adrià habla con EFE horas antes de presentar en el Festival de San Sebastián el documental "Las huellas de elBulli", que abre la sección Culinary del certamen donostiarra y que se estrenará en Movistar+ el 10 de octubre.Por el documental pasan Andoni Luis Aduriz, Juan Mari Arzak, René Redzepi o José Andrés. Todos aceptaron de inmediato participar en el documental, porque si es por Adrià, lo que sea, reconocen a EFE José Larraza e Iñigo Ruiz, los directores.Muestran tanta admiración por el chef catalán como todos sus compañeros y reconocen que les asombró descubrir hasta qué punto ha influido elBulli en los platos que usan muchos restaurantes.Pero Adrià insiste en que lo más importante del legado de elBulli es la libertad, que transmitió a todos los que se formaron en el restaurante.El personal se renovaba en un 80 por ciento cada seis meses, aprovechando el cierre anual, lo que hizo que pasaran por allí 2.500 cocineros, que son ahora el 80 por ciento de los nombres más influyentes de la cocina occidental. "Son hijos de elBulli, como yo, yo soy uno más, el más importante pero uno más", afirma Adrià.Eso se ve en el documental, en el que Adrià enseña a los jóvenes cocineros y cocineras que participan en su proyecto de innovación, y lo hace desde la libertad más absoluta para que creen."Fuimos pioneros y no fuimos conscientes seguramente de la importancia que iba a tener después", reconoce el cocinero, que marca los puntos de inflexión de su trayectoria en el curso de Cocina y Ciencia que hicieron con la Universidad de Harvard (EE.UU.) y que luego todo el mundo imitó, y en la mítica portada de 2003 de The New York Times Magazine.Pero en ese momento era difícil darse cuenta. Por eso este documental, con 10 años de perspectiva del cierre de elBulli, permite ver esa influencia en el largo plazo."Nosotros lo que hacemos es desmonopolizar esto y decir, señores, señoras, piensen, reflexionen y hagan lo que les dé la gana. Esto que parece muy sencillo, este grado de libertad, este canto a la libertad, llega a México, a Perú, a Venezuela, a Argentina, a Estados Unidos, Noruega, Portugal..., a países donde había una cocina tradicional del país y el arte culinario francés, como en España".Desde elBulli cambió el paradigma de la gastronomía y lo afirma sin falsa modestia. Todo aquello ha permitido mejorar la cocina y que se desarrolle toda una generación que no hubiera existido. Y hasta Masterchef, asegura.De aquella etapa saltó a su proyecto de centro expositivo y a la Bulli Foundation, que tiene como objetivos conservar el legado de elBulli, crear contenido de calidad para la profesión a través de la Bullipedia, y compartir experiencia en innovación, administración y gestión.Pero en lo que más pone hincapié es en la mejora de la calidad de la cocina. "Nunca se ha comido tan bien en España y esto lo discuto con cualquiera", afirma vehemente, antes de señalar que por ahora no se necesita una nueva revolución gastronómica y que se está ante la mejor generación de cocineros y cocineras que haya existido.Y aunque dice rotundo que "la pandemia ha sido una hostia de las gordas para todos", cree que la recuperación está en marcha. Además ha servido para enseñar que desde lo bares más sencillos hasta los restaurantes de más alto nivel, son los lugares "imprescindibles para socializar y eso es brutal"."La red social más importante del mundo no es Facebook, es la comida", y hay que dejar de lado el debate sobre lo creativo y lo tradicional, porque lo que importa es la calidad.Aunque eso sí, la vanguardia, como la de elBulli, es otra cosa. Y ahí llegan 7, 8, como máximo 10 restaurantes en el mundo. "Creativos son todos pero la vanguardia son los que abren camino en el ejército y normalmente los matan a todos".Por Alicia García de Francisco
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Grigore aborda en "Blue Moon" los efectos psicológicos de un entorno violento
San Sebastián, 20 sep (EFE).- La actriz rumana Alina Grigore ha debutado en el largometraje con "Blue Moon", una película muy pegada a la realidad de algunas comunidades de su país en la que sigue la evolución psicológica de una joven que sueña con escapar de un entorno violento y machista.Grigore compite con este filme por la Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián. En la presentación de este lunes la han acompañado, entre otros, los actores Ioana Chitu, Mircea Postelnicu y Vlad Ivanov, este último miembro del jurado oficial en la edición del Zinemaldia de 2014.Irina (Chitu) es la protagonista de la película, una chica de 22 años, la más pequeña de una familia disfuncional en la que, en ausencia del padre y con una madre enferma, tíos y primos ejercen una tutela de la que se sirven para oponerse al mayor deseo de la joven: ir a estudiar a Bucarest.La agresividad y el caos convergen en las relaciones de la familia, para la que Grigore, autora también del guion, se ha inspirado en la realidad del pueblo donde creció, donde habló con varias jóvenes. Lo que le contó una de ellas le atrajo y, aunque no era suficiente para montar la historia, sí lo utilizó como "línea emocional".La actriz y realizadora, nacida en 1984, ha comentado que de las chicas que abandonaron su comunidad en su época ella fue la única que lo hizo para cursar estudios superiores. "La situación sigue igual, las chicas se ven forzadas a salir fuera y hay una manipulación por la que se ven obligadas a casarse, salir al extranjero para trabajar y tener hijos", lamenta.Grigore desarrolló minuciosamente el guion con los actores hasta que cada uno llegó a entender el "propósito" de su personaje, una forma "concienzuda" de trabajar que han corroborado hoy los tres intérpretes.Ensayaron mucho y tanto a Ioana Chitu y Mircea Postelnicu les ayudó preparar a los protagonistas en un entorno rural igual al de la película. "Allí entendí el ritmo de las personas, vivir allí te aporta una cierta manera de moverte y hacer las cosas", ha manifestado el actor.En la Grigore realizadora han tenido "una influencia enorme" dos directores con los que ha trabajado como intérprete, uno es Cristi Puiu y el otro Adrian Sitaru, quien ya le había dicho alguna vez que debía intentar dirigir y quien le empujó a que llevara adelante su "obsesión" por seguir "el viaje psicológico del personaje principal".Y también han sido determinantes en su formación cinematográfica movimientos como el de la Nouvelle Vague y directores como el alemán Werner Herzog, cuya manera de trabajar le ha "obsesionado"."Y me gusta lo que está sucediendo en este momento, con cineastas que están combinando con valentía historias muy realistas con una expresión estética muy diferente", ha destacado la actriz, guionista y directora, que ha puesto como ejemplo el filme "Langosta", del griego Yorgos Lanthimos.
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"Minecraft", para Switch, el videojuego más vendido de agosto en España
Madrid, 20 sep (EFE).- El videojuego "Minecraft" para Nintendo Switch Edition ha sido el más vendido de agosto en España, según la lista publicada este lunes por la Asociación Española de Videojuegos (AEVI) de acuerdo con los datos de Games Sales Data, el panel de referencia a nivel europeo en el mercado de videojuegos."Grand Theft Auto V" para PS4, "Animal Crossing: New Horizons", "Ring Fit Adventure" y Super Mario 3D World + Bowser's Fury", los tres para Switch, completan la lista de los cinco juegos más exitosos del pasado mes.En PlayStation 5 (PS5), "Ghost of Tsushima: Director's Cut" ha sido el título más vendido del mes pasado para esta videoconsola de última generación de Sony, seguido de "Spider-Man: Miles Morales", "Hades", "Ratchet & Clank: Rift Apart" y "Destruction Allstars".En PS4, "Grand Theft Auto V" sigue imparable por delante de "F1 2021", "Minecraft", "God of War", "Gran Turismo Sport" y "NBA 2K21".En su antecesora, la PS3, los mayores éxitos de ventas de agosto han sido, por este orden, "Nier", "Drakengard 3", "MotoGP 10/11", "Sonic Generations" y "Silent Hill HD Collection".En XBOX Series, "Hades" se ha instalado en el número uno de los más vendidos en España para esta plataforma de última generación de Microsoft, seguido de "Assassin's Creed Valhalla", "Aliens: Fireteam Elite", "F1 2021" y "Nier Replicant"En XBOX One han sido "Grand Theft Auto V", "NHL 20", "Marvel's Avengers", "Mass Effect Legendary Edition" y "Red Dead Redemption 2", mientras que en XBOX 360 el top 5 lo conforman "SBK-09: Superbike World Championship", "Sonic Mega Drive Ultimate Collection", "Sonic Unleashed", "Rayman Legends" y "Mindjack".En Nintendo Switch los mayores éxitos de ventas han sido "Minecraft: Nintendo Switch Edition", "Animal Crossing: New Horizons", "Ring Fit Adventure" y "Super Mario 3D World + Bowser's Fury", al tiempo que para Nintendo 3DS los más vendidos de agosto han sido "Animal Crossing: New Leaf-Welcome Amiibo", "The Legend of Zelda: A Link Between Worlds y Ocarina of TIme 3D".Finalmente, en la lista de videojuegos más demandados para PC están "The Sims", "Call of Duty (Black Ops III, II y I)" y "F1 2021".
