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¿Cuáles han sido los libros más leídos en España en 2019?
El Barómetro de Hábitos de Lectura y Compra de Libros en España 2019 ofrece su propio ranking de los libros más leídos en España el año pasado. Encabeza la lista «Patria» (Tusquets), de Fernando Aramburu, que no deja de cosechar éxitos. Los diez libros más leídos: 1. «Patria», de Fernando Aramburu. 2. «Trilogía de la Ciudad Blanca», de Eva García Sáenz de Urturi. 3. Saga «Los Pilares de la Tierra», de Ken Follett. 4. Serie «El cementerio de los libros olvidados», de Carlos Ruiz Zafón. 5. Serie de «Harry Potter», de J.K. Rowling 6. La «Trilogía del Baztán», de Dolores Redondo 7. «La catedral del mar», de Ildefonso Falcones. 8. Saga «Canción de hielo y fuego», de George R. R. Martin. 9. «Reina Roja», de Juan Gómez-Jurado. 10. «Todo esto te daré», de Dolores Redondo. Los diez autores más leídos: 1. Dolores Redondo. 2. Idelfonso Falcones. 3. Ken Follett. 4. Fernando Aramburu. 5. Carlos Ruiz Zafón. 6. Eva García Saénz de Urturi. 7. Arturo Pérez-Reverte. 8. María Dueñas. 9. Julia Navarro. 10. Santiago Posteguillo.
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El Museo del Traje cierra hasta el próximo otoño por obras
El Museo del Traje-CIPE cerrará temporalmente sus puertas al público desde el 2 de marzo y hasta el próximo otoño con motivo del inicio de las obras para reformar el edificio. El centro, con más de 50 años de antigüedad, emprende así una renovación, durante aproximadamente ocho meses, para «adaptarse a los requirimientos de la Inspección Técnica de Edificios (ITE)», una reforma afectarán a las fachadas, cubiertas y azoteas del museo y que requiere una inversión de 1.425.000 euros. Los bienes de la exposición permanente continuarán en el edificio, protegidos en los almacenes del museo, y no será necesario ningún traslado de piezas a otras ubicaciones en el exterior. El cierre no impedirá al personal del museo seguir trabajando en la investigación, conservación y divulgación de su patrimonio con diferentes proyectos en marcha, como la colaboración con el Meadows Museum en Dallas (Estados Unidos), en la recuperación de la publicación Indumenta y en la preparación de las exposiciones de la temporada. Próximas exposiciones A esta iniciativa se suma, además, la recuperación de la publicación «Indumeta», la revista del museo, cuyo tercer número verá la luz en 2020, así como la preparación de las exposiciones que protagonizarán la próxima temporada: «Antonio Alvarado: la moda de mi padre siempre fue baja costura», dedicada al diseñador Antonio Alvarado; y una segunda muestra comisariada por la diseñadora de joyas Helena Rohner. Asimismo, durante la etapa de obras, los fondos de la bilbioteca, en los que se encuentra una colección sobre la historia del traje y la moda, la técnica y producción textil, además de antropología, patrimonio cultural y etnología española, podrán consultarse de forma excepcional mediante cita previa; mientras que la cafetería Café de Oriente-Museo del Traje seguirá prestando servicio en horario restringido.
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El triste regreso de Ozzy Osbourne: «Sufro un dolor increíble y constante»
Es una pena, porque casi nadie esperaba que el nuevo disco de Ozzy Osbourne fuera tan bueno. «Ordinary Man», el primer trabajo del ex cantante de Black Sabbath en diez años, ha recibido una puntuación de estrellas (la máxima) en la revista New Musical Express, y aunque muchos fans se han indignado por la colaboración del cantante con Post Malone (una estrella de la escena urbana), el resto de invitados del álbum es de categoría, con Elton John, Slash y Tom Morello, además del productor Andrew Watt en las guitarras, Duff McKagan (Guns N' Roses) en el bajo y Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) a la batería. El lanzamiento del álbum, sin embargo, se ha visto ensombrecido por la cancelación de la gira de Ozzy, y por las declaraciones que ha hecho en una entrevista con el tabloide británico The Sun, publicada ayer. «Sufro de un dolor increíble las veinticuatro horas del día, los siete días de la semana», confiesa el mito del heavy, que lucha contra las fuertes secuelas que le ha dejado la operación a la que tuvo que someterse el año pasado. «Tengo que tomar todos estos calmantes para el dolor, pero me muero por todos esos opiáceos que no puedo tomar», lamentó en referencia a sus viejas adicciones, que le impiden recibir medicamentos más fuertes. «La enfermera tiene mi medicación así que no tomo nada más que lo que ella me da... Necesito ayuda para cambiarme, para bañarme..., Es muy extraño, ¿sabes?».<iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/kSRNrVjISRQ" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> En los últimos años, Ozzy ha sufrido una cadena de percances de salud que le han llevado hasta este delicado momento vital. «Primero fue una infección en mi mano, después cogí neumonía, después tuve la caída, y después la operación. Ahora tengo muchas más tuercas y tornillos en mi cuello que en mi coche. Me estoy volviendo loco», asegura el artista, que para colmo recibió un diagnóstico de párkinson recientemente. La caída que sufrió el año pasado en su casa de Los Angeles, mientras iba al baño en plena noche, agravó la lesión de cuello que se hizo en 2003, en un accidente de quad. «Me volvió a lesionar la espalda, el cuello y los hombros, y se desprendieron las barras de metal que me habían puesto». Y ahora, las secuelas de la cirugía que se le ha practicado para poner solución a ese estropicio son como una «agonía más allá de cualquier cosa que haya experimentado antes en mi vida», describe el cantante de Birmingham. «Durante los primeros, digamos, cuatro meses, estuve absolutamente en agonía. Fue horrible. Estoy tomando clases de terapia física y ocupacional, pero el progreso es muy lento. Dicen que tomará al menos un año», se queja Osbourne en la entrevista con The Sun. «Yo decía: “Sharon (su mujer), no me estás diciendo la verdad. Me estoy muriendo, ¿no?” Pensé que tenía una enfermedad terminal porque la mejora fue muy lenta. Estoy mejorando, pero después de la cirugía, las enfermeras me preguntaron en una escala de uno a diez cuánto dolor sentía, y dije:”¡55!”. No poder moverse es lo peor». El veterano «frontman» describe este rápido envejecimiento como «algo aterrador. De los 40 a los 70 años todo estuvo bien, y de repente llegas a los 70 y todo se derrumbó sobre mí. Estaba acostumbrado a levantarme, subirme a mi máquina elíptica y continuar durante una hora más o menos y sudar. Pero no puedo hacerlo. Un día, estaba haciendo una o dos horas en la máquina elíptica; ahora puedo hacer apenas media hora. Salgo con un bastón, camino por la carretera y estoy agotado». Mientras sufría estos dolores, el cantante y su mujer han estado haciendo viajes a Suiza para buscar tratamiento contra el Parkinson. «Me mantuve fuerte por mi familia, pero el año pasado fue el más miserable de toda mi vida» confiesa Ozzy, que también se ha sentido culpable por no contar la verdad a sus fans. «Ocultar algo es difícil, nunca te sentís bien. Te sientes culpable. No soy bueno con los secretos. No puedo seguir más con eso. Es como si me estuviera quedando sin excusas». «¿Por qué sigue usted vivo?» A Ozzy se le han juntado todos los problemas que arrastra desde hace décadas. En una de sus vistas al médico, Ozzy relató todo su historial: «Una vez me atropelló un avión; bueno, casi. Y me he roto el cuello montando en quad. Durante el coma morí dos veces. También he tenido sida durante 24 horas. Y he creído tener esclerosis múltiple, pero resultó ser un temblor de Parkinson. Ah, y he tenido gonorrea unas cuentas veces. Y un par de convulsiones, como aquella vez que tomé codeína en Nueva York, o cuando me metí la droga de los violadores en Alemania». El doctor, atónito por lo que escuchaba, le preguntó: «¿Por qué sigue usted vivo?». Sin embargo, su mujer (que es también su manager) no ierde la esperanza y afirma que por encima de todo, el cantante necesita salir de gira. «Este es el tiempo más largo que ha estado en casa. Realmente necesita salir ahora», dijo Sharon Osbourne en la última entrevista en la que aparecieron juntos. Por ahora, tendrá que esperar, pero la pareja no se rinde: «No vamos a parar hasta que Ozzy esté de vuelta ahí fuera, en el escenario, el lugar al que pertenece. Nació para ello».
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Casi el 40% de la población española nunca o casi nunca lee libros en su tiempo libre
En 2019, el 37,8% de la población española nunca o casi nunca leyó libros. Casi la mitad (49,1%) argumenta que no tiene tiempo para la lectura, y el 29,4% zanja el asunto diciendo que no le gusta o no le interesa. Son datos del Barómetro de Hábitos de Lectura y Compra de Libros en España 2019, que elabora anualmente la Federación de Gremios de Editores (FGEE) y que acaba de hacerse público. El informe confirma, eso sí, un leve incremento de los índices de lectura respecto a 2018, siempre sin tener en cuenta su frecuencia: el 68,5% de los españoles mayores de catorce años lee libros (un 1,3 puntos más que 2018). Desde 2010, el incremento es de 8,2 puntos porcentuales. Sin embargo, si atendemos a la frecuencia lectora los números no son tan positivos. El porcentaje de personas que leen todos los días es de un 32,4% (un 0,2% menos que en 2018), y los que lo hacen una o dos veces por semana es del 17,6% (un 0,9% más que el año anterior). Las mujeres leen más El 68,3% de las mujeres lee libros en su tiempo libre, frente al 56% de los hombres. La diferencia entre ambos sexos ha aumentado en un punto porcentual respecto a 2018. No obstante, la mayor diferencia por género se produce en el tramo de edad entre 55 y 64 años, donde llega a los 29,1 puntos porcentuales. Por el contrario, la menor diferencia se encuentra entre mujeres y hombres de más de 65 años. También entre los lectores de entre 25 y 34 años la diferencia de género, a favor de las mujeres, es menor, concretamente de 5,8 puntos porcentuales. Este es el perfil de lector frecuente en España es mujer, mayor de 55 años, con estudios universitarios y que vive en un área urbana. El 83% de estas mujeres leen libros al menos una vez a la semana. En cuanto a los hombres, el perfil del lector frecuente sería el de un hombre de 55 años o más con estudios universitarios y que vive en área urbana. El 76,7% de los hombres con estas características sería lector frecuente de libros en su tiempo libre. Los jóvenes Los jóvenes entre 14 y 24 años se mantienen como el grupo de población adulta con mayor hábito lector. Es significativa la caída que se produce a partir de los 24 años, una edad que coincide con su inserción en el mercado laboral.