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Los jóvenes de Piccolo America cumplen el "sueño" de abrir su cine, el Troisi
Roma, 20 sep (EFE).- Los jóvenes del colectivo Piccolo America, que salvó el emblemático Cine América de Roma y que lleva cada verano el cine a las calles romanas, inauguraron hoy su propia sala, el Cine Troisi, cumpliendo "el sueño de restituir a la ciudad esta sala abandonada desde hace 8 años", dijo a Efe el líder del grupo, Valerio Carocci.Esta asociación, formada por jóvenes de entre 18 y 30 años y que nació hace 10 años para evitar el cierre del Cine América, presentó este lunes su propio cine con la proyección, por primera vez en Italia, de la película ganadora de la Palma de Oro en Cannes, "Titane", de la directora Julia Ducournau, presente en el acto."Es importante pensar en el Troisi no como una sala, sino como el Cinema Troisi, porque también tendrá una aula de estudio. Hemos repensado a nivel urbano la sala de cine dentro de la ciudad, dándole funciones complementarias a la proyección de películas", explicó Carocci.El Troisi era un cine abandonado en el barrio de Trastévere que los jóvenes de Piccolo America han vuelto a poner en marcha con el trabajo de las arquitectas Raffaella Moscaggiuri y Claudia Tombini, con el apoyo de instituciones públicas y privadas e incluso de "sus propias familias, que han puesto sus casas de garantía para el crédito"."Abrir hoy un cine es un acto de locura, es un acto no solo de valentía, sino también un poco fuera de toda lógica, pero lo hemos hecho", aseguró Carocci orgulloso.El líder del grupo quiere que "este espacio sea un lugar al que se avecinen los jóvenes", no solo en las proyecciones, "sino también para estar juntos, en un espacio cultural de 360 grados"."Hemos abierto el cine no solo por ser cinéfilos, sino para hacer algo bueno para la ciudad", reivindicó.Piccolo America abrirá mañana las puertas del Troisi al público general, pero eligió presentarse a la prensa este lunes, cuando se cumplen diez años de la fundación de la asociación, con la película "Titane" y con la presencia de su directora Julia Ducournau, algo de lo que la asociación se siente "orgullosísima".La cineasta gala se dirigió en italiano a los jóvenes de Piccolo America en la inauguración y expresó su "admiración grande y profunda a todo el equipo" por su "increíble historia" y se mostró "impresionada por su fuerza", además de agradecerles "su lucha y valentía" por un proyecto así.Además de la sala cinematográfica, el Troisi cuenta con un aula de estudio que estará abierta todos los días del año durante 24 horas, la primera de estas características en Italia, según Carocci.Las butacas de la sala son de color granate, como las icónicas camisetas que durante todos estos años han utilizado los chicos de Piccolo America para identificarse, una "manera elegante" de dejar algo de su historia dentro del nuevo cine.La asociación Piccolo America, que ha contado con el apoyo de grandes cineastas como Bernardo Bertolucci o Ettore Scola, pero también las críticas de la Asociación Nacional de la Industria Cinematográfica (ANICA) , celebró este lunes "un día de fiesta" porque por fin tiene su propia sala en funcionamiento.
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Fetén Fetén: Hay "cierto oportunismo" en el "boom" de la música tradicional
Madrid, 20 sep (EFE).- Para Fetén Fetén, dúo de gran predicamento en la música tradicional en España, "están pasando cosas buenas" en el ámbito del folk, "como Guitarricadelante", uno de los muchos invitados de su ambicioso nuevo disco junto a Bunbury, Rozalén o Coque Malla, aunque en ese "boom" advierten a la vez de "cierto oportunismo"."Guitarricadelafuente es de lo mejor que le ha pasado a España en los últimos años, porque logra que la Generación Zeta oiga canciones de Labordeta, pero hay veces en que esta música se está mezclando con otras cosas de una manera que no es correcta. Hasta para desectructurar una tortilla hay que tener huevos y aquí, como en el flamenco, hay claves que hay que conocer", señala a Efe Diego Galaz, miembro de la formación burgalesa junto a Jorge Arribas.La suya es una opinión acreditada por más de una década de trabajo para evitar la extinción del acervo musical del país, con cuatro discos en el mercado, a destacar "Cantables" (2016), en el que por primera vez añadieron letras y voces a sus composiciones de la mano de artistas como Julieta Venegas, Natalia Lafourcade o Jorge Drexler, logrando 12 millones de reproducciones en Spotify.Ahora, "recuperada la ilusión" de aquel proyecto que tenía algo de "adrenalínico" en la búsqueda de colaboradores muy conocidos, y tras el impás del álbum instrumental "Melodías de ultramar" (2018), acaban de lanzar "Cantables II", una apuesta redoblada en la que han conseguido reunir las voces de Fito y Fitipaldis, El Kanka, Luisa Sobral, DePedro o La M.O.D.A. hasta sumar 16 colaboraciones."Hemos crecido mucho desde 'Cantables', cuando igual pecamos de inseguridad y hubo cosas que dejamos de hacer porque se nos quedaban grandes. Además, estuvimos en manos de una multinacional y nuestro disco coincidió con otros, por lo que no tuvo mucha repercusión. Pero sobre todo tenemos más madurez musical y hemos abierto el melón de otros colores", considera uno de sus autores.De la mano otra vez del productor y letrista Sebastian Schon, en este trabajo se conjugan ranchera, vals, chacarera, bolero, son, milonga, salsa e incluso fado para atravesar la tradición de México, Argentina, Venezuela o España, pero también la de Francia y Portugal, poniendo en evidencia una identidad cultural felizmente contaminada y compartida."Es la clave de lo que hacemos, porque la música tradicional es toda de ida y vuelta. Es imposible entender la música en España sin la latinoamericana y viceversa, igual que sin lo que llegó por el Camino de Santiago, como el acordeón, que nos hizo bailar agarrados", subraya Galaz.El acordeón vuelve a ser, de hecho, uno de sus dos instrumentos principales junto con el violín, pero además suenan otros como la zanfona, la mandola o, directamente desde Bulgaria, el kaval, amén de esos menos convencionales como el serrucho, el bote de lata de pimentón, que se toca en Extremadura, la botella de anís o el pandero cuadrado de Peñaparda (Salamanca).Cuentan que algunos de los géneros del disco llegaron inspirados por sus autores, como Fito Cabrales, que lo dio hecho al inventar durante una comida el término "Borranchera" (como se llama la canción que interpreta), o como Bunbury, uno de los nombres que más respeto les daba convocar y que añadió a la sonoridad del banjo y cierto toque "Tom Waits" al repertorio.El líder de los Fitipaldis, con los que compartieron gira, es de los pocos que repiten respecto al primer "Cantables", además de Rozalén ("Nuestra hermana pequeña", dicen de ella) y el argentino Kevin Johansen ("Es inevitable que esté, porque convergen demasiadas cosas en común", cuenta)."Hubiéramos repetido con todos, como con Drexler o Lafourcade, pero había que abrir el abanico", argumenta Galaz, antes de citar otras figuras con las que les gustaría trabajar en el futuro, como Rodrigo Cuevas, Tanxugueiras o Vetusta Morla, con los que coloraboraron en directo en el último festival Sonorama. "A raíz de ese concierto me atrevo a decir que estarán en un 'Cantables III'", pronostica.El carácter transversal de su actual álbum es asimismo generacional, ya que además del citado Guitarricadelafuente, cuentan con el jovencísimo dúo francés Isaac & Nora o con la española Rita Payés. "No hay mejor noticia para la música tradicional que haya gente joven que la represente", celebra el dúo.Sería más bien "un sueño" verles sobre el escenario con "este plantel", reconocen sobre la complejidad de armar una gira así. Sea el que sea el formato, Fetén Fetén ya tienen cerrado un concierto el 16 de enero en Madrid dentro del ciclo Inverfest."Y seguiremos defendiendo la música instrumental, porque todo este proyecto no tendría sentido si no siguiéramos yendo a los pueblos a tocar pasodobles", apostillan.Por Javier Herrero.