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Intervención de urgencia para salvar las 72 momias de la cueva funeraria prehispánica de Gran Canaria
El verano del año pasado, un grupo de aficionados a la arqueología descubría en Gran Canaria una gran cueva funeraria aborígen intacta. El hallazgo era posible gracias a las imágenes de un dron, ya que la gruta se encuentra en un lugar de muy difícil acceso al que solo se llega escalando siete metros de pared. La cueva se encuentra en el sureste de Gran Canaria, en el barranco de Guayadeque, la zona donde hasta el momento se han descubierto los restos humanos más antiguos de la isla. Sin embargo, parte de la visera que protegía la valiosa colección de huesos desordenados se derrumbó hace tiempo que la lluvia, el sol, los cambios de temperatura y hasta las aves están erosionando poco a poco estos restos, en riesgo de desaparecer para siempre. Por ello, el Servicio de Patrimonio del Cabildo de Gran Canaria ha comenzado una intervención de urgencia antes de que los restos que todavía atesora desaparezcan de manera «inexorable» en unos años, como ha reconocido el inspector del servicio Patrimonio del Cabildo y profesor de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria Javier Velasco. Velasco y Verónica Alberto, arqueóloga de la empresa contratada para esta intervención de urgencia, Tibicena, han trepado hasta ese yacimiento y coinciden en su descripción: Se trata, dicen, de un enterramiento colectivo «fabuloso, excepcional», como los que describen en sus libros los pioneros de este tipo de estudios, cuando a finales del XIX y principios del XX se exploraron la mayor parte de los yacimientos funerarios prehispánicos. «Ha sido como un viaje en el tiempo», resume Alberto. Un viaje doble, a la época en la que aún había grandes cuevas funerarias prehispánicas por explorar, y al pasado al que se retrotraen esos restos, datados, por ahora, entre los siglos VIII y XI dC. Esas dos fechas se han obtenido por Carbono 14 de un hueso y de un resto de esterilla utilizada para amortajar a los cadáveres. Son los dos únicos vestigios que se han datado hasta la fecha, por lo que los especialistas no descartan que el periodo de utilización de esa cueva como cementerio fuera aún más amplio, dado el historial que tienen otros enclaves funerarios del barranco de Guayadeque. Con la misma mortaja La primera exploración de la cueva ha aportado datos muy prometedores, a pesar del deterioro de sus restos. El yacimiento pertenece a los inicios de la población de Gran Canaria (las fechas más antiguas datadas en la isla se remontan al s. IV) y allí están enterrados lo que en su día fueron 72 momias completas pertenecientes a hombres y mujeres de todas las edades, con una presencia de niños muy poco habitual en este tipo de enclaves. En esta colección de huesos, solo hay una decena de recién nacidos, lo que servirá para avanzar en el estudio de la infancia en tiempos de los antiguos canarios. Una materia de la que se sabe poco porque apenas se encuentran restos arqueológicos de niños y las menciones a ellos en la crónicas de la Conquista también son relativamente escasas, ha detallado Verónica Alberto Esta arqueóloga y su colega Javier Velasco también han subrayado otro detalle llamativo: todos los cuerpos recibieron la misma preparación para afrontar el último viaje, al que sus parientes les entregaron envueltos en mortajas de piel o de esterilla vegetal. Si hoy solo son huesos desperdigados, ha añadido el inspector del Cabildo, se debe únicamente a la acción de los elementos naturales que han impedido que se conservaran, pero parece apuntar que ese ritual funerario era común para toda la población. Asimismo ha llamado la atención a los arqueólogos que en un yacimiento que no parece expoliado no haya más que huesos y mortajas, ya que, por el momento, no se ha encontrado ningún elemento personal ni de ajuar. Ahora, la primera intervención urgente consistirá en salvar todos los restos que están en riesgo de deteriorarse. Después, llegarán más análisis de Carbono 14 para saber su edad; ADN, para conocer su línea genética; isótopos estables, para averiguar cuál era su alimentación; e incluso forenses, para desentrañar de qué murieron.
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Agnes Obel: «La mente es un aparato tecnológico sesgado»
Durante casi una década, Agnes Obel ha sido una de las artistas más independientes y originales de la música contemporánea. Hoy vuelve con nuevo álbum, «Myopia», editado con Deutsche Grammophon y grabado siguiendo los mismos principios que sus discos anteriores («Philharmonics», «Aventine» y «Citizen Of Glass»), que completó como proyectos enteramente en solitario en el estudio de su propia casa de Berlín. ¿También se encarga de la producción? Trabajo totalmente sola. Desde la composición hasta la última mezcla lo hago todo yo en el estudio. Lo único que sí hago con otra persona es la masterización. ¿No se le «cansa» el oído durante el proceso? No. Después de muchas experiencias en distintos estudios he descubierto que si quieres que un trabajo quede bien, debes hacerlo tú misma. ¿Cuál es el concepto de «Myopia»? El disco cierra una etapa que empecé con «Citizen of Glass». Son dos discos muy conceptuales y con una escena en mente, una escena que rige la producción. «Myopia» es algo así como la segunda parte de «Citizens of Glass». Pienso en la producción como si fuese la escenografía de la canción. Si la canción es sobre un recuerdo, por ejemplo, intento rodearla de sonidos que evoquen ese sentimiento, esa nostalgia. La fuerza de estos dos últimos trabajos reside en la producción y en cómo trato los distintos sonidos. ¿Cual es la relación entre la miopía y la música del disco? Siempre trabajo con una especie de visión túnel. Quería hacer un disco sobre la mente, un lienzo no neutral. Todo lo que percibimos está influido por nuestros recuerdos, nuestra experiencia... La mente me parece un aparato tecnólogico sesgado, en el que el error es la propia esencia de cada ser humano. Captar esas diferencias de percepción era un poco la idea detrás del título y las canciones. También es una investigación de mi propia mente, encontrar esos prejuicios e influencias que me hacen ser quien soy. Está más cerca de la música de cámara que del pop. A mí me gusta la música en la que puedo sentir al ser humano que la escribe. Muchos estilos, especialmente el pop, se han convertido en cosas corporativas en las que siete productores y catorce letristas «enlatan» un producto.
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El Teatro Real toca el piano para los más pequeños
«Un piano de otros mundos» abre este fin de semana el ciclo El Real Junior, que el coliseo madrileño ha pensado para el público familiar, y que se va a desarrollar los fines de semana hasta finales de temporada. «Un piano de otros mundos» pretende acercar a los niños al que sin duda es el rey de los instrumentos: el piano. Fernando Palacios ha concebido y creado este «concierto para piano y escena» en el que él mismo interviene como presentador junto a la pianista Isabel Dombriz. «Además de pianos nocturnos -se dice en la presentación-, bajo la luz de la luna, y con caras ocultas y escondidas en penumbras, hemos encontrado pianos de otros mundos. Los vimos en el Valhala de Wagner, en Los Planetas de Holst, en Visiones fugitivas de Prokófiev y en las profundidades de La Catedral sumergida de Debussy. También los hemos localizado, flotando en los mundos circulares de Bach, en el cosmos vaporoso de Pink Floyd o en los universos paralelos de Scriabin. Todos se darán cita al atardecer en un universo único: la sala de orquesta del Real». El concierto se articula alrededor de cinco relatos: «El piano del roble», «Concierto en el pantano», «Marte-piano», «Cata de cinco relatos» y «Piano de dioses», y se oirán fragmentos de la «Suite Francesa nº 5», de Bach; «Escenas infantiles op. 15 nº 1», de Schumann; «Piezas líricas», de Grieg; «Cascanueces» y «Álbum de la juventud», de Chaikovski; «Visiones fugitivas», de Prokofiev; «Preludios», de Debussy; «City of Stars» (de la película «La La Land»), de Justin Hurwitz; «Y entonces… Plutón», de Mariné; «Los Planetas», de Holst; «Cerca de las estrellas», de Los Pekenikes; «Gnossienne 7», de Satie; «El Principito», de Hans Zimmer; «Suspiros de España», de Álvarez; «In the Court of the Crimson King», de King Crimson: «La guerra de las galaxias», de John Williams; y «El oro del Rhin», de Wagner-Liszt. La programación de El Real Junior se completará con el espectáculo «Historia de Babar, el pequeño elefante», con música de Francis Poulenc y texto de Jean Brunhoff; la dirección musical es de Miguel Huertas y la dirección escénica de Ana Hernández-Sanchiz, que actuará también como narradora. También se ofrecerá un concierto didáctico titulado «¡A la bin! ¡A la ban! ¡A la Ludwig Van! ¡Beethoven, Beethoven y nadie más!» -para celebrar el CCL Aniversario del compositor-, con guión y presentación: Luis Piedrahita y la intervención de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Lucía Marín. Además, se ofrecerán los habituales talleres «Todos a la Gayarre».
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¿Que fue de A-Ha, el «one hit wonder» de «Take on Me»?
Habrá quien se lleve las manos a la cabeza cuando vea que decimos que A-Ha fueron un «one hit wonder», porque en Europa tuvieron varios éxitos y en su Noruega natal fueron unos colosos del pop. Pero lo cierto es que muy poca gente recuerda alguna canción suya que no sea el famoso «Take on me». Una canción que, por otro lado, no hubiera sido nada sin su videoclip: el single no fue ni mucho menos un éxito inmediato. De hecho, pasó desapercibido hasta que aquel impresionante cortometraje de animación nos lo incrustó en la cabeza. La semilla del grupo se había formado en 1976, cuando el guitarrista Paul Waaktaar-Savoy y le teclista Magne Furuholmen fundaron la banda Bridges. Después de un álbum de debut fallido, aparcaron el proyecto y buscaron un cantante con buena voz, actitud, carisma e imagen. Intentaron hacerse con los servicios de Morten Harket, vocalista de Soldier Blue, y tras varios meses de tira y afloja, éste aceptó su oferta a mediados de 1982. Mientras leía las letras de una de las composiciones de Savoy, Harket encontró una expresión con gancho: A-ha. Lo curioso es que el tema en cuestión, «Nothing to it» no fue publicado hasta 2010, en una reedición. <iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/eQX8Ns3ntL4" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> El trío se marchó a pasar una temporada a una cabaña de los padres de Savoy para componer, y de aquel proceso creativo surgiría el grueso del disco de debut de A-Ha, que fue grabado a finales de 1982. Cargados de ambición e ilusiones, los tres viajaron a Londres para presentar su obra a varias compañías discográficas. Pero fueron rechazados por todas y acabaron malviviendo en la capital británica hasta que la bofetada de realidad los devolvió a Noruega. Pero cual vikingos, no se rindieron y volvieron unos meses después para hacer una nueva incursión en Inglaterra. Y así fue como en el invierno de 1983 consiguieron firmar con Warner, que les exigió un hit de inmediato. Se pusieron a trabajar sobre un viejo tema de Bridges, «The Juicyfruit Song», cuyo título derivó en «Lesson One» y finalmente en «Take on me». El lanzamiento, en octubre de 1984, se saldó con un fracaso total: se vendieron trescientas copias.<iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/1rDKNqSw3zk" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> Convencidos de que la canción mimbres de hit, A-Ha la remezclan y vuelven a lanzarla en abril de 1985, pero vuelven a estrellarse estrepitosamente. Entonces llegó la idea que lo cambiaría todo: un videoclip revolucionario, basado en una combinación de imagen real y animaciones en blanco y negro que narraba la historia de un romance entre dos mundos. Dirigido por Steve Barron y creado en cuatro meses de arduo trabajo en los que se montaron más de tres mil fotogramas, el vídeo se convirtió en un éxito instantáneo que ganó seis premios MTV el año siguiente. Por fin, «Take on me» llegaba a lo más alto en las listas de ventas no sólo europeas, sino también en Estados Unidos. El single, que vendió más de nueve millones de copias impulsó el lanzamiento del primer disco de A-Ha, «Hunting High and Low», en octubre de 1985. De él salieron otros hits, especialmente «The Sun Always Shines on T.V.», que fue número uno en Inglaterra. Sade les robó el Grammy a Mejor Artista Nuevo, pero nada impidió que su popularidad siguiese creciendo durante 1985, cosa que su compañía no quiso desaprovechar. El grupo grabó su segundo disco («Scoundrel Days») a toda prisa, y aunque vendió casi siete millones de copias, no pudo acercarse al listón marcado por «Hunting High and Low». Su canción para la película «James Bond 007: Alta tensión», titulada «The Living Daylights», sí fue un bombazo. Pero entonces, empezó la cuesta abajo. En mayo de 1988 A-ha lanzó su tercer álbum, «Stay on These Roads», que registró un nuevo bajón en ventas. Esta vez, se despacharon cuatro millones de copias. Aunque el final de los ochenta y el arranque de los noventa fueron felices, con conciertos multitudinarios como el de Rio de Janeiro (en 1992, ante casi 200.000 personas) o el de las Olimpiadas de Lillehammer, sus siguientes trabajos fueron sumergiéndolos poco a poco bajo la superficie hasta que, en 1994, la banda se disuelve y sus tres miembros emprenden sendas carreras en solitario. Sin embargo, en 1999 todos vuelven al redil, y en 2002 dan su esperadísimo primer concierto en España, en una gira accidentada ya que tuvo que ser pospuesta un mes por la huelga de controladores aéreos de junio de 2002. Cuatro discos después, volvían a separarse de forma agria, en 2010. Ese mismo año se despidieron de nuestro país con un concierto en Vistalegre, que resultó tristemente afeado por la penosa acústica del recinto. En 2011 se reunieron para un concierto en homenaje a las víctimas de los atentados del 22 de julio en Oslo y Utøya, con la promesa de no volver más a los escenarios. Pero cuatro años más tarde llegaría el que hasta la fecha es su canto de cisne, «Cast in Steel», álbum que fue presentado en una gran gira mundial. Parecía que ese sería el final de A-Ha, y no hubiera sido una final malo: habían vendido cien millones de discos. Pero, cosas de la vida, ahí ha vuelto «Take on me» al rescate. El videoclip de la canción ha vuelto a ser noticia porque ha superado los mil millones de reproducciones en YouTube, y ha vuelto a poner al grupo en circulación. El próximo 27 de junio, se les podrá ver de nuevo sobre el escenario en el festival Rock in Rio de Lisboa.<iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/djV11Xbc914" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe>
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«Una novelita lumpen», la luz de Roberto Bolaño
El novelista chileno Roberto Bolaño murió el 15 de julio de 2003 -tenía cincuenta años- en Barcelona. Apenas unos meses antes se había publicado «Una novelita lumpen», editada por Montadori. Rakel Camacho, autora y directora de la adaptación que sube al escenario de El Pavón Teatro Kamikaze, explica que ««Una novelita lumpen» trata de la infelicidad y de las recompensas falsas dentro de la infelicidad, de la valentía para cambiar de rumbo y crear un futuro inexistente, y de la lucidez súbita sobre el rumbo real de la vida de cada cual: un pedazo de realismo inteligente sin sermones ni moralinas. Es una poesía frágil pero rotunda, y una maravillosa apuesta para el teatro, un delicado reto». La adaptación es una producción de la joven compañía La Intemerata. El reparto está compuesto por Rebeca Matellán, Diego Garrido, Jorge Kent y Trigo Gómez. Mireia Vila firma el espacio escénico, Vanessa Actif el vestuario, Sammy Metcalfe la música, Javier Jarillo el vídeo, Mariano Polo la iluminación y Julia Monje el movimiento escénico. Situada en Roma -la novela fue impulsada por el editor Claudio López, que quería crear una colección de libros relacionados con ciudades o ambientados en estas-, «Una novelita lumpen» presenta el relato de una mujer, Bianca, a partir del momento de su vida posterior a la temprana muerte de sus padres en un accidente automovilístico. ««Ahora soy una madre y estoy casada, pero no hace mucho fui una delincuente. Mi hermano y yo nos habíamos quedado huérfanos. Eso de alguna manera lo justificaba todo. No teníamos a nadie. Y todo había sucedido de la noche a la mañana». Así comienzo la novela que vamos a llevar a escena -cuenta Rakel Camacho-. De manera directa, sencilla y brutal. Bolaño nos atrapa en una atmósfera de ensoñación repleta de imágenes en las que Bianca, joven adolescente, acompañada por su hermano, se adentrará en el universo adulto descubriendo las peores y más intrigantes facetas de la sexualidad y la delincuencia». Con el paso del tiempo, sigue la directora, Bianca y su hermano van dejando los estudios. «Bianca -sigue la directora-comienza a trabajar en una peluquería como lavadora de cabello y su hermano en un gimnasio. Es en este lugar donde conoce a dos hombres mayores que ellos, que se van a instalar a su casa durante un tiempo indeterminado, y que acompañarán a Bianca en su camino a la madurez, a través de las peores y más interesantes facetas de la sexualidad y el engaño». La elección de la novela de Roberto Bolaño no ha sido casual, según Rakel Camacho. «Es un autor muy cinematográfico, pero que requiere de una gran libertad creativa para transformarlo en hecho escénico; su concepción del aquí y el ahora nos ha llevado a proponer una creación impulsada por la dramaturgia de la imagen y la potencia teatral». La obra, añade, «propone «hallar luz dentro de un mundo de tinieblas» sin que el fracaso, la pérdida, la soledad o la pobreza sean quienes acaben gobernando el destino de las personas. Esa sería una de las cuestiones fundamentales: ¿Cómo es posible ver con tanta claridad en la oscuridad? ¿Cómo se sale de ella? La protagonista de la novela lo hace. Su voluntad es su poder». También el lenguaje de Bolaño ha influido en su deseo de llevar esta obra al teatro. «Nos atrae su escritura poética, en la que personajes extremos y extracotidianos habitan un universo donde la palabra es imagen además de contenido».
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Un tribunal confirma que ARCO no es transparente en la selección de galerías
La Audiencia Provincial de Madrid ha confirmado una sentencia de 2019 de un t ribunal de primera instancia contra ARCO por falta de transparencia en el proceso de selección de las galerías que participan en su feria. La demanda fue interpuesta por Ramón García Alcaraz, propietario de la galería madrileña My Name's Lolita Art, que denunció a ARCO tras no ser admitida en la edición de 2016. La galería había participado en la feria de arte desde 1990 hasta 2007 ininterrumpidamente. La sentencia, a la que ha tenido acceso Efe, desestima el recurso interpuesto por Ifema y confirma la sentencia inicial. Aquel fallo, de 2019, estimaba parcialmente las demandas del galerista y determinaba que el proceso de selección de la feria era contrario a los principios de «publicidad, concurrencia, transparencia e igualdad» que deben presidir los contratos públicos. Resaltaba tres violaciones en el proceso de selección. La primera, que las galerías solo conocen la puntuación total que les asigna el comité organizador encargado del proceso de selección y, aunque lo soliciten, no pueden acceder a él de manera desglosada. La segunda, que se permite que los miembros de este comité organizador mantengan conversaciones con «algunos» de los solicitantes y con otros no. Y la tercera, que algunas galerías son aceptadas automáticamente sin tener que solicitarlo y sin tener que pasar ningún filtro. «Ifema tiene que cumplir con la legislación española, en lo que atañe a la preparación y adjudicación de los contratos de exposición a celebrar, y ésta tiene que ajustarse a los principios de publicidad, concurrencia, transparencia, confidencialidad, igualdad y no discriminación», argumentan los jueces. «Es evidente que no se ha cumplido el principio de transparencia en el proceso de selección», señala la primera sentencia, contra la que Ifema interpuso recurso, que ahora ha sido desestimado. El dueño de la galería ha asegurado a Efe que con esta sentencia «se restablece la dignidad y el honor» de su galería y de los artistas que representa. Desde 1990 hasta 2007 la galería participó en ARCO, pero en 2008 «sin ningún apercibimiento», fue rechazada por el comité organizador. El rechazo generó una serie de «daños colaterales», como la pérdida de coleccionistas y la dificultad para entrar en otras ferias internacionales, asegura. García Alcaraz también ha interpuesto sendas denuncias por los procesos de selección de las ediciones de ARCO 2015 y 2017, aún pendientes de resolución. Pero está convencido de que ganará ya que los procesos de selección fueron idénticos y esta sentencia siente jurisprudencia. «No he pedido ninguna compensación económica, solo quería que se restituyera mi dignidad y la de mis artistas», asegura. Contra esta sentencia cabe recurso de casación ante el Tribuna Supremo.