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Zaragoza acoge el estreno nacional de la versión musical de "Romeo y Julieta"
Zaragoza, 20 sep (EFE).- El Teatro Principal de Zaragoza será escenario, el 30 de septiembre, del estreno en España de la versión musical del clásico de Shakespeare "Romeo y Julieta", que dirige Tomás Padilla con un espectacular vestuario fiel a la época del clásico.La obra "Romeo y Julieta, un amor inmortal" guarda fidelidad al clásico de Shakespeare, aunque con algunas "libertades" y con un lenguaje adaptado para facilitar la comprensión del público, como ha explicado Tomás Padilla durante la presentación del espectáculo.El director ha querido priorizar el teatro frente a la representación musical y ha indicado que esta obra podría ser la "mejor producción de teatro musical en España" este año en cuanto a la calidad.Los actores han querido dedicar mucho tiempo al trabajo exhaustivo de los textos para dotar a los personajes de las "luces y sombras" que los representan y su complejidad, ya que son conscientes de la responsabilidad que conlleva representar una obra clásica, ha explicado el actor Carlos Benito, quien encarnará a Romeo.El público "va a sufrir, va a emocionarse" además de llorar y reír, según han apuntado los actores y el director ha valorado como una ventaja el hecho de que se conozca el argumento de la obra porque va a permitir a la audiencia centrarse en cómo se cuenta la historia.La partitura, creada por César Belda, ha sido realizada de manera original para la producción y tiene un corte clásico, lírico, con tono agudo y coreografías efectistas.La música, que ha sido grabada con la orquesta sinfónica de Madrid, es compleja, está compuesta para cantantes líricos e incluye baladas.La escenografía, "muy potente", muestra "un fiel y absoluto reflejo de los decorados de Verona", ciudad italiana que visitaron tres veces para diseñar los decorados, según ha indicado Tomás Padilla.El vestuario cuenta con 250 piezas de ropa diseñadas con detalle para representar fielmente a la sociedad en la que vivió el autor del guion original tras una tarea de documentación.Además de Carlos J. Benito, completan el elenco Silvia Villaú, Paco Arrojo, Enrique del Portal, Santiago Cano, Carlos Solano, Angels Jiménez y Daniel Busquier, entre otros.Tras su estreno en México y con algunos cambios desde entonces, el espectáculo también pasará por Madrid, Barcelona, Bilbao, Valencia o Lorca, entre otras, durante su gira de 2021 y 2022.
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Sacristán: "Se lo han creído, qué suerte, más de 60 años sin dejar de jugar"
San Sebastián, 20 sep (EFE).- "Se lo han creído, qué suerte... más de sesenta años sin dejar de jugar". Con esas palabras ha recibido este lunes José Sacristán el Premio Nacional de Cinematografía 2021, que reconoce una larguísima trayectoria en el cine, el teatro y la televisión."Yo me ataba unas cuantas plumas de gallina a la cabeza y me plantaba desafiante delante de mi abuela: 'Virgen santa, un indio', gritaba, y yo pensaba: 'se lo ha creído'. Y cuando tuve noticia de la concesión de este premio volví a oír el grito de mi abuela. Se lo han creído", ha dicho el actor, provocando una sonrisa en el silencio reverencial que escuchaba su grave y modulada voz."Se lo han creído; se han creído que era el estudiante, el pregonero, el de los globos, el recluta, el emigrante, el abogado, el ingeniero, el médico, el asesino: se lo han creído, ¡qué suerte!. Más de sesenta años sin dejar de jugar".Humilde del primer al último segundo, José Sacristán ha pedido callar a los amigos, invitados, periodistas y cargos públicos que no podían dejar de aplaudir la concesión -"tardía", se ha repetido varias veces- del Premio Nacional de Cinematografía.El actor, nacido el 27 de septiembre de 1937 en el pueblo de Chinchón (Madrid), a punto de cumplir los 84 años, ha elegido este lunes para venir a recoger el premio que concede el Ministerio, en esta ocasión, por toda una trayectoria de vida dedicada a la Cultura para no tener que suspender, en Valencia, la función de teatro que lleva tres años representando, "Señora de rojo sobre fondo gris".Tras citar a Luis Landero ("No hay mayor seriedad que la del niño cuando juega"), Sacristán ha aseverado que ha llegado hasta aquí "con la más estricta seriedad (...) aprendiendo sobre la marcha, trabajando, estudiando, investigando, curioseando, mirando, con tanta certeza como inquietud y con tanto arrojo como suele ser habitual en el ánimo de los que nos dedicamos a esto".En medio de la solemnidad, el actor ha dicho que había dedicado gran parte de su carrera, no a desentrañar la complejidad de los personajes, sino al cómo puñetas podías llegar a fin de mes y pagar el alquiler"."Pero siempre -ha añadido-, con el propósito y la determinación de aquel o aquella que, al principio de los tiempos, allí en Altamira, un día le mostró a sus vecinos el mamut que acababa de pintar en la pared de la cueva: que se lo crean, que se emocionen, que se diviertan, que se inquieten, que duden, que piensen, que sueñen".Y da lo mismo "pintar, escribir, fabular, representar, interpretar, contar, crear, vivir una ficción, una ilusión inventada". Lo que importa, ha dicho, es "dar a esa ilusión consistencia y firmeza".Sacristán ha concluido con una teatral cita: "Habría bastado con que lo imposible fuera, clama Calígula mientras pide la luna"."Cada vez que me subo a un escenario o me pongo delante de una cámara siento las plumas de la gallina atadas a mi cabeza, y siento el rebullir, el entusiasmo, el asombro que produce la profunda seriedad del juego, y entonces lo imposible es. Y tengo la luna. Yo, y los que se lo han creído, como mi abuela, como vosotros".Ha sido su compañera en la serie "Velvet", Aitana Sánchez-Gijón, quien ha reivindicado sus casi cien películas. "¿Cómo es posible que no tuviera ya este premio?", se ha preguntado.Tras recorrer su trayectoria de actor y "su compromiso dando la batalla y enarbolando la única bandera de la dignidad", la actriz ha asegurado que Sacristán es "el reflejo de nuestra historia, es historia viva de nuestro cine y nuestro teatro", y ha pedido que "tomen nota" de este premio los que conceden el de Teatro.Sánchez-Gijón ha recordado que Sacristán siempre sostuvo que dentro de él "hay una tonadillera", "y una madre superiora", ha agregado la amiga, celebrando su buen carácter y su alegría en los rodajes.Y se ha declarado en el curso de "parvulario a primero de José Sacristán"; parafraseándole a él, que siempre dice que está "en primero de Fernán Gómez".También ha destacado su compromiso ético y político, su lucha por los derechos de los actores en los peores años y su simbiosis con los problemas sociales.El ministro de Cultura, Manuel Iceta, le ha agradecido "en lo personal", ha dicho, su maravilloso trabajo en "Un hombre llamado Flor de otoño" (1978), una de las primeras películas en abordar el tema de la homosexualidad durante la Transición."Darle este premio es, de alguna manera, un acto reparador, que estaba pendiente", ha dicho Iceta, tras asegurar que se premia a "un cómico de casta (...) un hombre que revuelve el plano con cada aparición."Tu trayectoria y tu ética inquebrantable te han convertido en un espejo en el que nos reflejamos como sociedad", le ha dicho el ministro reconociendo que, aunque ha dado todos los tipos actorales, formó parte de los perdedores. Pero hoy está entre los ganadores "por su trayectoria, su experiencia, por su calidez, y su manera de ser y estar".Por Alicia G.Arribas
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Berlín destapa la "brutal" colonización alemana con dos nuevos museos