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Amantes de Teruel: dos toros jaboneros en la más bella historia de amor jamás contada
Las crónicas de Teruel atestiguan que el romance que Diego de Marcilla e Isabel de Segura vivieron en el siglo XIII fue la más bella historia de amor jamás contada y, para recordarla, la ciudad regresa desde este jueves y durante todo el fin de semana al medievo para ver qué fue lo que sucedió entre aquellos enamorados que terminaron con un final que ya todo el mundo conoce... Los toros también estarán presentes en este rito. El sábado a las 16:15, en el centro histórico, se correrán dos toros jaboneros gracias a la Asociación Amigos de la Soga y la Baga de Teruel, que controlarán a los astados por la plaza del Torico y que serán partícipes del rito de fertilidad para la recién casada Isabel de Segura, al torear con la capa de la dama y devolvérsela al novio para que sea este quien se la ponga y le traspasase la fuerza y el poder fecundador del toro. La XXIV edición de Las Bodas de Isabel de Segura arranca este jueves por la tarde con el anuncio de la muerte de Diego de Marcilla y el enlace entre la joven dama, Isabel, y don Pedro de Azagra, ya que el pacto de cinco años que ella debía esperar para su regreso desde la guerra se entiende vencido, y se prolongará hasta el domingo 23, cuando el amor entre ambos los lleve a reencontrarse tras la muerte. Se trata de una recreación histórica con un programa que incluye más de un centenar de actividades entre mercados medievales, espectáculos de animación en la calle, danzas, torneos, conciertos, toro nupcial y hasta una multitudinaria invitación a besarse bajo el toque de tambores en homenaje al amor y a los Amantes. La ciudad se traslada al siglo XIII gracias a las más de 17.000 personas vestidas al estilo medieval, 5.000 de ellas organizadas en torno a jaimas y campamentos recreacionistas, que se suman a los 120 actores con guión propio y los más de 400 figurantes que forman parte de las escenas teatrales que dan vida a esta historia de amor en los diferentes escenarios del centro histórico turolense. En esta edición, además, el conflicto cobra especial relevancia en las escenas teatrales que contarán con «matices diferentes, toques de violencia y giros de guión», porque «el teatro sin conflicto no funciona», asegura la directora artística del evento, Marián Pueo, poniendo como ejemplo la boda entre Isabel de Segura y don Pedro de Azagra, donde la joven se resistirá a dar el «sí, quiero», el viernes por la mañana. También se notará este conflicto en la escena de la llegada de Diego de Marcilla a la ciudad, cuyo guión resultó ganador del concurso organizado al efecto, con las diferencias que existen entre el Teruel de 1212 y el de 1217, que refleja, según Pueo, «la evolución psicológica» del personaje y también «el ambiente de taberna y libración, junto con el drama que se empieza a oler». A las escenas teatrales le acompañará el ambiente en la calle y el mercado medieval, que en esta edición contará con 237 puestos, de los que ocho serán tabernas, 98 de alimentación y el resto de bisutería y objetos tradicionales varios, así como el Torneo del Rey en honor a Jaime I, que tendrá lugar el sábado a las 17.00 horas en la Plaza de Toros de la ciudad. En el programa de actos, además, se contemplan una serie de eventos organizados por la Federación de Grupos que irán desde las exhibiciones gastronómicas a actividades cotidianas, de oficios o juegos tradicionales, así como muestras de orfebrería, de armamento o de instrumentos de tortura de la Inquisición. La pregonera en esta edición será la diseñadora turolense Rosa Blasco, quien saldrá al balcón del Ayuntamiento el viernes tras en enlace de Isabel de Segura y Don Pedro de Azagra y ya adelantó que las líneas del pregón se centrarán en la mujer de ahora, independiente y sin esperar a ningún príncipe azul. Todos los efectivos de la Policía Local de Teruel estarán operativos esos días, en los diferentes turnos, y también se contará con personal de seguridad privado como apoyo en las zonas del mercado y las jaimas, así como con la Policía Autonómica y unos 160 agentes de la Policía Nacional. Además, se desplazará a Teruel una unidad especial «anticarterista» desde Zaragoza, otra unidad de prevención y reacción (UPR) y, como novedad, también habrá una unidad canina para detectar drogas y estupefacientes. Y, si el tiempo no lo impide un helicóptero de la Policía Nacional vigilará desde el aire, como en años anteriores.
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El club taurino de Italia premia a Juan José Padilla, «leyenda viva del toreo»
Juan José Padilla no cesa de recibir reconocimientos a su carrera de esfuerzo, superación y victorias. Y no solo en España, también en el resto de Europa. Ahora ha sido el Club Taurino italiano la entidad que ha decidido otorgar su V premio Ópera Taurina al Ciclón jerezano. El club italiano subraya su «ejemplar trayectoria profesional» y ensalza así las cualidades del matador: «Gracias a su derroche de valor, entrega, técnica y dominio, el maestro de Jerez ha conseguido dominar todo tipo de toros durante casi tres décadas en activo en las que se ha enfrentado a los encastes más duros y peligrosos de la cabaña brava. Su capacidad de llegar a los públicos de todo el orbe taurino y su descomunal capacidad de superación le han permitido sobreponerse a los percances y le han convertido en leyenda viva del toreo». El acto de entrega, que congregará a aficinados de toda Italia, tendrá lugar el 28 de marzo. En anteriores ediciones fueron premiados Santiago Martín «El Viti», Paco Ojeda, Francisco Ruiz Miguel y Victorino Martín.
1 d
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Tres monumentos de Huesca entran en la Lista Roja de Patrimonio por su estado de «ruina y total abandono»
La Lista Roja del Patrimonio que elabora Hispania Nostra acaba de incluir a tres monumentos de Huesca por su estado de «ruina y total abandono». Los tres monumentos en «situación crítica» son el imponente conjunto de torreón defensivo e iglesia de Claravalls (Arén), la ermita de San Saturnino de Aguascaldas, en el valle de Bardají; y, por último, la Torre de Fernando VI o Castillo Nuevo del camino viejo a Oza, del siglo XVIII. El conjunto de torreón defensivo e iglesia de Claravalls (Arén) se construyó a partir del siglo XI, de propiedad privada. Se trata de un torreón de tres plantas fechado en el siglo XVI aunque posiblemente el primer tramo sea más antiguo, que forma parte de un conjunto fortificado más amplio. A escasos metros se haya la iglesia, de origen románico, probablemente del siglo XI. «Se encuentra en ruina generalizada y cubierto por vegetación, aunque el torreón mantiene un aspecto digno, al menos exteriormente», explican desde Hispania Nostra. El segundo monumento es la ermita de San Saturnino de Aguascaldas, en el valle de Bardají. Como el anterior, es del siglo XI y también está en manos privadas. Se trata de una ermita de estilo románico lombardo de la que se ha perdido el recuerdo de su devoción. «No goza de ninguna protección y está a punto de derrumbarse por completo», explica este organismo en su comunicado. El último de los monumentos es la Torre de Fernando VI o Castillo Nuevo del camino viejo a Oza, del siglo XVIII. En el antiguo Camino a Oza, en el Valle de Hecho se pueden apreciar los restos de una edificación militar conocida como Torre de Ysil, cuya construcción se ha venido adjudicando a Tiburcio Spannocchi en tiempos de Felipe II, hacia 1592.
1 d
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Bilbao BBK Live cierra su cartel con más de 50 nombres nuevos
El festival Bilbao BBK Live, que se celebrará los días 9, 10 y 11 de julio en Bilbao, cierra hoy el cartel de su edición 2020 incorporando 54 nuevos nombres para sumar un total de 93 artistas y bandas. En este nuevo anuncio se incorporan Fontaines D.C., cuyo sonido post-punk e influenciado por bandas como The Clash o The Pogues ha llamado la atención de los jóvenes y de la generación que vivió los ochenta con fervor. También de Irlanda, aunque afincados en Londres, llegarán Bicep, con un enfoque abierto y sin reglas para la creación de su música que les ha permitido establecerse en una posición única en la industria del baile. Blood Orange, productor, multi-instrumentista, compositor, director, vocalista y una de las voces más influyentes en la música de hoy en día, ha sido comparado con Kendrick Lamar o D’Angelo por su reflexión en torno a la identidad del hombre negro. Se suman también Meute, la Techno Marching Band alemana que ha logrado revolucionar el concepto de música electrónica, desvinculándola de los platos de DJ con su legendario show en vivo, que ya es sold out en toda la gira que comienza la semana que viene. <iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/CIbaqtcU0uI" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> Otra incorporación especial será la música inclasificable de Moses Sumney, con su inconfundible y singular falsetto, que usa como un instrumento singular más para explorar su indie rock orquestal y profundamente experimental. El misterioso cowboy enmascarado Orville Peck es un fenómeno en plena eclosión y está seduciendo por igual a la crítica musical como a quienes dictan la moda. La Casa Azul, capaz de mezclar la música disco de los setenta con el europop de los noventa, volverá a invitar al baile en la pista de Kobetamendi. Espacio Basoa Este año, el espacio Basoa apuesta por el máximo disfrute de la música electrónica en un entorno natural que invita a la evasión y al goce pleno de la percepción sonora. Como el año pasado, el jueves vuelve a ser una jornada muy LGTBI, con The Black Madonna como plato fuerte, con su extraordinaria calidad musical, tanto en la selección como en la técnica. También el juevesllegará el infeccioso disco groove destilado por Severino y Jim Stanton en sus producciones, mezclas y sesiones como Horse Meat Disco y la explosiva mezcla de breakbeats, riffs y scratches de hip-hop, bajos retumbantes y espíritu disco de Eris Drew. Se podrá disfrutar del crisol de influencias de Josey Rebelle, que abarca desde el house y el techno más primigenios al jungle, los rare grooves, y el garaje. Julian Falk, que fue la sorpresa del año pasado y que, tras su increíble sesión, este año inaugurará Basoa. El viernes actuará un icono de la música electrónica, Carl Craig, visionario creativo que ha servido de inspiración para muchos artistas de la escena underground. Además se contará con el brillante talento de Palms Trax; Call Super con su música de fascinantes capas e intricada textura, tejida con la meticulosidad y cariño; Identified Patient, una de las sorpresas más refrescantes y atractivas surgidas de la siempre vibrante y prolífica escena holandesa; y la iraní Mozhgan, quien completa el cartel de la jornada con conceptos sonoros en apariencia contradictorios y dispersos de los que obtiene una mezcla coherente y subyugante.<iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/apQpGDUxcVA" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> Después de dos años consecutivos, el DJ y productor barcelonés John Talabot vuelve para protagonizar uno de los momentos más especiales del festival, el cierre de Basoa. Redrago es el proyecto electrónico conjunto de Red Axes con el fundador del sello Life and Death DJ Tennis, ofreciendo en sus dj sets una propuesta disco psicodélica de música italo y trance rock israelí, con muchos elementos propios de las raves más locas. Silvia Jiménez, aka Jasss, mostrará su voz surgida de una esencia EBM, industrial y áspera, que ha evolucionado a una música de grandes dimensiones, única e intransferible. Lena Willikens se mueve por sus emociones y por un espectro mucho más amplio de intereses que van del arte contemporáneo al cine y la literatura que de alguna manera en entremezclan en sus fascinantes sets y en sus instalaciones audiovisuales. Tras su paso dos años por Hirian y cerrando la programación de Basoa el sábado, llega el ilustre, peculiar e inimitable DJ, Dave P, quien se describe a sí mismo como pionero del Sonido Futurista. Para bajar revoluciones Con la premisa de no superar los 100 bpm, el ritmo al que late el corazón, se presenta el espacio Lasai, en una ubicación privilegiada, rodeada de cipreses, apartada del bullicio del festival y con impresionantes vistas sobre la ciudad de Bilbao. La programación de Lasai cuenta en esta edición con dos comisarios invitados. El cartel del sábado ha sido comisariado por Lena Willikens, mientras que las jornadas del jueves y el viernes correrán a cargo de la emisora online Red Light Radio, con sede en el Barrio Rojo de Amsterdam y a día de hoy uno de los medios especializados en música electrónica más influyentes a nivel internacional. Además, cada día emitirán en streaming y grabarán las sesiones de Lasai. Lasai permitirá bailar a bajas revoluciones con la intensa, oscura y psicodélica música de Charlotte Bendinks y explorar los límites del dance a tiempos medios con el Dj y productor francés Cosmo Vitelli. La música dancehall, el arte sonoro y los territorios del techno serán explorados por Low Jack (Philipphe Hallais), autor del aclamado ‘Riddims du Lieu – dit’, de su propio sello Editions Gravats y colaborador del proyecto de techno experimental Rainforest Spiritual Enslavement que comparte con Dominik Fernow. El toque más ambiental lo pondrán la Dj, compositora y productora Yu Su, moviéndose por texturas naturales y sonidos “jazz-bient” y la francesa Marylou con sus sonidos oníricos con ruidos improvisados y cuerdas. El talento nacional estará representado por Katza, co-fundador del colectivo vasco Paraleloan, que mezcla el postpunk, dub y la música industrial, y el dúo Barcelonés Iro Aka, fusionando downtempo, house, techno y ambient.<iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/oz5mwPXUETU" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> Se suman el francés Ivan Smagghe quien, con más de una década de lanzamientos publicados, incluyendo su proyecto con Black Strobe, hará brillar la pista de baile con sus temas más oscuros de electro house. También habrá espacio para los beats industriales con raíces noventeras del holandés Zohar, los grooves disco tribales con potentes sonidos de tambores de Bufiman (también conocido como Wolf Mueller o Diskoking Burnhart McKoolski), el oscuro y sofisticado techno y deep house de Xhamana Johnes y la fusión única que crean los holandeses Beesmut Soundsystem, con su habilidad de empastar distintos estilos diferentes como el minimalismo de los 80, afrohouse, acid, exotica y electro. La lista continúa con artistas emergentes de la escena underground holandesa como Upsammy, que crea ritmos futurísticos del techno inspirado en la ciencia ficción; y Max Abysmal, que traerá su fusión de sonidos ambientales, el funk de los 80, techno y matices lo-fi, con el que, sin duda, experimentaremos su combinación de tiempos pausados y altas intensidades. El cartel lo completa la también holandesa Lena Willikens, que en esta ocasión estará mano a mano con El Tigre Sound, y que con su magia improvisando a los platos hará de su directo algo inesperado y único. A la próxima edición de Bilbao BBK Live también llega la banda de culto Ho99o9, conocidos por su estilo incendiario y confrontacional y un sonido en el que los ritmos y códigos del hip-hop, el punk y el rock más pesado convergen con naturalidad y fuerza. El rapero californiano SiR llega con un material influenciado por el R&B funk y el soul que potencia su estilo fluido y ligero y para el que ha contado con la colaboración de músicos de la talla de nuestro cabeza de cartel Kendrick Lamar, o Lil Wayne. The 2 bears, formado por Raf Rundell, cofundador de 1965 label y Joe Goddard de Hot Chip cerrarán la carpa el jueves de una de las formas más divertidas. Los Bitchos mostrarán por qué se han convertido en poco tiempo en uno de los nombres más reclamados de la escena londinense. Los ingleses Working Men’s Club presentarán su material en Bilbao BBK Live, estrenando el pasado 2019 ‘Bad Blood,’ su single debut, en un ejercicio de revival del post punk de las décadas de los setenta y ochenta. También se suman al cartel Scalping, conjunto de Bristol formado en 2017 a partir de un amor por la visionaria música de baile y el ruido y la velocidad del punk; y Ghum, con su mezcla fascinante que une cold-wave, grunge y post-punk. Entre la amplia propuesta de talento estatal conviene seguir la pista al vigués Sen Senra. No exageramos si decimos que ‘Sensaciones’, su nuevo trabajo, era uno de los discos más esperados por crítica y público de los últimos tiempos. Desde Asturias, Fasenuova han desarrollado una de las trayectorias sonoras más ferozmente personales e inimitables en el ámbito de la electrónica. El bagaje del dúo es tan descomunal que es inútil jugar al juego de buscar referencias para su obra. Desde el sur, en Colectivo Da Silva se encuentran siete músicos de Granada que llevan desde 2017 siendo una de las joyas escondidas de nuestro pop. Otro descubrimiento más que recomendable es el pop-rock alternativo y noventero de Yawners. Hay que escuchar en directo el proyecto de la salmantina Elena Nieto, a quien acompaña a la batería Martín Muñoz, para comprobar que las comparaciones con The Breeders no se quedan nada cortas. Buscando en el underground madrileño encontramos a Megansito el Guapo, con un evidente enfoque pop, pero con unos cimientos basados en géneros de la electrónica que van desde el UK garage al house, pasando por el dubstep o el breakbeat. Y criada en plena Ruta del Bakalao, los fetiches de Topanga Kiddo van desde la EBM de los noventa hasta las nuevas fluctuaciones del underground británico. <iframe width="500" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/IwT2zQa4dL4" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe> La frescura y el desparpajo del debut del dúo gallego afincado en Madrid Blanco Palmera ha supuesto una de la grandes sorpresas del pasado año. A los platos, Daniless llega para ofrecer una auténtica avalancha de diversión a base de rock poderoso, temas pop contundentes y hits incontestables. Residente de la Sala Apolo (Club Nitsa Barcelona), DJ Pegatas es un coleccionista empedernido de vinilos que asegura una fiesta allá donde va. Jugando en casa tendremos a Amorante, el proyecto del etnomusicólogo guipuzcoano Iban Urizar, que tiene como finalidad dejar a un lado los prejuicios musicales y que nos hará vivir sin duda uno de los momentos más especiales de esta edición. No menos interesantes son TOC, que llegan desde Mungia para presentar las canciones de su debut, plagadas de melodías pegadizas.
1 d
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Girauta reta a Ada Colau a un debate público sobre Miguel Hernández para demostrar que «no sabe nada»
En Twitter anda el juego. El enrevesado juego, más bien, que ha acabado con un último tuit de Juan Carlos Girauta retando a un debate público a Ada Colau para demostrarle que «no sabe nada» sobre el poeta Miguel Hernández. Es lioso, así que vamos a ir paso a paso. Todo empezó con un tuit del presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, en donde se mostraba contrariado por la decisión del Ayuntamiento de Madrid de prescindir de los versos de Miguel Hernández en el cementerio de La Almudena por resignificar el memorial sobre la Guerra Civil, en intención del Ayuntamiento. Así se refería a ello Pedro Sánchez: «Los nombres de las víctimas y los poemas de Miguel Hernández nunca se borrarán de nuestra memoria, aunque lo intenten. Somos muchos los hombres y mujeres que sabemos que conservar viva esa memoria es la mejor manera de impedir que la barbarie se repita». Sintiéndose interpelado, el alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida, recogió el guante y le lanzó un derechazo en forma de tuit: «¿Me puedes confirmar si el que te ha escrito este tuit es el mismo que escribió tu tesis?».<blockquote class="twitter-tweet"><p lang="es" dir="ltr">¿Me puedes confirmar si el que te ha escrito este tuit es el mismo que escribió tu tesis? <a href="https://t.co/pAkrzkQgS3">https://t.co/pAkrzkQgS3</a></p>— José Luis Martínez-Almeida (@AlmeidaPP_) <a href="https://twitter.com/AlmeidaPP_/status/1229826838744256512?ref_src=twsrc%5Etfw">February 18, 2020</a></blockquote> <script async src="https://platform.twitter.com/widgets.js" charset="utf-8"></script> Seguimos. A este tuit de Martínez-Almeida le siguió ahora uno de la alcaldesa de Barcelona, Ada Colau, que quiso censurar la decisión del consistorio madrileño con estas palabras: «Sr Alcalde, el Madrid que yo conozco ama la cultura y respeta y admira al poeta Miguel Hernández. Qué tristeza».<blockquote class="twitter-tweet"><p lang="es" dir="ltr">Sr Alcalde, el Madrid que yo conozco ama la cultura y respeta y admira al poeta Miguel Hernández. Qué tristeza. <a href="https://t.co/ObNON6AeBS">https://t.co/ObNON6AeBS</a></p>— Ada Colau (@AdaColau) <a href="https://twitter.com/AdaColau/status/1230051125467983872?ref_src=twsrc%5Etfw">February 19, 2020</a></blockquote> <script async src="https://platform.twitter.com/widgets.js" charset="utf-8"></script> Y aquí, ya por último y como curioso estrambote, llegó el Juan Carlos Girauta, exdirigente de Ciudadanos, para poner en cuestión el conocimiento literario del poeta alicantino por parte de la regidora catalana. «Usted no sabe nada de Miguel Hernández, Colau. Se lo demuestro cuando quiera en debate público». ¿Habrá contestación?<blockquote class="twitter-tweet"><p lang="es" dir="ltr">Usted no sabe nada de Miguel Hernández, Colau. Se lo demuestro cuando quiera en debate público. <a href="https://t.co/1FAea1J8vD">https://t.co/1FAea1J8vD</a></p>— Juan Carlos Girauta (@GirautaOficial) <a href="https://twitter.com/GirautaOficial/status/1230249223121244163?ref_src=twsrc%5Etfw">February 19, 2020</a></blockquote> <script async src="https://platform.twitter.com/widgets.js" charset="utf-8"></script>
1 d
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Los Beatles ganan un juicio millonario contra la venta «online» de «merchandising» falso
Apple Corps, la compañía que los Beatles fundaron en 1968 para gestionar sus asuntos empresariales y financieros, acaba de ganar 77 millones de dólares en una demanda interpuesta contra 77 negocios «online» (un millón por cada uno de ellos) de «merchandising» falso de la banda en Internet. El fallo, que llega dos meses después de que Apple Corps se asociase con la empresa de Sony The Thread Shop para crear y vender productos de los Beatles en Norteamérica, establece que «los demandados están promocionando y publicitando, distribuyendo, vendiendo y/u ofreciendo a la venta productos en el comercio interestatal, y/o utilizando marcas falsificadas e infractoras que son copias exactas de una o más marcas de Apple Corps, como "Beatles", "The Beatles" y/o "Yellow Submarine", a través de sitios web comerciales de internet o tiendas de comercio electrónico basadas en internet». En el juicio, que ha tenido lugar en un juzgado de Florida, ha quedado demostrado que «los demandantes sufren daños irreparables y han sufrido daños sustanciales, como resultado del uso no autorizado e ilícito de las marcas de los demandantes», y considera que «si la falsificación y la infracción de los demandados y las actividades injustamente competitivas no son prohibidas de manera preliminar y permanente por este Tribunal, los demandantes y el público consumidor continuarán siendo perjudicados». El problema es que Apple Corps podría no llegar a cobrar nunca la indemnización millonaria, ya que los creadores de estos sitios web no han sido identificados, y como era de esperar, ninguno de los 77 se ha presentado en el juicio. Aun así, la jueza del caso, Beth Bloom, ha sido benévola con los acusados ya que la Ley establece que puede imponerse una indemnización de hasta dos millones de dólares por asuntos como este. «El laudo debería ser suficiente para disuadir a los acusados y a otros de seguir falsificando o infringir las marcas registradas de los demandantes, y para compensar a los demandantes y castigar a los acusados», asegura la magistrada. Los Beatles crearon Apple Corps para reemplazar a su primera compañía, Beatles Ltd., y su primera división fue Apple Records, que sirvió como sello discográfico para los discos de The Beatles a partir de 1968 y de los álbumes publicados por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr hasta 1975. Otras divisiones dentro de la corporación Apple son Apple Electronics, Apple Films, Apple Publishing y Apple Retail.