Berlín, 20 sep (EFE).- Berlín presentó este lunes sus colecciones estatales de etnología y arte asiático, gran iniciativa cultural de la era de la canciller Angela Merkel, no exenta de polémica por poner el foco sobre el pasado colonial de Alemania y replantear la controvertida devolución de objetos artísticos a sus países de origen.El nuevo complejo cultural Humboldt Forum alberga ya las colecciones de los museos de Etnología y Arte Asiático, aunque por el hincapié en que sus responsables hicieron al presentarlas a la prensa dos días antes de su inauguración oficial, podrían llevar incluso como subtítulo el de "museo del colonialismo" alemán.Hermann Parzinger, el presidente de la Fundación Patrimonio Cultural Prusiano, entidad a la que pertenecen los museos estatales berlineses de los que forman parte los que ahora se inauguran, hizo una solemne promesa al comentar el evento: existe una "disposición básica a la restitución".Sus palabras no son una novedad, puesto que, en lo que afecta a ese concepto, Berlín ya dio muestras hace pocos meses de que tiene intención de proceder a la devolución de piezas que se obtuvieron en aplicación de una clara estrategia de saqueo por parte de la Alemania del siglo XIX y principios del siglo XX.Y es que en abril se acordó un calendario para devolver a Nigeria desde 2022 los conocidos como "bronces de Benín", 400 de los cuales están en el Museo Etnológico berlinés, que fueron saqueados por las fuerzas británicas en 1897 y que acabaron en varias instituciones museísticas internacionales.Sin embargo las autoridades nigerianas exigieron el pasado julio una "devolución completa" y no "sustancial" -como se acordó previamente- de esos bronces, sin someterse a condición alguna la restitución de las piezas, lo que ilustra la controvertida connotación que ese concepto puede llegar a suponer para los nuevos museos berlineses.EXHIBICIÓN DEL "BRUTAL" COLONIALISMO ALEMÁN EN ÁFRICALas colecciones, especialmente las africanas, exhiben una selección de las piezas que atesoran sus almacenes con una descripción franca que habla en alguna de sus cartelas del "brutal" sometimiento que Alemania practicó en Camerún, Namibia y Togo.En otro lugar de la exposición se proclama: "El resultado del colonialismo alemán fue desastroso. Los colonizados perdieron su independencia y, a menudo, sus vidas (...) el legado del gobierno colonial afecta a Camerún hasta el día de hoy".A modo de juego educativo, un pupitre plantea mediante una hipotética historia interactiva a los futuros visitantes de menor edad una situación como la que pudieron afrontar los recién llegados a las colonias alemanas en África pero con la pregunta: "Tú, ¿qué hubieras hecho en su lugar?".EL ANÁLISIS DEL ORIGEN DE LAS PIEZAS, UNA TAREA SIN CERRARLos responsables de los museos aseguraron a los medios que se ha investigado la procedencia de todas las piezas que tienen en sus colecciones, aunque admitieron que el análisis de los orígenes de los objetos y las circunstancias en las que llegaron a propiedad alemana no se puede cerrar porque siempre pueden surgir nuevas informaciones.Andrea Scholz, responsable de cooperación transcultural del Foro Humboldt, reconoció a Efe que esta institución "es un proyecto complicado porque tiene mucha influencia de la política, hay muchas personas que deciden, así que no es tan fácil".Consideró que la disposición declarada de los nuevos museos berlineses tiene detrás "esta idea de servir un poco como ejemplo para otros museos en áreas como en la que yo trabajo, las colaboraciones transculturales".¿Ese ejemplo está dirigido a que los responsables de otras instituciones, como el Museo Británico, miren la disposición a la restitución de casos tan emblemáticos como los mármoles del Partenón? En opinión personal de Scholz, "hay que tener un diálogo, no puede ser que se queden para siempre allí".La que será comisaria de las colecciones americanas, que se exhibirán en el Humboldt Forum desde 2022, aludió a la promesa de Parzinger de proceder como política básica de la casa a las devoluciones de objetos pero admitió que "hacen falta muchos pasos para que esto se haga realidad".La gran construcción que alberga los museos ha ido abriéndose al público también paso a paso, como consecuencia de las restricciones por la pandemia, acompañada de la polémica por la opción elegida para el continente: una reproducción en pleno siglo XXI de un palacio imperial del siglo XIX.El coste de la empresa no ha sido menor, pues son unos 650 millones de euros (alrededor de 760 millones de dólares) los que de momento ha engullido la construcción del edificio que obligó a la demolición de uno de los símbolos de la extinta República Demócrática Alemana, el Palacio de la República.A esa polémica decisión -lamentada por quienes alabaron las virtudes de aquel edificio, emblema de parte de la reciente historia alemana- se agregó la controversia por la mirada crítica con que el Humboldt Forum pone sobre un período oscuro del país justo cuando concluyen, con incertidumbre sobre lo que vendrá, 16 años de Gobierno de Merkel.Por Javier Alonso
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El barroco andaluz toma la palabra en el Museo del Prado
Madrid 20 sep (EFE).- ¿Pueden una serie de cuadros contar una historia como si se tratara de una novela por entregas? Puede, y ese era el caso de las series narrativas en el barroco andaluz. El Museo del Prado muestra tres de ellas, de Murillo, Antonio del Castillo y Valdés de Leal, que son “como novelas organizadas por capítulos”.Con esta metáfora explica el comisario de la muestra, Javier Portus, el eje vertebral de la exposición “El Hijo pródigo de Murillo y el arte de narrar en el Barroco andaluz” que abre hoy en el Museo del Prado hasta enero de 2022.UNA VISITA SOSEGADA“Son como novelas organizadas en cinco, seis o diez capítulos, con muchos grados de significación”, explica Portus sobre estas series de obras que se ubicaban en salones y oratorios, y que aconseja ver tras "dejar la ansiedad en la puerta” y pasear manera “sosegada”.La serie de Murillo, propiedad de la National Gallery de Irlanda y que fue restaurado recientemente con el asesoramiento del Museo del Prado, es la estrella de la exposición.En ella, el pintor andaluz -uno de los artistas del momento- despliega todo su registro para contar la historia de un hijo segundón que, tras arruinarse, vuelve al seno familiar y consigue el perdón.En los seis cuadros que lo integran se puede apreciar el “dominio de los gestos”, la magnífica puesta en escena y los numerosos detalles, típicos del universo de Murillo. La serie, advierte Portus, “ha llegado milagrosamente” a nuestros días “sin dispersarse”.Para acompañar la puesta de largo de la serie en el museo madrileño se han escogido otros dos ejemplos de la misma época, de otros dos relevantes pintores del barroco andaluz: Antonio del Castillo con “La historia de José en Egipto”; y otra de Valdés de Leal, dedicada a la vida de San Ambrosio.EL CASO ANDALUZContar historias a través de un conjunto de imágenes es algo bastante común en la historia del arte -desde el Románico, hasta los retablos de iglesias- pero la particularidad del panorama artístico andaluz del siglo XVII es destacable.“Lo que singulariza el caso andaluz respecto a otras tradiciones -argumenta Portus- es la frecuencia con que este tipo de obras aparecen en colecciones particulares y además están hechas por artistas locales”.El museo ha tratado de montar las series con el mismo “orden, claridad y secuencia” con que se hubiera mostrado en las casas particulares de los coleccionistas que las encargaban, y que dan cuenta de lo "sofisticado" del público andaluz de la época.Las series estaban pensadas para zonas principales de la casa, con lo que no es difícil imaginar al propietario de una casa enseñándolo y “comentando coralmente la historia”.La serie de Antonio del Castillo, “un gran dibujante y paisajista”, tiene un fuerte elemento narrativo. Está integrado por seis cuadros, en los el artista suele enfrenar al individuo con la masa. “Crea una adicción muy clara, que ayuda a seguir la historia”, señala Portus.La de Juan Valdés, sobre la vida de San Ambrosio, está integrada por siete obras, aunque solo se muestran cinco, y es “más difícil” que sus dos colegas, pero entre las tres hay muchas similitudes.“Son tres estilos pictóricos, tres maneras de narrar muy personales”, señala Portus.INVESTIGACIÓNLa muestra forma parte de una investigación realizada por el museo y liderada por Portus, que también es jefe de conservación de pintura española hasta 1800 de la pinacoteca.El enfoque ha sido bastante atípico, en vez de centrarse en el estilo o la técnica, el objetivo era arrojar luz sobre los espacios de sociabilidad y las costumbres de la época, como la gastronomía, o el diseño de interiores.“Es una exposición muy querida, uno de esos proyectos que solo el Prado puede hacer”, ha señalado Andrés Úbeda, director adjunto de conservación e investigación de la pinacoteca.
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La OMT niega un posible traslado de su sede en Madrid: Son rumores que salen en prensa
Barcelona, 20 sep (EFE).- El secretario general de la Organización Mundial del Turismo (OMT), Zurab Pololikashvili, ha asegurado este lunes que no tiene "ninguna noticia" a comunicar acerca de un hipotético traslado de esta organización de Madrid, donde tiene su sede, tras señalar que "son todo rumores que salen en prensa".En el marco de la presentación del primer Congreso Mundial de Turismo Deportivo, que tendrá lugar en Lloret de Mar (Barcelona) entre los días 25 y 26 de noviembre de este año, Pololikashvili ha salido así al paso de unas informaciones que apuntaban a que la OMT podría mudarse a Arabia Saudí ante el posible interés de este país por acoger este organismo.El pasado miércoles, el Gobierno ya garantizó que la OMT mantendrá su sede en Madrid y anunció que la futura sede en el Palacio de Congresos de la capital estará lista a partir de 2024, tras arrancar el proyecto a final del próximo año.
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Beatriz Giménez de Ory, Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil 2021
Madrid, 20 sep (EFE).- La profesora y escritora madrileña Beatriz Giménez de Ory ha sido galardonada hoy con el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil 2021, dotado con 20.000 euros, por su obra "'Un hilo me liga a vos. Mitos y poemas" por ser una "una obra singular" donde combina mitos clásicos con poemas.Según ha informado hoy Cultura, Giménez de Ory (Madrid, 1972) se ha alzado con este galardón por esta obra en la que también muestra la "posibilidad de que los protagonistas de los mismos sigan ofreciendo en la actualidad una imagen en la que reconocerse o en la que percibir el reflejo de quien se conoce".Asimismo, el jurado del galardón ha elegido la obra, publicada por SM, por ser un libro donde "resuena la tradición de la lírica clásica en la métrica y recursos retóricos de los poemas, de gran belleza"."Éstos -añade la valoración- crean un contrapunto con la narración por el que los jóvenes lectores serán capaces de reconocer a su vez en otras voces, o en otras artes, las referencias a los mitos que constituyen uno de los pilares de la cultura occidental. Este libro en el que se entreveran lírica y narración es una propuesta de alto vuelo y altísima calidad literaria".El galardón, concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte, distingue una obra de un autor o autora española, escrita en cualquiera de las lenguas oficiales del Estado y publicada en España en su primera edición durante el pasado año 2020. La dotación económica del premio es de 20.000 euros.Beatriz Giménez de Ory es Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad Autónoma de Madrid y desde 1998 ejerce como profesora de Lengua y Literatura de Enseñanza Secundaria en institutos públicos de Castilla La Mancha y Madrid.Aparte de algún trabajo como traductora, Giménez de Ory se inició en la escritura con relatos para adultos (obtuvo el XI Premio Internacional 'Círculo Cultural Faroni' de Relato Hiperbreve en 2003), aunque pronto cambió por la literatura infantil. Sus obras infantiles se caracterizan por estar escritas en verso.Ha logrado también el III Premio Internacional Ciudad de Orihuela de Poesía para Niños (2011) por "Los versos del libro tonto" y el IX Premio Luna de Aire que concede el CEPLI (Centro de Estudios de Promoción de la Lectura y Literatura Infantil) en 2012 por "Canciones de Garciniño".En 2014 logró el Premio Fundación Cuatrogatos, por "Bululú", un galardón que volvió a conseguir en 2017 por su obra infantil "Para ser pirata" (SM). Es coautora además del proyecto educativo "Un día en la ópera", ganador del Premio de Innovación Pedagógica de la Comunidad Autónoma de Madrid en 2006.El jurado de esta edición ha estado presidido por María José Gálvez Salvador, directora general del Libro y Fomento de la Lectura.
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Subastan seis pinturas creadas para el álbum "Kid A" de Radiohead
Londres, 20 sep (EFE).- La casa de subastas Christie´s se ha unido a Thom Yorke, vocalista de la banda británica Radiohead, para sacar a subasta seis pinturas creadas por el artista Stanley Donwood para la portada del álbum "Kid A" entre 1999 y 2001, informó en un comunicado.Las seis obras, junto con otros "dibujos, letras y arte digital", comisariadas por Donwood y Yorke se expondrán al público en las galerías de Christie´s en Londres entre el 9 y el 15 de octubre, mismas fechas en las que saldrán a subasta de forma virtual y global.Donwood conoció a Yorke en la Universidad de Exeter y aportó su vena artística al proyecto de Radiohead creando las portadas de sus álbumes desde 1996 con "The Bends".En concreto, las obras que se subastarán corresponden a su cuarto álbum de estudio: "Kid A", que salió a la venta en octubre del año 2000.Sobre el proceso de creación del concepto visual del álbum, Donwood comentó en el comunicado que una madrugada crearon muchos dibujos, pinturas y textos con Yorke para el disco, pero estaban tan cansados que no podían pensar con claridad."No supimos averiguar cuál era la correcta, así que llevamos todas abajo y las pegamos en los armarios y en la nevera de la cocina, esperando que a la mañana siguiente la portada y el título idóneo fuesen obvios. Y así fue, y lo llamamos Kid A", relata Donwood.La especialista en Arte Contemporáneo y de Posguerra de Christie´s, Victoria Gramm, aseguró que es el momento "adecuado" de Christie´s para asociarse con Yorke y Donwood: "Los visitantes de nuestras galerías tendrán la oportunidad de vislumbrar el mundo etéreo que encapsula los sonidos de Kid A".El precio estimado de venta de las pinturas ronda las 10.000 libras (11.668,05 euros / 13.658,35 dólares), según explicó Christie´s en un comunicado.