1 d
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Muere Jean Daniel, grande del periodismo francés y fundador del «Nouvel Observateur»
Ha muerto Jean Daniel (Blida, Argelia, 21 julio 1920). Francia pierde uno de sus más grandes periodistas de la segunda mitad del siglo XX, testigo y cronista excepcional de grandes procesos históricos, a ambas orillas del Mediterráneo. Daniel nació a cincuenta kilómetros de Argel, en el seno de una familia judía muy numerosa. Toda su formación, cultura y grandes aventuras personales pasan por el diálogo entre Argelia, el Magreb, Oriente Medio, Francia, Europa. Estudió filosofía en Argel, donde descubrió la gran literatura francesa del siglo XX: André Breton, André Gide, Louis Aragon, André Malraux, Proust… Muy joven, se enroló como voluntario en la División blindada del general Leclerc, con la que entró en París, como compañero de armas de los soldados españoles que fueron los primeros en iniciar la reconquista de la capital de Francia. Terminada la guerra, Daniel comenzó su gran carrera literaria, política y periodística. Su encuentro con Léon Blum le descubrió un socialismo no comunista al que sería fiel toda su vida. En las páginas del diario “Combat” coincidió con Albert Camus, su gran amigo, incluso después de enfrentamientos íntimos en torno a la cuestión argelina. Tras una breve etapa como profesor, en Oran, Daniel volvió a París para consagrarse ya para siempre al periodismo, en el legendario semanario “L’Express” fundado por Jean-Jacques Servan-Schreiber (JJSS). Aquella aventura duró hasta que Daniel se embarcó en el gran proyecto periodístico de su vida, la fundación del semanario “Le Nouvel Observateur” (actual “Observateur”), que fue, durante varias décadas, el semanario de referencia de la izquierda no comunista francesa. Desde el “Nouvel Obs”, Jean Daniel ejerció un magisterio cultural y político que Hubert Vedrine, consejero de Mitterrand, ex ministro de asuntos exteriores, calificó de “hombre de Estado”. Daniel y reunió en torno al “Nouvel Obs” a la más influyente inteligencia de la izquierda no comunista francesa. Y fue el más fiel e implacable de los compañeros de viaje del socialismo francés. Su magisterio periodístico y cultural fue más allá de ese compromiso político. Jean Daniel ejerció un magisterio cierto en terrenos tan capitales como la guerra de Argelia, las crisis de Oriente Medio, las relaciones entre Francia, Europa y el Mediterráneo. El mes de junio de 2004 recibió el premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades, y me declaraba: “El déficit de ideas impuesto por el periodismo audiovisual es una amenaza temible” [ .. ] “No sabemos si el siglo XXI será el de la religión, tal como profetizó Malraux, o el de la mujer, como esperaba Mitterrand. Kissinguer cree que la primera mitad de este siglo será americana y la otra mitad será china. ¿Quién está en lo cierto? Todos compartimos una certeza: el principio del tercer milenio ya está dominado por los flujos migratorios y los refugiados que huyen y son perseguidos por todas partes. A mi modo de ver, este siglo que comienza será el del Extranjero. Recuerde a Albert Camus y a Emmanuel Levinas”.
1 d
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Las versiones que destrozaron clásicos del pop y el rock
Hay dos maneras de hacer bien una versión (siendo absolutamente fiel al original, o llevándolo a terreno propio con elegancia), pero muchas de hacerla mal. En la historia del pop y el rock ha habido estupendas reinterpretaciones de grandes clásicos de la música, pero también auténticos despropósitos que se hubieran hecho un favor a sí mismos quedándose en un cajón.
1 d
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«El mayor homenaje al grupo más grande»
«Es el mayor espectáculo que se ha hecho en homenaje al grupo más grande de nuestra música». Con este lema han presentado los responsables de «Cruz de navajas» el espectáculo basado en las canciones de Mecano que se estrenará el 3 de marzo en La Rambleta, en Valencia, desde donde viajará a Madrid. El 16 de abril se levantará el telón en la Carpa del recinto ferial de Ifema, el único escenario de la capital donde cabe el montaje, insisten sus responsables, que añaden que no se parece a ningún otro tributo que se le ha hecho al grupo. «Cruz de navajas» -título tomado de una de las más populares canciones del trío madrileño- es una idea del productor Gonzalo Pérez Pastor. «Hace ya siete u ocho años que me rondaba por la cabeza -dijo ayer-. Mecano es el grupo español más importante de todos los tiempos y con este espectáculo le queremos ofrecer un sentido reconocimiento». En la concepción de «Cruz de navajas» no ha intervenido ninguno de los tres miembros de Mecano -los hermanos José María y Nacho Cano, y Ana Torroja-. «No olvidemos que se separaron hace casi treinta años y no sabríamos bien a quién dirigirnos para pedir su permiso», asegura Pérez Pastor. Pero, añade, «están al tanto del proyecto», del que les informa Javier Adrados, autor de la biografía del grupo, al que se encuentra vinculado desde hace varios años. Gonzalo Pérez Pastor se ha rodeado de un equipo que conforman Sergio Alcover como director artístico; Eva Boucherite (coreógrafa y ayudante del director artístico); Isaac Ordóñez (director musical) y Eduardo Moreno (escenógrafo y director técnico). De entre los más de dos mil doscientas personas que se presentaron a las audiciones quedaron los veinte cantantes-bailarines y los nueve músicos (más Ordóñez) que conforman el espectáculo». Entre los cantantes figuran nombres conocidos como Ondina Maldonado o Mikel Herzog. «No es teatro musical ni hay un hilo argumental-insisten Gonzalo Pérez Pastor y Sergio Alcover-; es un espectáculo musical con veinticinco números en los que se interpretan treinta y cinco de las más emblemáticas canciones de Mecano, en el que cada uno tiene un universo diferente». Unas grandes pantallas led de más de 100 metros cuadrados son el entorno en el que se desarrolla el espectáculo. «Ha sido un gran reto -dice Eduardo Moreno-; hay cámaras y realización en directo y una presencia audiovisual muy poderosa. Se trata de un montaje de gran formato». «Es -concluye Sergio Alcover- muy emocionante, casi épico». Mecano, uno de los grandes grupos de la historia de la música española, estuvo en activo entre 1981 y 1992 (con una fugaz reaparición seis años después). Su éxito se extendió por toda Iberoamérica y por países europeos y americanos de habla no hispana. Publicaron seis álbumes, más un recopilatorio que motivó su reaparición, y vendieron más de 25 millones de discos en todo el mundo. En abril de 2005, y creado e impulsado por Nacho Cano, se estrenó el musical «Hoy no me puedo levantar», sobre las canciones del trío. Estuvo de gira durante más de cuatro años, y en 2013 se estrenó una nueva producción.
2 d
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Flamenco Festival: veinte años rompiendo barreras en Estados Unidos
«Breaking walls, uniting worlds» («Rompiendo muros, uniendo mundos») es el lema del Flamenco Festival de Nueva York, que celebrará sus veinte años de existencia del 13 de marzo al 6 de abril con un programa que se desarrollará, precisamente, en veinte espacios de la ciudad de los rascacielos. El festival reunirá, como es habitual, a un variadísimo puñado de artistas de nuestro flamenco, desde los ya consagrados María Pagés, Israel Galván, Rocío Molina, Miguel Poveda, Rocío Márquez, hasta representantes de las nuevas hornadas como Patricia Guerrero, Niño de Elche, Kiki Morente, Eduardo Guerrero y Rosario La Tremendita, entre otros. Una treintena de compañías ofrecerá en Nueva York (el festival se extiende este año a ocho ciudades de Estados Unidos) más de ochenta funciones. Consolidado ya dentro del calendario neoyorquino, el principal activo del Flamenco Festival ha sido presentar no solo a los grandes nombres de este arte y las propuestas más clásicas, sino que ha sabido apostar por las nuevas generaciones y las formas más innovadoras. Un solo ejemplo; mucho antes de convertirse en el fenómeno que es hoy, Rosalía actuó en el certamen que creó y dirige Miguel Marín. En veinte escenarios se dispersarán las distintas propuestas. A los ya clásicos New York City Center, Joe's Pub o Instituto Cervantes se suman otros menos habituales o inéditos dentro del certamen como el The King Juan Carlos I of Spain Center de la Universidad neoyorquina; el Baryshnikov Arts Center, el NYU Skirball o The Town Hall. Abrirán el festival Israel Galván con su espectáculo «Fla-co-men» y la joven bailaora Patricia Guerrero con «Proceso Eterno». En el apartado de baile seguirán María Pagés, Rocío Molina, Leonor Leal, Sara Cano, Siudy Garrido, Manuel Liñán, Eduardo Guerrero, María Moreno, La Chana y Mercedes Ruiz. A ellos se suman músicos tan distintos como José del Tomate, Niño de Elche, Dani de Morón, Yolam Silberstein, Agustín Diassera, Miguel Poveda, Lin Cortés, New Bojaira, Randy Brecker, Antonio Lizana, Oruco, Eduardo Trassierra, Kiki Peña, Pablo M Jones, Rocío Márquez, Miguel Ángel Cortés, Rosario «La Tremendita», Rancapino Chico, Los Aurora, María Terremoto, Chicuelo & Mezquida, Santiago Lara, Los Voluble y Kiki Morente.
2 d
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Arqueólogos descubren un templo en Israel de época bíblica
Un antiguo templo cananeo, de 3.200 años de antigüedad, ha sido descubierto en Israel. Era parte de una ciudad bíblica de Laquis, en donde ahora hay un parque nacional, según informa «The Daily Mail». En el lugar también se desenterraron calderos de bronce y joyas de antiguos dioses, dagas y cabezas de hacha ornamentadas con imágenes de pájaros y escarabajos. Hay que decir que Laquis, donde se encuentra el templo, fue encontrado por primera vez por el destacado arqueólogo William Foxwell Albright en 1929. Los arqueólogos de la Universidad Hebrea de Jerusalén y la Universidad Adventista del Sur en Tennessee consideran que se trata de una «oportunidad única» para estudiar a los cananeos, antigua civilización que se menciona con frecuencia en la Biblia. Concretamente, el profesor Yosef Garfinkel de la Universidad Hebrea de Jerusalén y el profesor Michael Hasel de la Universidad Adventista del Sur en Tennessee han dirigido al equipo de investigadores que descubrieron el templo. El templo de la Edad del Bronce tenía dos pilares y dos torres que conducían a una gran sala rectangular, algo inusual para la época, según Garfinkel, que estima que se trata de un hallazgo inusual puesto que un descubrimiento de este nivel ocurre por varias décadas. «Solo una vez cada 30 o 40 años tenemos la oportunidad de excavar un templo cananeo en Israel», dijo el experto al «Times of Israel».