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J.G. Périot analiza el abandono de la clase obrera en "Regreso a Reims"
San Sebastián, 20 sep (EFE).- Jean-Gabriel Périot analiza el abandono de la clase obrera en Francia y la migración del voto de izquierda a la ultraderecha en "Regreso a Reims", una película que ha presentado en la sección Zabaltegi del Festival de San Sebastián.A caballo entre el documental, la ficción y el cine experimental, el filme se basa en la novela homónima del filósofo y historiador francés Didier Eribon, que combina autobiografía y ensayo en un ejercicio de reconciliación con su propio pasado.Périot comparte la experiencia del tránsito de clase con Eribon, de orígenes humildes y provincianos al mundo artístico e intelectual parisino, con 20 años de diferencia y con la distinción que el cineasta ve preciso hacer entre clase obrera y proletaria, de la que él procede."La clase obrera está ligada a cierto tipo de industria -la fábrica, la mina, la cantera- donde se desarrolla un fuerte espíritu de grupo, pero hay otro tipo de pequeños empleos, empobrecidos que prefiguran el proletariado actual y que están más aislados", ha señalado a Efe."Políticamente, uno de los errores de la izquierda ha sido dirigirse a los obreros y olvidar al resto", opina.La película, que debutó en la pasada Quincena de los Realizadores de Cannes, está construida a partir de material de archivo. Périot pone a dialogar el texto de Eribon, leído por la actriz Adèle Haenel ("Retrato de una mujer en llamas", 2019), con imágenes de archivo del movimiento obrero francés procedentes de los fondos del Partido Comunista y sindicatos, así como de la televisión y extractos de películas de ficción."La estrategia principal de montaje era encontrar archivo que no ilustrara el texto sino que lo reemplazara -para aligerarlo- y por otro lado dar con imágenes que compartieran el registro de lo que se cuenta pero a la vez se abriera a otros significados".La estructura consta de dos partes, la primera se centra en la historia más íntima y personal de Eribon y sirve para entender la segunda, dedicada al análisis político.Périot afirma que la llegada de los socialistas al poder supuso una "traición" y una "desvalorización" del movimiento obrero cuya consecuencia al cabo de los años fue el ascenso al poder del Frente Nacional."La única que habla ahora de lucha de clase, de libertad sindical, del pueblo, es Marine Le Pen, mientras que la izquierda no se reapropie de su lenguaje tradicional no podrá recuperar su electorado, porque los mensajes medioambientales no son suficientes, la gente necesita que hablen de la dificultad de encontrar empleo, de los salarios y la única que lo hace ahora es Le Pen", sostiene.Périot también ve necesario recuperar un sentimiento de pertenencia de grupo. "Las condiciones de trabajo han cambiado, ya prácticamente no existe ese lugar colectivo de encuentro, la gente está atomizada en pequeñas empresas o trabajos individuales".En ese sentido ve esperanzador el movimiento de los chalecos amarillos que se formó en Francia hace tres años. "Se han dado cuenta de que tienen más cosas en común que diferencias, gente con distintos oficios y formas de vida pero con la misma dificultad para llegar a fin de mes, el mismo miedo al futuro y la misma desvalorización"."Pero para que sea eficaz es necesario que tenga una traducción institucional, sin eso no habrá cambio", remata.Magdalena Tsanis
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Fran Perea y Pablo Piñeiro se unen en "Lo que te contaron del amor"
Madrid, 20 sep (EFE).- El cantante y actor Fran Perea y el artista Pablo Piñeiro se unen en "Lo que te contaron del amor", un espectáculo que mezcla música, poesía y dibujo en directo y con el que se abrirá la nueva temporada del Teatro Lara de Madrid.El próximo 3 de octubre se estrenará esta obra en la que Piñeiro aporta sus investigaciones en torno a las relaciones sentimentales, alguna de ellas recogidas en su libro "Lo positivo de fracasar en el amor" y el artista malagueño Fran Perea recupera sus temas musicales dedicados al amor con algunos de sus temas clásicos y nuevas aportaciones de sus últimos trabajos como "Canciones para salvarme" y "Viaja la palabra".En concreto, "Lo que te contaron del amor" se llevará a escena en el horario vermú, a las 13:00 horas", y los espectadores podrán disfrutar también de la prueba de sonido, charla y fotos con Piññiro y Perea antes del espectáculo.Pero Perea y Piñeiro no estarán solos sobre el escenario ya que les acompañará Marcus Carus, que dibuja en directo sobre las canciones; y también la cantautora Tyna Ros, encargada de la bienvenida como telonera del espectáculo, al que también se sumará la banda madrileña Merino y la cantautora Georgina.
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Festival de Cine Francés de Málaga estrena doce filmes y homenajea a Belmondo
Málaga, 20 sep (EFE).- El vigésimo séptimo Festival de Cine Francés de Málaga, que se celebrará del 15 al 22 de octubre, presentará en su sección oficial doce películas francófonas inéditas en España y dedicará su sección de homenaje al actor Jean-Paul Belmondo, recientemente desaparecido.Será una edición que, tras las limitaciones impuestas por la pandemia, se acercará a la estructura habitual del certamen, que tan solo ha debido eliminar las sesiones para escolares, aunque está trabajando para que se celebren la próxima primavera, ha informado este lunes en la presentación el director del Festival, Hédi Saïm.La sección oficial se inaugurará con el preestreno en España de la cinta canadiense "Aline", dirigida por Valérie Lamercier, una ficción inspirada en la vida de la cantante y actriz Céline Dion, con numerosas escenas rodadas en Málaga.También estará "lo mejor de la comedia francesa", según Saïm, con títulos como "Rose", una historia sobre el duelo familiar dirigida por Aurélie Saada, que asistirá a su presentación en Málaga.Otra de las invitadas al certamen es la actriz Catherine Frot, con numerosos premios a lo largo de su carrera y reconocida a nivel internacional, que acudirá para presentar su última película, "La fine Fleur".El Festival también viajará al pasado y a la historia de Francia con dos películas de época, "Eiffel", de Martin Bourboulon, sobre la construcción de la torre con dicho nombre, y "Délicieux", de Éric Besnard, sobre la creación del primer restaurante en el país vecino.En la sección oficial tendrá este año un especial protagonismo Bélgica, con tres películas, que serán "Un monde plus grand", dirigida por Fabienne Berthaud -otra de las directoras que asistirán al Festival- y protagonizada por la actriz Cécile de France; "Un monde", el debut de Laura Wandel sobre el acoso escolar, y "Les intranquilles", de Joachim Lafosse, una disección sobre cómo una enfermedad mental afecta a la relación de pareja y a la paternidad.El homenaje a Belmondo incluye la proyección de dos cintas en versión remasterizada, la mítica "Pierrot et le Fou", de Jean-Luc Godard, y "Le doulos", de Jean-Pierre Melleville.En la sección de cortometrajes estarán los mejores títulos francófonos de 2020 y 2021, como "Beautiful loser", de Maxime Roy; "L'Aventure Atomique", de Loïc Barché; "La nuit des sacs plastiques", de Gabriel Harel, o "Beauty Boys", de Florent Gouëlou, entre otros.La sección documental, titulada "Travesías", se centra en viajes de largo recorrido, no solo en términos de distancia física, e incluye "Makongo", un relato sobre la importancia de la educación en la República Democrática del Congo, y "143, Rue du Désert", una producción argelina muy premiada que contrasta la inmensidad del desierto y un bar restaurante en la carretera que lo cruza.Como actividad paralela al Festival, la sede de la Alianza Francesa en Málaga albergará desde el 13 de octubre la primera retrospectiva en España de Luc Roux, considerado el gran fotógrafo del cine francés, que en más de cuarenta años de carrera ha retratado a Catherine Deneuve, Gérard Depardieu, Belmondo, Marion Cotillard, Charlotte Gaingsbourg, Isabelle Huppert o Antonio Banderas.
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La UE sobre el Reglamento de Control de Pesca: No estamos para reglas imposibles
Vigo, 20 sep (EFE).- El comisario de Medio Ambiente, Océanos y Pesca de la UE, Virginijus Sinkevicius, se ha referido este lunes en Vigo a las quejas que desde Galicia llegan a Bruselas respecto al Reglamento de Control de Pesca, que la flota de bajura y el sector del marisqueo consideran inasumible, y ha manifestado que se trabaja para que sea todo lo contrario.“Las reglas son buenas si se aplican. Aquí no estamos para crear reglas que sean imposibles de aplicar”, ha dicho Sinkevicius durante una rueda de prensa conjunta con el ministro de Agricultura, Pesca y Alimentación, Luis Planas.Según el comisario, en el Parlamento Europeo se han escuchado los argumentos de los pescadores y las mariscadoras, y en la Comisión trabajarán “para adaptar la legislación a las especialidades del sector”.Eso no significa que se vaya a dar marcha atrás, ha aclarado: “Lo importante es que necesitamos datos y una declaración lo más precisa posible de las capturas”.Sinkevicius se ha reunido en Vigo con representantes del sector, a los que ha manifestado que sin datos precisos surgen los problemas para ayudarle, y ha puesto el ejemplo del colapso que se produjo durante la pandemia.“Apoyo el argumento de que ha de ser aplicable y será aplicable, pero por supuesto tenemos que mejorar la recopilación de datos de los navíos”, ha aclarado.El comisario ha señalado también que el certificado europeo de desembarco de capturas va para largo porque acaba de comenzar el diálogo aunque ha subrayado que se trata de una apuesta firme.“Si apostamos por los medios digitales, y tenemos que hacerlo, a los pescadores y pescadoras hay que formarlos, tenemos que financiar la digitalización a bordo, pero lo que es más importante, si tenemos mejores datos podemos evaluar mejor su trabajo y ayudarlos mejor en el futuro en caso de que necesiten ayuda”, ha dicho.Sinkevicius ha señalado que durante la reunión han debatido también sobre un campo igualitario de juego y ha asegurado que “la Comisión hará todo lo posible para garantizar que los pescadores que trabajan de acuerdo con las normas serán compensados”.Sobre la mesa ha estado también la nueva relación que se está construyendo con el Reino Unido y el comisario ha subrayado el trabajo que ha realizado la Comisión para garantizar que este campo de juego igualitario esté garantizado: “Se llegó a un acuerdo en diciembre y esperamos que se aplique”.“La predictibilidad del sector solo se puede lograr garantizando una pesca sostenible, lo que implica stocks para que pescadores y mariscadoras tenga sus capturas y obtengan beneficios”, ha añadido Sinkevicius, quien se ha referido, por otra parte, a la fiscalización de los combustibles y al recién establecido paquete ‘fit for 55’.“Es un paquete enorme, no solo se centra en la pesca o los navíos, es un paquete muy amplio de once textos legislativos. Por supuesto, tienen que llevarnos al objetivo del 55% pero hay que debatir en el Parlamento Europeo para encontrar un equilibrio para adoptar estas medidas teniendo en cuenta el impacto socioeconómico”, ha dicho.Preguntado entonces por la postura de la Comisión en la OMC, donde se debaten subsidios a los combustibles fósiles, el comisario de Medio Ambiente, Océanos y Pesca ha señalado que, de momento, es no retirar los subsidios a los combustibles.“La UE respalda la transición inteligente en esta cuestión pero las negociaciones en la OMC son muy complicadas, no sólo se concentran en la fiscalización de los combustibles, sino que hay cuestiones más amplias: hay países en desarrollo o cuestiones de sostenibilidad”, ha justificado.Por último, Sinkevicius se ha referido a la necesidad de trabajar en el sector de la pesca para atraer profesionales jóvenes que garanticen el relevo generacional, para lo cual, ha dicho, es importante hacer la profesión más atractiva, lo cual podría lograrse con una apertura a las nuevas tecnologías y a la digitalización.