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El franquismo, visto a través del pincel satírico de Antonio Saura
Entre 1958 y 1962 Antonio Saura llevó a cabo la serie «Mentira y sueño de Franco. Una parábola moderna», compuesta por 41 dibujos relacionados con el franquismo y la Guerra Civil. En 2005 se exhibieron algunos de estos dibujos de Saura en el Museo de Arte Moderno de Toulouse, y en 2017 se publicaron en un libro del mismo nombre, editado por Georg Editeur y Archives Antonio Saura, con un texto del artista, un ensayo de Bartolomé Bennassar y otros textos de Eduardo Arroyo. Pero nunca se había expuesto la serie completa. Desde hoy hasta el 17 de mayo, pueden verse los 41 dibujos en la Sala Goya del Círculo de Bellas Artes (el artista recibió la Medalla de Oro de la institución) en una muestra organizada junto con la Fundación Archivo Antonio Saura. Mordaces, iconoclastas, irreverentes en algunos casos, Saura tildaba sus dibujos de satíricos. Todos están titulados a mano por el artista en el anverso de la obra. Decidió no publicarlos en vida. Hubiera pisado, sin duda, la cárcel. Explicaba el propio Saura en un texto que «permanecieron durante muchos años ocultos por motivos obvios. Solo algunos amigos los conocieron en su momento. El franquismo fue ciertamente un fenómeno monstruoso que era preciso combatir –yo lo hice en la medida de mis posibilidades, casi siempre al margen de mi pintura–. Lo restringido de la difusión de estos dibujos los hizo inoperantes. Un consuelo: ni “Los Desastres de la Guerra”, de Goya, ni “Sueño y mentira de Franco”, de Picasso, ayudaron a la caída del despotismo». Marina Saura, hija del pintor y responsable de la Fundación Archivo Antonio Saura, comenta que siempre le preguntan por el compromiso político de su padre, si hizo una denuncia de la dictadura: «Fue muy claro. Creía que el arte no servía para cambiar el curso de la Historia. Pero no se mostró indiferente. Estos dibujos fueron hechos en la intimidad de su estudio, consciente de que no verían la luz pública, si no quería ir a la cárcel. No son caricaturas frívolas; son dibujos honestos, intemporales, por eso han sobrevivido. Son una especie de diario íntimo. No se dejaba llevar por lo fácil. Iconoclasta y muy riguroso con su estilo, era obsesivo: no dejaba salir de su estudio nada que no tuviera la calidad exigida, ninguna obra mediocre. Destruía, quemaba, rompía obras con el cúter...» El pintor, en el Reina Sofía Sobre por qué han tardado tanto en ver la luz, explica que hubo contactos con el Reina Sofía y con el Museo de Bellas Artes de Bilbao, pero, «por razones muy complejas», no fructificaron sendos proyectos. «No hubo un no por su parte, decían que querían exponerlos. A veces es por falta de dinero o por falta de Gobierno... Hubo una gran parálisis en las instituciones culturales durante años por la falta de Gobierno y de presupuesto. Pero en el Círculo de Bellas Artes están mejor que en esos museos. Es un espacio céntrico, muy vivo, con muchas actividades. En un gran museo hubieran quedado diluidos, se hubieran ahogado. Las obras se entienden aquí mejor», advierte Marina Saura. Fuentes del Reina Sofía consultadas no lo atribuyen ni al presupuesto ni a la falta de Gobierno, sino a un problema de fechas en la programación y, sobre todo, a que la obra antifranquista de Saura estaba «muy bien documentada y representada en las salas del museo. Hubiera sido un discurso reiterativo». La pinacoteca atesora la mayor colección de Antonio Saura en el mundo: medio millar de obras. De ellas, en la actualidad hay expuestas 20, más tres cartas de Saura a Alberto Greco. ¿Está suficientemente representado y expuesto su padre en el Reina Sofía? «Preferiría que hubiera expuestas más obras, hay mucho más que se puede enseñar. Pero está bien mostrado, no está mal. Hay grandes cuadros expuestos. Lo importante es que es un museo rico en obras de Saura y que sigan sacando obras para exponerlas», afirma Marina Saura. En 2008 abrió el Museo Fundación Antonio Saura en Cuenca, que cerró sus puertas en 2016. «Mi padre siempre dijo que no quería ningún museo con su nombre. Le parecían lugares tristísimos, casposos, mausoleos. Se hizo contra la voluntad de Antonio Saura», asegura su hija. Transparencia de 35 mm pintada por Antonio Saura en 1962, de su serie inédita «Foto-Grafía» - ANTONIO SAURA/SUCCESSION ANTONIO SAURA Diapositivas pintadas inéditas, salvadas milagrosamente de un incendio Al igual que a su hermano Carlos, a Antonio Saura le interesó mucho la fotografía. Coleccionaba cámaras y hacía fotos con ellas. Las diapositivas que salían mal eran desechadas y las guardaba en una caja de cartón. En verano de 1962 Saura y su mujer decidieron divertirse pintando esas diapositivas. Una especie de juego surrealista. Superponían tinta china negra y de colores sobre la transparencia y rascaban con plumilla o una espátula fina. Ese material se salvó milagrosamente. En primavera de 1979 un grupo de extrema derecha local, denominado «Beatos Julianos», cometió un atentado contra la casa del artista en Cuenca, que fue incendiada. Saura no cedió a la amenaza y decidió quedarse. Restauró la casa y guardó la caja con las diapositivas, que nunca habían visto la luz. La galería La Caja Negra de Madrid expone esta serie inédita, realizada en 1962, que el propio Saura tituló «Foto-Grafía». «Es un trabajo experimental vanguardista:las fotografías semejan cuadros. Recupera la fotografía y la lleva a su territorio», advierte Fernando Cordero, director de la galería. Marina Saura explica que su padre tenía un «Libro de vida», un cuaderno de bitácora, en el que anotaba, mecanografiado, todo lo que quería hacer en la vida, «una abrumadora cantidad de ideas, impecablemente ordenadas. Y ahí estaba esta serie». La edición consta de 17 obras, ampliaciones de diapositivas pintadas. La tirada es de ocho ejemplares numerados.
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Álvaro Cunqueiro, las sirenas y el articulismo mágico
Nada raro: las cifras bailan, como tantas otras cosas. Dicen que escribió entre veinticinco mil y cincuenta mil, aunque lo más seguro es que su producción rondase los veinte mil, que no está nada mal, sobre todo teniendo en cuenta que en cincuenta años de trayectoria nos sale a algo más de uno por día. La tarea se repetía de lunes a domingo: Álvaro Cunqueiro se sentaba enfrente de su vieja Smith Premier número diez y le arrancaba historias al presente y a su imaginación para llenarse los bolsillos. Lo recordó Elena Quiroga en su discurso de entrada a la RAE, en 1984: «Materialmente vivía de sus colaboraciones». Fue un método de subsistencia, sí, pero terminó siendo una «manifestación vital». Por eso siguió haciéndolo muy enfermo, hasta el final de sus días, con las piernas doloridas y casi ciego, aferrado a su lupa. Tenía que entregar su artículo y llegar a tiempo al cierre. Aunque se sentía poeta en lo profundo, y que además fue un espléndido novelista y ensayista, Álvaro Cunqueiro gastó buena parte de sus esfuerzos en la prensa diaria. Firmó en más de medio centenar de cabeceras, y se explayó en los temas más diversos: de la gastronomía a la brujería, pasando por la mitología, la poesía, la historia y la naturaleza, entre otros asuntos más o menos mundanos. De ellos da buena cuenta «Álvaro Cunqueiro. Al pasar de los años», una antología realizada por Miguel González Somovilla que acaba de editar la Fundación José Antonio de Castro dentro de la colección Biblioteca Castro. En sus páginas se recogen doscientas piezas que el literato pergeñó entre 1930 y 1981, y que funcionan como una suerte de caleidoscopio literario y vital, quizá la única forma posible de retratar a este gallego ilustre. «He querido que esta antología sea un reflejo de este medio siglo de articulista, pero también agruparla temáticamente porque es la manera de acercar al lector a las preocupaciones y saberes de Cunqueiro», explica al otro lado del teléfono González Somovilla. En esa heterogeneidad inevitable está siempre presente el particular aliento de este autor, erudito y a la vez asequible, gracioso y lúdico, nunca pesado. Lo dejó claro él mismo en el artículo que da título a este libro, publicado en «Faro de Vigo» el 27 de mayo de 1964: «Quiero deducir y mostrar que la vida es inmensamente rica y que el aburrimiento es una traición». En las conversaciones lo repetía constantemente: «La tristeza es un lujo que solo se pueden permitir los jóvenes». La selección está llena de joyas, algunas rabiosamente modernas o directamente impensables hoy, como esa vez que trató de predecir los resultados de la jornada liguera con las cartas del tarot. El texto, titulado «Pronósticos de Álvaro Cunqueiro según la cartomancia», relataba con todo lujo de detalles el proceso adivinatorio, y prometía contundentes victorias para los cuatro equipos gallegos, a saber: Celta, Pontevedra, Orense y Deportivo. No dio ni una. Tres días después los lectores amanecieron con un nuevo artículo del poeta, en el que achacaba sus errores al «factor campo» y donde confesaba no saber nada de fútbol. Lo llamó «Causas posibles de un fallo». En «Teoría e iluminaciones del aguardiente» rastreó los orígenes y derivas de esta bebida. Pasa por la abadía de Cluny y por Betanzos, Orense y Cazalla, y nos alerta: no tenemos que soplar después tragar, no vaya a ser que «nos vaciemos del calor del aguardiente, que llevamos tan adentro, como si fuese fe católica». En otro ingenio memorable, dedicado a las empanadas, incide en que «el gallego, y desde tiempos remotos, lo ha empanado todo», para más tarde enumerar los mil y un tipos de rellenos que existen, separando los de verano de los de invierno, como la ropa. La de chocos es para «el primer día de primavera», y la de zorza sirve como remedio contra el frío, según la tradición. La de vieria, por su parte, nunca viene mal, pues «perfuma el pan hasta un grado insospechado». Al final, todo estos conocimientos aparentemente inútiles, insistía, mejoraban el sabor de las cosas, porque a él le ocurría como a Bertrand Russel, que descubrió que «le gustaban más los melocotones desde que supo que vinieron de China, que los cultivó el gran rey Janiska, que de allí pasaron a Persia y que hubo equívocos lexicales cuando llegaron a Europa». Son un par de anécdotas, pero resumen muy bien su carácter. «Era un escritor de fantasía, que iba a contracorriente, con tendencia al anacronismo. Describió la Galicia de su época y las anteriores con una maestría difícilmente superables. Defendía la importancia de los sueños, la imaginación, eso sigue siendo esencial para cualquier persona», asevera el antólogo. Cuentan que se enfadaba mucho cuando le negaban la existencia de las sirenas, como si le faltaran al respeto. Luego se ponía serio y diseccionaba la poesía de Ezra Pound o de Paul Éluard. O perfilaba la figura de Unamuno. O dibujaba las leyendas de su tierra. O abrazaba la nostalgia y cantaba como nadie el paso y peso del tiempo. Y después, cuando le entraba el hambre, investigaba la historia de las perdices de Gomariz o del bacalao lusitano. Y lo escribía en sus artículos. Con mucha magia.