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Moda y belleza se aúnan en la exposición "Porque el planeta lo vale"
Madrid, 20 sep (EFE).- La modelo y periodista Sara Carbonero, el diseñador Juan Duyos y la directora de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid Nuria de Miguel son algunos de los rostros que han presentado la exposición “Porque nuestro planeta lo vale”, una muestra que recoge el trabajo de trece diseñadores españoles a partir de materiales sostenibles.“Es importante realizar este tipo de acciones como gran pasarela de la moda española. Somos un altavoz de moda en España y el escaparate que todo el mundo mira”, ha dicho esta mañana la directora de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, Nuria de Miguel, en la presentación de la exposición “Porque nuestro planeta lo vale”, organizada en la biblioteca Eugenio Trías de la Casa de Fieras en el Retiro.Organizada por L’Oreal parís en colaboración con Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, la Asociación de Creadores de Moda Española (ACME) y Madrid Capital de Moda (Ayuntamiento de Madrid), la exposición recoge trece trabajos de distintos creadores españoles que han subido sobre la pasarela durante esta edición diseños realizados en tejido PET, apostando por la sostenibilidad.“Los diseñadores de autor hemos sido sostenibles desde el principio sin saberlo”, ha dicho por su parte el diseñador Juan Duyos, que se ha hecho con el premio a mejor colección durante esta edición de la pasarela madrileña y que exhibe uno de sus estilismos en la muestra, emplazada en el corazón del Retiro hasta el 30 de septiembre.Andres Sarda, Duyos, Dolores Cortés, Roberto Torretta, Hannibal Laguna, Alvarno, Ágatha Ruiz de la Prada, Jorge Vázquez y también Malne, Maya Hansen, Otrura, Marcos Luengo son las firmas que conforman la muestra, que reivindica, en palabras de la directora General de L’Oreal Paris, Silvia Macedo, “belleza, sostenibilidad y moda”.Tras más de veinte ediciones como patrocinador oficial de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, en las que otorgan el premio a mejor modelo y colección, ahora lanzan esta iniciativa, que reivindica el diseño de autor y el uso de materiales sostenibles en la moda.“Hacer vestidos en materiales PET es estar en el presente, viviendo el momento en el que hay que vivir. Es un material que ya está en nuestro entorno”, ha reivindicado Duyos sobre este material, el tereftatlato de polietileno, una materia prima 100% reciclable que durante estas temporadas incursiona en la moda como opción sostenible, en especial en el marco del diseño de autor.De Miguel ha coincidido con Duyos en esta afirmación, reivindicando el diseño de autor como una opción que camina pareja al medio ambiente. “Queremos trabajar en esta dirección, la moda de autor es sostenible, puesto que no genera stocks y produce desde la cercanía y artesanía”, ha recalcado la directora.Una moda que además, y según ha apostillado Duyos, ha sido duramente golpeada durante la pandemia. “La moda de autor ha sufrido mucho. Hacer una colección en estos momentos supone un esfuerzo enorme”, ha incidido el diseñador, que unido por la sostenibilidad y la moda presenta junto a distintos diseñadores de la pasarela madrileña una opción de moda sostenible como alternativa para el futuro.
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Ricard Camarena entra en el "top ten" mundial de restaurantes vegetales
Valencia, 20 sep (EFE).- Ricard Camarena ha escalado desde la posición 33 a la octava en la "We’re Smart Green Guide" 2021 de restaurantes que le dan importancia y un excelente trato a las verduras y ha entrado así en el "top ten" mundial de establecimientos gastronómicos vegetales.Así lo han dado a conocer este lunes en Luxemburgo los responsables de esta guía, en un acto en el que han anunciado los "We’re Smart World Awards", ha informado el grupo de comunicación del cocinero.En 2018, Ricard Camarena llegó a estar en undécima posición, mientras que en 2019 ocupó el décimo cuarto puesto y por primera vez, este año se ha situado entre los diez mejores restaurantes del mundo, por el protagonismo que le da a las verduras y hortalizas en su restaurante con 2 estrellas Michelin, 1 estrella verde de sostenibilidad y 3 soles Repsol.El acto también ha servido para que Ricard Camarena haya recibido el premio al restaurante "Descubrimiento del Año en España" 2021, para el que también estaban nominados los restaurantes la Huerta de Carabaña y Floren Domezain.Camarena ha comentado que tanto el premio como el hecho de estar entre los 10 mejores restaurantes vegetales del mundo son un reconocimiento "muy importante" porque "marca muy bien" su trayectoria, sobre todo "la parte importante que hemos dedicado los últimos diez años a desarrollar una cocina basada en el mundo vegetal".Smart Green Guide es la publicación "más importante" en este sentido y si han reconocido su trabajo, ha señalado el chef, "es que hemos sabido encontrar nuestro hueco y que ha sido relevante el trabajo que hemos hecho".El cocinero ha desvelado que para desarrollar su cocina le inspiran las personas que forman parte de todo lo que hace. "Me inspira ver que la gente cree en el proyecto, desde el agricultor hasta la gente del equipo. Estamos todos implicados y ver esa pasión en lo que hacemos me inspira día a día", ha afirmado.Camarena ha recordado que en los últimos 10 años han "hecho una cocina basada en verduras con mucha intensidad y de manera muy orgánica" y ha indica que cree que ha ido creciendo con el proyecto en la huerta porque han "visto que lo que pasa allí es muy singular".Las verduras tienen un gran protagonismo en sus platos "como producto principal", ha apuntado, a la par que ha incidido en que intenta que "no sean las acompañantes y que el resto de productos estén al servicio de ellas"."Hay que cambiar el paradigma en el que siempre hemos visto las verduras", ha destacado Camarena, para quien la clave está en "generar un contexto atractivo para que las verduras tengan protagonismo".La Distillerie (Luxemburgo), De Nieuwe Winkel (Holanda), Vrijmoed (Bélgica, Piazza Duomo (Italia), L’Osteau de Baumanière (Francia), L’Arpege (Francia), Eleven Madison Park (Estados Unidos), Ricard Camarena (España), HumusxHortense (Bélgica) y L’Air du Temps (Bélgica) son los diez primeros restaurantes vegetales de esta guía.