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Londres utiliza los Mármoles del Partenón para caldear el Brexit
Seguramente este puede ser uno de los mejores ejemplos para explicar cómo la demagogia y el amarillismo de la prensa inglesa ha conducido a una mayoría de británicos hacia posiciones antieuropeas. Se mezcla una media verdad con ingredientes que excitan los sentimientos nacionalistas más primarios y se apunta hacia la Unión Europea como culpable. La última de estas maniobras ha sido la publicación de noticias que daban por hecho que en la negociación sobre las futuras relaciones con el Reino Unido, la UE pretendería poner como condición absoluta la devolución de las carátides y otras esculturas de la Grecia clásica que se conocen como los Mármoles del Partenón y que se encuentran en el Museo Británico. Nada mejor para preparar la sociedad británica para el ambiente de regateo que se va a extender durante este año, cuando se han de negociar las características de la que será la nueva relación con la UE. Salvo que no es verdad ni en estos momentos le conviene al Reino Unido plantear esta negociación como un pulso sentimental, porque esa sería la principal garantía de fracaso. Posibles conflictos La realidad es que en el diseño del mandato negociador, el embajador de Grecia propuso que se añadiese un punto en el que se señala la conveniencia de que haya un mecanismo de resolución de conflictos para el caso de que en el futuro hubiera disputas sobre obras de arte o bienes arqueológicos. La cuestión parece necesaria teniendo en cuenta que Londres pretende salir de la jurisdicción del Tribunal Europeo de Luxemburgo, pero según fuentes diplomáticas europeas de toda solvencia, esa frase habla del «retorno o restitución de objetos culturales retirados ilegalmente de sus países de origen», pero se refiere a futuros posibles conflictos, no tiene ningún efecto retroactivo. De hecho, Italia también apoyó esta propuesta y los demás países asintieron. Otra cosa es que Grecia no tenga ninguna intención de renunciar a la histórica reclamación de «sus mármoles», que es también una especie de causa nacional. Las esculturas fueron trasladadas a Londres a principios del siglo XIX por el embajador británico Lord Elgin, con la autorización del sultán otomano, puesto que la Grecia actual no existía todavía. Este las vendió después al Museo Británico. Los británicos han sostenido históricamente que en Grecia no había un museo adecuado para albergarlas y ahora que ya lo han hecho, la ministra de Cultura, Lina Mendoni, ha vuelto a insistir en que «nunca nos rendiremos» y en un reciente acto en el Museo de la Acrópolis, que es donde podían ser albergados los mármoles con toda garantía, adelantó que esperaba recibir más apoyo de sus colegas europeos a medida que el Brexit disminuya la influencia de Gran Bretaña en la UE. Al Gobierno conservador griego también le viene bien levantar la moral de un país que ha sufrido tanto durante la crisis, aunque sea con una cuestión que no duró más que un día en los periódicos. En efecto, los responsables griegos saben muy bien que se trata de una mención simbólica y que a fin de cuentas, como reconoció un embajador comunitariom «no hay ninguna posibilidad de que Grecia vete un acuerdo a causa de los mármoles». Y si no hubiera un acuerdo, esta sería la última de las preocupaciones.
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Chichon: «La Orquesta Filarmónica de Gran Canaria no contratará a una directora por cuestión de género»
El director titular y artístico de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Karel Mark Chichon, habla por fin sobre la polémica cancelación del concierto programado para el próximo día 13 de marzo y que iba a dirigir el prestigioso director Charles Dutoit. A prácticamente un mes del evento, el representante del maestro suizo, Gintautas Kevisas, se enteraba por la prensa de la suspensión por una decisión política de la consejera de Cultura del Cabildo de Gran Canaria, Guacimara Medina, que afirmó que cancelaban el contrato con Dutoit para que el concierto lo dirigiera una mujer, una directora -sin proponer ningún nombre- para encuadrarlo en los actos de reivindicación de la mujer en marzo. «Discriminación por sexo» Kevisas se mostró profundamente decepcionado en lo que considera una «discriminación por motivo de sexo» y por lo que criticó a la duramente a la consejera: «No buscan un músico, buscan a una mujer», comentó quien fuera director del Teatro Nacional de Ópera y Ballet de Lituania. Por su parte, Karel Mark Chichon atendió a ABC para lamentar que esta suspensión «no haya sido consultada con él» previamente, saltándose así la vía artística para suspender un concierto por «intereses políticos», lo que, desde su punto de vista, supone un «incumplimiento de su contrato» en el que se comprometieron, en el momento de la firma, a que en estas decisiones «deberían participar juntos». Lo hace tras tener un encuentro personal con la consejera, reunión que no se pudo celebrar antes porque el director se encontraba desde principios de año en Nueva York, dirigiendo «La Traviata», de Verdi, en el Metropolitan Opera House. De esta manera, el director titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC) acepta la petición de la consejera para buscar una sustituta, aunque advierte que su selección será siempre «buscando el interés cultural y artístico» de la orquesta, manteniendo al margen las «cuestiones políticas y de género». «Adelanto que habrá mujeres, obviamente», nos avanzaba Chichon con cierta resignación, «pero no por su condición de género, sino por su capacidad artística y predisposición», continuó. Sin embargo, la selección se le antoja compleja al director británico, pues «a estas alturas de la temporada, no todos los artistas están disponibles», anunció, aunque confía en poder presentarle la lista definitiva de nombres a la consejera a principios de la próxima semana para que sea la Comisión Ejecutiva la que decida. Y es que planear y programar un concierto -trabajo que suele ser arduo y se hace con más de año y medio de antelación- en menos de un mes no es tarea fácil. Según fuentes, el director artístico de la OFGC ha tanteado a la directora española Isabel Costes, aunque esta habría rechazado la proposición por «falta de disponibilidad». Aún así, de conseguirse una directora, será necesario cerrar lo antes posible un programa porque, de requerir un solista, la consejera desea que esta también sea mujer. En cuanto al papel de Charles Dutoit, su representante ha comunicado que «no están de acuerdo» ni con la cancelación del concierto ni con la manera de gestionar la suspensión por parte del Cabildo de Gran Canaria. Según Kevisas, el Ejecutivo insular no se ha molestado en «sentarse a hablar» sobre el concierto, que tanto él como Dutoit querían llevar a cabo para «que el público de la isla lo disfrutara». «Me enteré de la cancelación por mis vecinos, que lo vieron en el periódico», comentaba atónito el representante. «Nadie me llamó desde Gran Canaria», continuaba sorprendido explicando que es la primera vez que le ocurre en 30 años de carrera. Sin embargo, ante la nula reacción por parte de las instituciones canarias, Dutoit se ha visto obligado a contactar con sus abogados en lo que consideran una rescisión del contrato por «discriminación», y presentarán una demanda contra el Cabildo. Por su parte, la consejera les «invita» a interponer una denuncia en la vía que corresponda para «reclamar lo que ellos consideren que les pertenece», mientras intentaba quitar hierro al asunto: «no es más que la resolución de un contrato». Cancelar el contrato que la consejera negó haber firmado costará 30.000 euros La consejera socialista de Cultura, Guacimara Medina, aludió en su día a «cuestiones técnicas y operativas» como motivo de la cancelación del contrato con Dutoit. En declaraciones a nuestro periódico y en una entrevista radiofónica que hizo a «El Espejo Canario», la consejera ha comentado que el contrato no fue firmado por ella: «La programación de las orquestas se prepara a dos años vista, así que, en cualquier caso, este contrato es anterior a mi mandato», afirmaba Medina para desmarcarse de una posible incongruencia al ser ella misma quien decidiera cancelar el concierto. Asimismo, la consejera afirmaba «tener el poder» de cancelar los conciertos de la orquesta de la isla y alterar los programas que creyeran oportunos. ABC ha tenido acceso al contrato del concierto del maestro Dutoit para el próximo 13 de marzo, confirmando que está firmado por Guacimara Medina Pérez y el representante del director suizo, Gintautas Martynas Kevisas. El concierto se cerró -tras más de un año de negociaciones, eso sí- el 8 de noviembre de 2019, por lo que la actual consejera de Cultura, al frente de la Comisión Ejecutiva de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, ha cancelado un concierto que ella misma contrató hace apenas tres meses y por el que el Cabildo insular deberá indemnizar, según fuentes cercanas al caso, con 30.000 euros a Dutoit.
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El rapero Pop Smoke, asesinado a tiros en su casa de Los Ángeles
El rapero Pop Smoke, que con 20 años era una de las figuras ascendentes del hip-hop estadounidense, fue asesinado este miércoles a tiros en su casa de Los Ángeles (EE.UU.), informó el medio especializado en noticias de famosos TMZ. Al menos dos personas vestidas con capuchas y máscaras entraron a tiros en la residencia del artista en Hollywood Hills hacia las 4.30 de la madrugada del miércoles (12.30 GMT), según fuentes policiales citadas por el portal. Los disparos de los asaltantes hirieron a Pop Smoke, que fue trasladado por los servicios de emergencia al hospital Cedars-Sinai Medical Center de Hollywood, donde finalmente falleció. Una de las hipótesis barajadas por las autoridades es la del robo, aunque no hay confirmación oficial al respecto. Los sospechosos huyeron de la casa a pie. TMZ asegura, asimismo, que en el lugar del asesinato hubo una fiesta o reunión durante la noche. Bashar Barakah Jackson, por su nombre real, era originario de Nueva York y en 2019 presentó su álbum debut, "Meet the Woo", en el que se encontraba su exitoso single "Welcome to the Party". Su segundo disco, "Meet the Woo, Vol. 2", había sido publicado este mismo mes. En una entrevista con la revista XXL publicada el 7 de febrero, Pop Smoke se adhirió al "cliché" de que cuando un niño afroamericano crece en el gueto en Estados Unidos solo tiene tres opciones: jugar a baloncesto, rapear o vender drogas. "Hice las tres y era bueno en todas ellas. Lo de rapear es solo otro paso en mi vida. No hay modo de saber que haré después de esto", aseguró. Figuras del rap como 50 Cent o Nicki Minaj lamentaron en las redes sociales el asesinato de Pop Smoke. "No hay éxito sin celos, la traición viene de los que son cercanos. Descanse en paz", escribió en Twitter, de manera enigmática, 50 Cent. "La Biblia nos dice que los celos son tan crueles como la tumba. Increíble. Descansa en paz, Pop", afirmó Nicki Minaj. "Eras demasiado joven. Que dios bendiga y dé consuelo a tu familia", señaló, por su parte, Chance The Rapper. El asesinato de Pop Smoke se une a la interminable lista de muertes prematuras por violencia que han ensombrecido la historia del rap estadounidense, que perdió en los dos últimos dos años por este motivo a artistas como Nipsey Hussle, XXXTentacion y Jimmy Wopo.
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