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Los Premios Princesa volverán al Campoamor con un aforo inferior al 60 %
Oviedo, 20 sep (EFE).- La ceremonia de entrega de los Premios Princesa de Asturias, prevista para el 22 de octubre, regresará este año al Teatro Campoamor de Oviedo, aunque con un aforo inferior al 60 por ciento de las 1.313 butacas hábiles.La ceremonia, que presiden cada año los reyes, volverá así a su escenario tradicional después de que la crisis sanitaria de la covid-19 obligara el pasado año a trasladar su celebración al Hotel de la Reconquista de Oviedo y a cambiar su formato con un aforo muy reducido.Según ha informado este lunes la Fundación Princesa de Asturias, la institución trabaja con un plan de prevención "orientado a minimizar el riesgo de contagio y la expansión del virus y que permita al mismo tiempo cumplir con su principal misión", la concesión y entrega de los galardones, "adoptando las medidas necesarias en cuanto a formatos, aforos y requerimientos sanitarios".Por este motivo, "se establecerán diferentes medidas en función del tipo de acto, de su lugar de celebración y del número de asistentes", motivo por el que el almuerzo del día de los Premios contará también con menos asistentes y tendrá un formato distinto al habitual.Además, la recepción con motivo de la entrega de los premios no se celebrará y habrá únicamente un encuentro que contará con la asistencia de la Familia Real, autoridades, los premiados y sus invitados y los presidentes de los jurados.Entre otras medidas, el tradicional concierto que tiene lugar la noche previa a la ceremonia de entrega de los galardones se celebrará en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo también con un aforo inferior al 60 por ciento de las 1.559 butacas con las que cuenta.Respecto al acto de entrega del Premio al Pueblo Ejemplar de Asturias, que esta edición ha recaído en la localidad de Santa María del Puerto, en Somiedo, y que también entregan cada año los reyes, se mantendrá el acto institucional al aire libre, aunque se suspende el tradicional almuerzo de campo con los vecinos.Los Premios Princesa de Asturias, que este año alcanzan su XLI edición, han recaído en la serbia Marina Abramovic (Artes), máximo exponente de la "performance"; la periodista y escritora estadounidense Gloria Steinem (Comunicación y Humanidades), icono del feminismo moderno; el economista indio Amartya Sen (Ciencias Sociales), conocido por su trabajos sobre la teoría de la elección social, el desarrollo humano y el bienestar económico, y la ONG Campaign for Female Education (Cooperación Internacional).Completan la nómina de galardonados el escritor francés Emmanuel Carrère (Letras); la nadadora Teresa Perales (Deportes), ganadora de 26 medallas en cinco Juegos Paralímpicos; el cocinero José Andrés y la ong World Central Kitchen (WCK) que fundó para llevar comida a zonas afectadas por desastres naturales (Concordia) y los siete de los investigadores que desarrollaron algunas de las vacunas contra la covid-19 (Investigación Científica y Técnica).
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Sacristán: "No es aconsejable para la salud andar pendiente de si te premian"
San Sebastián, 20 sep (EFE).- José Sacristán, que ha recibido hoy de manos del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, el Premio Nacional de Cinematografía 2021, ha considerado en declaraciones a la prensa tras recibir el galardón que "es temerario vivir pendiente de los premios"."No es aconsejable para la salud andar pendiente de si te lo dan, pero en el fondo yo sé que me dedico a algo que no es competitivo; se sabe quién llega primero a la meta, quién mete más goles, pero quién es el mejor en esto, pues no, alguien decide", ha dicho el actor."Yo lo agradezco muchísimo, estoy muy contento y muy agradecido, y cuando me tocan estoy encantado, no los rechazo, ni muchísimo menos", ha señalado.El acto, celebrado en Tabakalera, en el marco del festival de cine de San Sebastián, ha sido de los más emotivos que se recuerdan, la impresionante voz de Sacristán recordando cómo y por qué se hizo actor, mientras Aitana Sánchez-Gijón, que le ha dado la bienvenida, se preguntaba cómo era posible que aún no tuviera este premio.Y ha sido el propio ministro de Cultura y Deportes, Miquel Iceta, quien ha señalado que darle este premio hoy ha sido "un acto reparador que estaba pendiente".Sobre la dotación económica del premio (30.000 euros) ironizó bromeando sobre los "brillantes" que "ya no le caben en casa" y sobre "los visones" que tienen tirados por el suelo su mujer, Amparo, y él.Sacristán también se ha referido a la gente que acude al teatro, en su opinión, "porque tiene necesidad"."Con 'Señora de rojo sobre fondo gris' llevamos tres años y la respuesta de la gente es estupenda. La necesidad del encuentro, y de una cierta terapia que es la que proporciona el espectáculo, la cultura, es saludable", ha resumido.
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Museo Picasso incorpora carta de Picasso a Miquel Utrillo desde París de 1901
Barcelona, 20 sep (EFE).- El Museo Picasso ha incorporado a sus fondos una carta manuscrita de Pablo Picasso que envió a su amigo Miquel Utrillo desde París en 1901.La misiva, que se muestra en una exposición dossier en la colección permanente, ha sido adquirida por el derecho de tanteo sobre exportación que ha ejercido la Generalitat de Cataluña, en aplicación de la Ley 9/1993, de 30 de septiembre, del patrimonio cultural catalán, a favor del Museo Picasso.Una vez detectada la importancia del documento por el cual se pedía la exportación definitiva, el Museo Picasso declaró el interés en ingresar el documento en su colección y en consecuencia, el Departamento de Cultura inició los trámites para su inexportabilidad y posterior tanteo.La obra es una carta breve que cuenta con dibujos originales del artista datada en junio del 1901, que es la respuesta a una misiva previa enviada por Utrillo a Picasso, en la que se lee: "Amigo Utrillo / Miquel he / recibido tu carta / brabo!...(sic) en efecto / no he recibido el / Pel y Ploma / Se procurará hacer / lo que me pides / y Adeu / escribe".La mención a la revista "Pèl & Ploma" no es circunstancial, pues aquel mes de junio Miquel Utrillo, con el seudónimo de Pincell, había escrito en la revista la reseña titulada "Pablo R. Picasso" sobre una exposición en la Sala Parets donde había varios pasteles del artista acompañando la obra de Ramon Casas, que se considera la primera gran crítica que recibe Picasso durante su vida artística.El anverso de la carta se completa con dos dibujos coloreados con lápiz rojo y azul en la parte superior, el de una flor con dos hojas y el de un personaje con una pluma en la mano derecha y una lira en la izquierda que podría representar al poeta y dramaturgo Eduardo Marquina, con quién Picasso tenía una estrecha relación.En el dorso de la carta consta la despedida y la firma "Apa buenas / y suyo afmo / Paul", solo el nombre, en francés, subrayado con dos líneas, una con tinta y la otra con lápiz rojo.Bajo la firma consta la localización y la fecha "PARIS - el mes / antes del 14 de julliet (sic)". Esta última palabra está rayada y escrita correctamente Juillet con una letra que no corresponde a Picasso, la misma que escribe la dirección 130 ter Boulevard Clichy, de París, una dirección que corresponde al domicilio del marchante Pere Mañach, donde vivió Picasso en 1901 con su amigo Manuel Pallarés.El pintor catalán e igualmente amigo de Picasso Carles Casagemas también se alojó en este domicilio durante unos días aquel mismo año, poco antes de suicidarse.La misiva está escrita en el momento de la euforia anterior a la primera exposición de Picasso en París, que se inauguró el 25 de junio de 1901 en la Galería Vollard y está firmada en francés.Según ha informado el Museo Picasso, "nos encontramos ante un Picasso que todavía está pendiente de la actividad artística en Barcelona pero inmerso ya en la cultura francesa; y por este motivo firma como Paul, tal y como seguramente se hacía llamar en Francia, e incluye un retrato de Rodin".La carta se muestra en una exposición dossier en la sala 8 del Museo, junto con otras obras de la colección donde Picasso había retratado a Utrillo, y con documentación relacionada de la época.En uno de los dibujos que se presentan hay un busto de Rodin, muy similar al que aparece en la carta ahora adquirida.En este sentido, y con motivo de la adquisición, se ha elaborado un informe grafológico de la obra, que aporta información relevante que completa el contexto histórico de ésta: "Pone de relieve el especial interés del emisor por la arquitectura gráfica en cuanto a la utilización del espacio en blanco y del uso de las rayas para enmarcar, por un lado, la carta y por otra la firma y el nombre de la ciudad de París".El uso de las rayas, continúa el informe grafológico, evidencia la necesidad del artista de "marcar distancia y límites con el pasado y de protegerse de cualquier interferencia externa con el deseo de adquirir protagonismo".El informe también remarca que la presión tensa y firme de la escritura muestran a un joven que se siente muy seguro de sí mismo y que tiene un gran potencial de artista; y los cambios de dimensión en el grafismo son símbolo de la euforia del presente mientras que la escritura de medida grande revela un momento de extraversión y de expansión vital del artista.
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